La última entrega de Disney supone una reinterpretación de la historia de La bella durmiente, pero no del cuento sino de su propia versión cinematográfica de 1959. La icónica, elegante y verdosa Maléfica tiene unos motivos desconocidos por los que es malvada y, como se nos ha dicho en los anuncios de la película, conocíamos el cuento y ahora vamos a saber la verdad.
Con una narración en off, característica de los cuentos de hadas, y una presentación del bucólico territorio de las hadas, la película empieza con unas imágenes empalagosas cercanas al mundo de Campanilla, un lugar plagado de seres poco agraciados que parecen recién sacados de Star Wars. En contraposición, allende los límites de la ciénaga feliz, se encuentra el mundo de los seres humanos, en ese entorno espacio-temporal entre Juego de Tronos y El señor de los anillos. Ambos mundos contrapuestos no deben mezclarse nunca hasta que, claro está, terminarán por hacerlo.
La guía del reino fantástico es Maléfica, un hada poderosa, buena y protectora de su mundo, presentada primero como adolescente y luego como adulta. Es entonces cuando vemos por primera vez a la grandiosa Angelina Jolie en escena, momento desde el cual la película mejora sobremanera. La actriz se come la pantalla desde el primer fotograma pues no en balde toda la historia está diseñada para su lucimiento. Jolie realiza una creíble actuación, enfundada de negro y con cuernos, cumpliendo con creces las expectativas de un hada con dos caras, una buena y otra mala. Porque Maléfica se traslada hacia el lado oscuro por un acto de extrema crueldad hacia ella que la convierte en un ser rencoroso y vengativo. Es el momento álgido de la película muy bien escenificado, así como los momentos inmediatamente posteriores en los que retorna a su mundo, ya no tan feliz. Una vez los espectadores conocemos los motivos de la transformación de Maléfica casi compartimos su sed de venganza.
Pero la película no es lo tenebrosa que pudiera parecer. Prevalece la historia de un cuento de hadas reinterpretado con caracteres psicológicos se ha puesto de moda. Hay muchos puntos en común con Frozen, la entrega anterior de Disney, aspectos que no voy a desvelar pero que generan en los espectadores una relación empática con el sufrimiento del personaje protagonista, valor en alza en el cine familiar actual.
El resto de los personajes resultan adecuados a su papel: la dulce e ingenua princesa Aurora, el rey Stefan, el príncipe encantador, las hadas torpes… Evidentemente quedan eclipsados por la omnipresencia de Jolie, pero no importa, no se pretende otra cosa.
Evidentemente los efectos especiales tienen un lugar fundamental en el film. Aunque en ocasiones dan la sensación de demasiado digitales, en general muestran un escenario adecuado para la historia. Mejor los momentos de acción que las escenas a vista de pájaro. Nos hemos acostumbrado a un nivel de excelencia tal en estos aspectos que no les damos el justo valor que tienen. Personalmente disfruto muchísimo de las posibilidades que la animación CGI (Computer Generated Imaginery) ofrece al cine y no debemos despacharlo como algo anecdótico pues lleva detrás una carga considerable de creación artística.
Tampoco hay que dejar de mencionar el excepcional trabajo de maquillaje y la adecuación digital del rostro de Jolie; esos ojos de color verde amarillentos, esas mejillas cuasi puntiagudas le confieren un atractivo singular que ha sido convenientemente explotado en los trailers con el acompañamiento de la voz grave y lánguida de Lana del Rey.
En conclusión, se trata de una película con altibajos pero lo suficientemente atractiva para el público infantil y para el público adulto al que le guste la fantasía tierna. Y como se dice en el título, la película no es tenebrosa, pudiendo disfrutar de ella hasta los niños más pequeños.

A veces es difícil saber si una obra es profunda o pretenciosa. Muchas veces el calificativo depende de la personalidad o la sensibilidad de quien la contempla. Pues bien, para mí, por momentos, “Viaje a Sils María” me ha parecido pretenciosa.

La película es una escenificación constante, en otro plano, de la propia obra de teatro que va a representar Maria Enders (Juliet Binoche): la relación con su ayudante personal, Valentine (Kristen Stewart), es prácticamente idéntica a la de los personajes teatrales sobre los que ensayan. Desde muy pronto nos damos cuenta de esa identificación, no solo cuando están ensayando la obra sino también en su relación diaria. Valentine es Sigrid, la joven, la segura, la fuerte. Maria depende de Val, se siente atraída por ella, pero no se da cuenta o se deja llevar, que resulta más cómodo.

