La segunda parte de las andanzas de Marty McFly y el chalado Doc Brown a bordo de la máquina del tiempo De Lorean corresponde a ese segundo acto oscuro clásico de otras trilogías millonarias de la época como Star Wars, Indiana Jones o la saga de videojuegos Monkey Island. La edulcorada comedia de enredo juvenil -con su cinismo oculto tras el mensaje de superación personal típico americano- pasa a ser una tétrica epopeya en pos de la salvación de la realidad tal y como la conocemos, con el malvado Biff Tannen alzándose como villano de altura en todas las realidades existentes. Pasamos de un utópico 2015 a un 1985 alternativo -verdadera distopía en el "presente"- al regreso al añorado 1955, que nos depara los momentos más mágicos y recordados de la trilogía.

La película gana enteros según avanza, resultando un gozo total para el espectador, debido al magistral uso de referencias casi auto-paródicas a la primera parte y situaciones recurrentes que demuestran que la saga es ya consciente de si misma y posee una rica mitología propia presente en toda corriente temporal o universo alternativo -el camión de estiercol, la fecha esencial de la tormenta de Hill Valley, el eterno "piensa McFly, piensa", el despertar de Marty tras quedar inconsciente, el monopatín, volador o no-, en una tendencia que continuaría en el último film de la saga -más flojo argumentalmente pero igual de divertido, y superior en emotividad y "mensaje"-. Rupturista y a la vez continuista, más de lo mismo pero mejor y más grande, y de paso te mostramos la otra cara de la moneda. Lección de como debe plantearse una secula.

El asombroso hallazgo argumental del almanaque deportivo -el mcguffin total- propicia un complejo y divertidísimo lío temporal dirigido con brío por Zemeckis al compás de las brillantes composiciones de Alan Silvestri -nunca un leit motiv fue tan bien empleado-. Recomendable para cualquier espectador e imprescindible para todo fan de la ciencia ficción y los films de aventuras de todos los tiempos. Buenísima.

La manida frase "ya no se hacen pelis como las de antes" cobra sentido aquí.

Nos encontramos en Antes del anochecer con el cierre de una reputada trilogía romántica, de la cual no es necesario ver las dos primeras partes para entender el argumento, pues las referencias al pasado son constantes y rápidamente nos ponen en situación. Los protagonistas son una pareja moderna (él escritor de éxito, ella mujer trabajadora, puede que abogada o similar, a la que se rifan importantes firmas) con una dilatada historia común, de vacaciones en Grecia sumidos en la clásica encrucijada sentimental pasados los 40.

Compuesta por cinco o seis extensas escenas de diálogo más o menos insustancial la mayor parte del tiempo y primeros planos en escenarios casi siempre estáticos, el film no utiliza ningún mecanismo de expresión cinematográfico para contar su "historia" (luego explico las comillas) llegando a asemejarse más a una obra de teatro.

La película en ningún momento logra involucrar al espectador que no conozca de antemano a la pareja, de la que prefiero no saber más, sencillamente porque no ocurre nada de interés, funcionando la obra como una suerte de remembranza de los sucesos acaecidos en los dos primeros films, y también como cobijo para las reflexiones sobre lo divino y lo humano (algunas curiosas y acertadas para tratarse de idiotas integrales, eso sí) que nos brindan los protagonistas en sus divagantes e interminables diálogos. De este modo su visionado llega a hacerse muy cansino hacia la mitad de metraje, cobrando algo de fuerza hacia el final, sin ofrecer tampoco una resolución convincente.

Comparaciones con el cine de Woody Allen serían sostenibles (caracteres con pretensiones intelectuales, algunos diálogos ingeniosos y divertidos) si no fuera porque en la obra del neoyorquino los personajes casi siempre experimentan evolución y se nos narran una serie de sucesos, mientras que en Antes del anochecer tenemos una relación ya establecida y unos personajes que al final de la película se encuentran en el mismo punto que al principio, personajes que al espectador que, como yo mismo, no ha visto los dos films anteriores, importan muy poco, como poco me importa la opinión de mi vecina del tercero sobre la vejez y las viruelas. ¿Se me entiende?

Antes del anochecer acaba por suponer una degeneración del séptimo arte, reducido a la mínima expresión en un ladrillo que podría haberse presentado en forma, como digo, de obra teatral (como un entremés sin gracia), o bien como entrada de blog de cotilleos, tanto hubiera dado y lo mismo lograría transmitir al respetable, ya que no emplea ninguna de las posibilidades que el medio cinematográfico brinda. Sus únicas virtudes terminan por ser la interpretación de los actores (de nuevo, muy teatral) y algún diálogo ágil e ingenioso, que sin embargo enseguida es estirado hasta el tedio.

Quizás como piloto de una serie de TV hubiese tenido más sentido, pero poquito cine podemos encontrar en sus incontables minutos de pretenciosa verborrea (venga, seamos sinceros: nadie habla así). Pero bueno, para no pasar nada, no está tan mal.

Ambientado en la guerra civil coreana, "Proyecto Ninjas del Infierno" es un drama épico de impecable factura técnica que adquiere verdadero trasfondo existencial cuando descubrimos que los norcoreanos no son otra cosa que Ninjas venidos de las profundidades del inframundo.

Plagada de elipsis de una sutilidad nunca vista que dejan en pañales a la archiconocida del hueso de "2001: Odisea del espacio", "Proyecto Ninjas del Infierno" se desmarca sobre todo como un brillante ejercicio de precisión en el montaje, que pone en entredicho la eficacia a la hora de crear un todo compacto mediante el encaje de historias de reputados films como "Pulp Fiction" o "El Padrino: parte II". Aprende Thelma Schoonmaker.

Una película que desafiará tus convicciones.

Se ha criticado a este estupendo actor por su actuación "underplaying" en esta "Drive", por "transmitir poco" o "no cambiar el gesto" cuando se trata de una de las interpretaciones más carismáticas y meritorias de los últimos años, un registro de otra época, cuya fuerza radica en la mirada, la pose y "el aura" y no en el artificio y los tics baratos al servicio de guiones epilépticos. Hay que ser muy cuadriculado y burdo como espectador para no darse cuenta pues no hablamos de sutilezas precisamente, la calidad de la interpretación es evidente para cualquiera. Pero entiendo que no guste a los que se hacen pajas con los Sean Penn de la vida o con el Pacino otoñal pasado de vueltas y más afectado que el ladrillo con la crisis.

En cuanto a la película es magnífica y cautivadora en tono, expresión y desarrollo. Un ejercicio de estilo como pocos he visto, arrollador y tenso en todo el tramo final y francamente bello al comienzo del metraje, presentando con habilidad la violencia que conmueve e impacta a un tiempo, sin dejar de ser un espectáculo entretenido en todo momento y sin más alardes que los agradecidos. Por no hablar de una banda sonora inolvidable en magnífica simbiosis con la estética del film que a mí particularmente me introdujo a un nuevo mundo musicalmente hablando.

"Drive" posee por todo esto una atmósfera y un caracter irrepetible que comentan ha intentado emular sin éxito Winding Refn en su nuevo film con Gosling: "Sólo Dios perdona". No juzgaré si esto es cierto o no hasta que la vea, pero desde ya digo que lo dudo, aunque el otro film del cineasta que he visto, "Bronson", me resultó intragable, reconociendo que, de todos modos, nos encontramos ante un director con unas inquietudes y un talento para transmitir algo, que puede gustarte o no, y eso ya es más de lo que podemos decir de gran cantidad de sus contemporáneos.

Nota: 8,3.

P.D.: Debo decir que no soy gay en absoluto pero la verdad es que tal y como sale Gosling en esta película con esa presencia arrebatadora y mojabragas le comía todo de arriba a abajo y hasta me dejaba poseer con saña y pasión. Repito, no soy gay.

El paradigma de western crepuscular: desmitificador, de estética sombría, melancólico y taciturno, ambientado en la época en que bandoleros, justicieros y canallas varios de legendaria habilidad con el revólver estaban ya cogiendo polvo en un rincón. La carne es frágil, la vida injusta y la muerte terriblemente real.

Más todo esto es un disfraz. Al final "Sin Perdón" acaba siendo un homenaje a la cultura de la venganza y la violencia estadounidenses, a los infinitos clones del "Hombre sin nombre" interpretados por Eastwood, al ídolo sobrehumano que aquí encarna por última vez y emerge en el tramo final de la cinta en toda su gloria, reconocible y admirable. Una última concesión de Clint a los fans antes de sumergirse en la etapa otoñal de su filmografía, ya decididamente pesimista y humanista, sin egocentrismos ni mitos inmortales.

Sin duda la traición final al tono y espíritu del film se comprende, se agradece y se disfruta. Valió la pena.

Una auténtica gozada: 8,1