Binoche representa a María que representa a Elena, pero también es ella misma porque el tiempo ha pasado en la realidad. Como su personaje, se hizo famosa muy joven y, como su personaje también, ahora tiene que interpretar papeles de mujer madura, conforme a su edad. Stewart es Valentine pero también es su realidad, una actriz joven de moda y bien pagada, como lo es igualmente Chloë Graze Moretz que representa a la actriz que dará vida en la obra de teatro a Sigrid.

Los espectadores vamos estableciendo los paralelismos desde muy pronto y, una vez entendido esto del paso del tiempo, esto de la aceptación de ser quien eres en el momento que vives, esto de dejar de recordar quién eras, pues, bueno, a ver cómo actúan las protagonistas. Quizá porque a mí también me ha dado el síndrome de María Enders, me parecen muchísimo más naturales y creíbles las actuaciones de las dos jóvenes actrices que la de Binoche cuyas borracheras y risas me han resultado forzadas.

Para colmo de interpretaciones en varios planos, la película nos muestra un hermoso fenómeno meteorológico, la serpiente de Maloja, que no sé si pretende ser una metáfora del paso del tiempo o una simple muestra de la belleza alpina. Una nubes en forma de serpiente, cuyo origen no ha sido científicamente establecido, que se trasladan desde el sur en su avance inexorable hacia los valles suizos. Si tuviera ocasión, le preguntaría un día a Olivier Assayas, guionista y director de esta película, sobre el significado de la serpiente de Maloja porque esto sí se me ha escapado.

Hace poco vi "Kick ass" en la tele, por casualidad, doblada, con anuncios, que no es el mejor modo de acercarse a una película, pero qué le vamos a hacer; estuve pendiente hasta el final porque tenía curiosidad por enfrentarme a este producto de Mathew Vaughn, el director que pretende convertirse en el nuevo Tarantino.

Reconozco que me quedé ante el televisor porque vi hace unas semanas "Kingsman. Servicio secreto", del mismo autor, esta vez en el cine, en versión original, con todas las condiciones adecuadas para contemplar bien una película y…, bueno la crítica va sobre la primera.

"Kick ass" está basada en las andanzas de un personaje de cómic reciente, el “pateaculos”, un adolescente con la intención de convertirse en superhéroe. Por supuesto recibe guantazos a mansalva pero, afortunadamente para él, le salva un superhéroe de verdad (Nicolas Cage) algo bestia, eso sí, con una niña que es una mini Kill Bill y unos malos malísimos que disfrutan con la tortura, vamos que se parten de risa cuando entran en acción.

Vaughn quiere crear un género basado en el esperpento de los superhéroes, como si los espectadores estuviéramos en el centro de uno de tantos videojuegos aceradamente violentos que pululan por el mercado. El destinatario último de la película parece ser precisamente ese adolescente masculino que podría disfrutar también con los "spaghetti western" de los años 60 si no fuera porque ya nadie los ve en la red. La comparación no es gratuita. En el prólogo de la gran batalla final, la película incorpora los famosos silbidos de "La muerte tenía un precio", del grandioso Ennio Morricone, pero no solo como ambientación musical sino porque el film tiene ese aire de los buenos no ganan a los malos si no es a través de los tipos duros que hacen el trabajo sucio necesario para limpiar nuestra sociedad.

Tengo que reconocer que me reí con alguna que otra escena, pero también tengo que decir que me saturé de tantos tajos, disparos y explosiones. El tono es mucho más socarrón incluso que el de Tarantino, pero también más simple. La película entretiene, tiene ritmo, pero aunque mi comentario parezca casposo, prefiero quedarme con Austin Powers, como burla de los superespías o los superhéroes.

Disney ha apostado fuerte y le ha salido bien la jugada de crear un hermoso cuento a la vieja usanza aunque, eso sí, adaptado a lo que se espera hoy en día en una historia de princesas. Durante meses, la factoría anduvo ocultando la trama principal de la película para conseguir atraer a la parte masculina infantil que, posiblemente, ha acudido casi en la misma proporción que las niñas al cine. Significativo fue el primer tráiler en el que, entre unas imágenes de excelente factura, parecía que nos íbamos a encontrar con una película de la saga de Ice Age. Pero no.

Frozen es una historia clásica, no en vano es de Disney, pero con importantes novedades. Los personajes femeninos se convierten en protagonistas y heroínas, con toques humorísticos y dramáticos. Hablamos de Elsa y Anna, dos hermanas que, separadas a su pesar, se enfrentan a un trágico destino que no ha sido causado por ningún villano. Disney quiere mantener su imagen de marca, ya renovada con la encantadora Enredados, a la que seguramente supera Frozen, todo ello enmarcado en una hermosísima animación digital en 3D.

Nos encontramos ante una película dual en muchos sentidos. En primer lugar porque tiene dos partes claramente diferenciadas. En la primera nos hallamos inmersos en un musical, en el que predominan las escenas cantadas que nos introducen en la historia y en las características de los personajes. La segunda parte, por el contrario, es una película de aventuras, sin apenas canciones. Es decir, que se abstengan de venir a verla los que no gustan de este tipo de cine.

También es dual porque, como se ha dicho, el film tiene dos protagonistas femeninas, hay dos muchachos prestos al rescate, dos personajes cómicos, papel reservado a Anna en la primera parte y que luego será ocupado por el simpático muñeco de nieve Olaf; y por último, más de un malvado suelto. Por cierto, el muñeco es un gran acierto. Encanta a los niños y nunca, nunca resulta pesado. Comparte además una tierna escena con Anna que te parte el corazón.

Pero lo novedoso de la película es la complejidad de la trama, no habitual en el cine de animación. Es una historia de soledad en la que se hace daño sin querer, incluso cuando se intenta evitar, y es también, una bonita historia de amor. Todas y cada una de las escenas en las que aparecen juntas Elsa y Anna tienen una carga emocional intensa. El misterio que las separa, y que solo Elsa y nosotros mismos conocemos, nos hace sufrir por las dos. Elsa es posiblemente el personaje de animación más dramático que conozco pero ojo, que también estamos hablando de una película para niños, con una serie de guiños y chistes para agradar al público infantil. Precisamente la facilidad con la que la película se desliza del drama a la comedia es un punto a favor de su montaje.

Frozen es también un musical excelente. "Let it go "(Libre soy/Suéltalo) es candidata al óscar a la mejor canción y su video tiene ya (escribo a incios de febrero) más 80 millones de visitas en YouTube. "Do you want to build a snowman" (Y si hacemos un muñeco/Hazme un muñeco de nieve) es simplemente magistral, con una sucesión de escenas que nos trasladan de la infancia a la juventud de las protagonistas con un final que te provoca un nudo en la garganta. La banda sonora de Christoff Beck realza perfectamente todas y cada una de las escenas aunque debido a que estamos pendientes de lo que ocurre en la pantalla, no le prestamos quizá la debida atención.

¿Y qué decir de la animación? Pues simple y llanamente que es perfecta. La nieve, el hielo, la luz que ilumina el palacio de Elsa, el pelo, la textura de las telas…. Todo ello sigue la estela de Pixar que transformó la animación digital creo que definitivamente. Ahora bien, la imagen de las protagonistas parece más una herencia de la estética “manga” del estudio japonés Ghibli. Una de las películas de este estudio, "Se levanta el viento", compite precisamente con Frozen por el óscar a la mejor película de animación.

Por supuesto, la película no es perfecta entre otros motivos porque cada cual considera diferentes puntos fuertes y puntos débiles. Quizá ya habrán leído comentarios de lo simpático o lo insoportable que resulta Olaf. Hay quienes destacan la primera parte de la película mientras hay otros que reniegan de ella. Algunos opinan que falta el villano clásico mientras hay quienes opinan (yo me encuentro entre ellos) que puede no ser necesario. En fin, hay que verla y que cada cual se sitúe donde se encuentre más cómodo.
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Para finalizar, quiero decirles que me resultó encantador escuchar los aplausos de los niños al finalizar la película mientras los adultos sonreíamos porque nos lo habíamos pasado muy bien. Pero si van sin niños, por favor, véanla en versión original. Como todas las películas, por otro lado…

A veces, hasta los seres más abyectos son capaces de sentir ternura. La inocencia de Caperucita desarma al lobo feroz más cruel (Karra Elejalde) en una historia original y sin concesiones a la sensiblería. Una cinta de suspense con un ligero toque de humor negro que nos muestra lo mejor de Juanma Bajo Ulloa antes de ese giro a los infiernos de lo chabacano, iniciado con "Airbag", en un camino que nos ha llevado a la horrible "Rey gitano". Vuelve Juanma, te echamos de menos.

Aquí la magnífica interpretación de Karra y la delicadeza de Ana Álvarez nos trasladan a situaciones por momentos absurdas, por momentos ridículas en un dibujo de personajes con matices. Esto es un cuento para adultos, en el que el malo, a veces, también es bueno, como desgraciadamente pasa en mundo real.

No quiero dejar de mencionar la memorable banda sonora de Bingen Mendizabal. Lástima que el cine español no prodigue más estos recursos tan esenciales para una buena película, como es esta. No es perfecta, le sobran algunas escenas de pis y caca (¿me explican lo que significa el cambio del pañal del bebé en el tren?), el abuso de la lluvia a chorros, las pistolas en vitrinas listas para desalmados que pasen por ahí... Aun así, con sus imperfecciones, la película consigue introducirnos en una historia improbable, pero no imposible. Vuelve, Juanma, vuelve.