El severo profesor Emmanuel Rath (Emil Jannings) ejerce como docente en el liceo masculino de una pequeña ciudad alemana, donde rige sus clases bajo un ambiente de pedantería y puritanismo. Intentando erradicar toda muestra de inmoralidad en los jóvenes estudiantes, descubre que varios de ellos acuden asiduamente a un cabaret del puerto llamado El Ángel Azul. Allí disfrutan cada noche con la actuación de la estrella del local, Lola Lola (Marlene Dietrich), que seducirá al profesor cuando este vaya en busca de sus descarriados alumnos.

Este clásico del cine alemán producido por la UFA supuso el nacimiento del gran icono germano de la gran pantalla, una espectacular y seductora Marlene Dietrich, capaz de eclipsar a Emil Jannings, que por aquel entonces ya era una auténtica estrella consagrada y estaba destinado a acaparar todos los focos de esta producción. Como decimos, no fue este el resultado, ya que la provocación y el erotismo consciente de la rubia de Schöneberg comenzaban a moldear la imagen de "vampiresa sofisticada y perversa" que tan alto le harían subir, sobre todo de la mano de von Sternberg, llevándole hasta Hollywood años después.

La película también supuso una de las primeras incursiones del cine sonoro en Europa, y la dirección de Sternberg fue muy reconocida y alabada. Uno de estos aspectos sonoros, la BSO, es elemento central en las actuaciones de Lola Lola en el cabaret; es difícil olvidar la canción "ich bin von kopf bis fuß auf liebe eingestellt" (De la cabeza a los pies, estoy hecha para el amor), interpretada por la femme fatal para seducir al profesor.

Los valores que aborda la trama, tachada de anticuada por críticas más actuales, se acercan a la decadencia que llega a sufrir el personaje de Jannings al perderse en los encantos de Lola. Sus paseos nocturnos entre la niebla camino al cabaret portuario entre cantos de sirenas, nos trasladan al subconsciente del protagonista y a sus deseos más ocultos y naturales, donde su razón no llega para poner orden. Y es en este caos donde reina Lola, que conducirá al profesor a la más cruel desdicha, donde será objetivo de burlas y humillaciones por parte de los que una vez sintieron respeto y admiración por él.

Sin duda un relato cruel y desolador, de cómo lo escrupuloso, ordenado y próspero se vuelve sucio, perturbado y decadente. Una de esas joyas cinematográficas que produjo la UFA antes de su declive pocos años más tarde.

Reseña de mi blog -> http://lacintablanca.com/

Película algo distinta a las otras dos de la trilogía en tanto a que se relata como si de un cuento se tratase, una alegoría fantástica sobre la pobreza y la injusticia social, lo que en mi opinión le resta dramatismo al ser quizás la menos realista. Lo que intento decir se aprecia brevemente en la especie de moraleja que la acompaña, y que deja una sensación de fantasía: <<C'era una volta...[ ]...verso un regno dove buongiorno vuol dire veramente buongiorno>> (Érase una vez en un reino donde buenos días significa realmente buenos días).

Un joven huérfano carismático y bondadoso, Totó, vive en un barrio de chabolas a las afueras de Milán junto con otros pobres. Allí intentan todos vivir como pueden, cada uno aportando lo que tiene en mayor o menor medida, hasta que un día se descubre que el terreno contiene petróleo y el magnate dueño del mismo, el Señor Mobbi, intenta echarlos a todos para su explotación. En esas circunstancias se obrará el fantástico milagro y los pobres intentarán ganarle la partida al ricachón.

La sociedad creada por Vittorio De Sica en el barrio de chabolas, refleja un estereotipo de la Italia del momento en cada uno de los fabulosos personajes del lugar, así tenemos al avaricioso, al generoso, al desafortunado, al agradecido... Un sin fin de personalidades perfectamente plasmadas por actores no profesionales como va siendo habitual en el subgénero.

Otro aspecto que vemos en este film en mayor medida que en las otras dos cintas, es su aspecto cómico, con mayores pizcas de buen humor como por ejemplo, el entrañable "timbre" de la chabola de Eduvige, la amada de Totó, que no es otro que su propio hijo atado a una cuerda de la que se tira desde fuera de la casa y éste grita "¡Hay gente!".

Todo esto la convierte en quizás la más conmovedora de las tres, pero es un sentimiento más blando por así decirlo, no tan dramático. También posee la BSO más potente de la trilogía, un aspecto que refuerza con alguna que otra canción original interpretada por los actores.

Muchos tachan al final como "demasiado pretencioso", quizás sea así pero yo lo veo como un final ya anunciado por el trascurso de la última media hora, más risueña que la trama en general y con más optimismo que crudeza. Ganadora de una Palma de oro, entre otros premios.

Más en -> lacintablanca.com

La apertura es un elemento fundamental en el ajedrez. Una apertura sólida permitirá asegurar posiciones ventajosas en posteriores movimientos estratégicos, mientras que su debilidad dificilmente será compensada en el transcurso de los turnos.

Quentin Tarantino empezó su carrera cinematográfica manejando las piezas blancas de su particular tablero de ajedrez, planificando una apertura abierta, que en términos ajedrecisticos no es más que la que deja al Rey liberado. En su caso Quentin dejó escapar todo su talento con solo el primer movimiento: Reservoir Dogs.

Presentamos a la ópera prima del director estadounidense como una declaración de intenciones, una obra maestra del cine indie americano, que establecería los cimientos de su todavía, afortunadamente, incompleta filmografía que a tantos nos maravilla. Para hacerlo de una forma especial, utilizaremos el símil del ajedrez, un juego de culto al igual que lo son los diálogos referenciales, los detallados personajes o los homenajes fílmicos que caracterizan los guiones del auteur.

Empezando por el principio, aparece la musa en la que todo genio debe inspirarse, la Reina en su tablero. Para Tarantino esa fue 'Atraco Perfecto' de Stanley Kubrick. Él se inspiró en una frase de este film para canalizar sus intenciones y su filosofía cinematográfica: "Te voy a dejar esa cara tan bonita que tienes convertida en hamburguesas". Se encerró entusiasmado durante semanas en su apartamento hasta dar a luz al perfecto guión, una historia esencialmente violenta no exenta de humor, binomio de piezas que forman ese tablero de la conciencia de Quentin, y que plasma en todas sus películas.

Corría el año 1992, cuando todo esto le pasaba por la cabeza de forma lo suficientemente clara y concisa como para rodarla rápidamente y por un millón y medio de dolares, acercándose a presupuestos más propios de cine de Serie B, y plasmando así ese entorno indie que tanto ayuda al film.

"Una banda organizada es contratada para atracar una empresa y llevarse unos diamantes. Sin embargo, antes de que suene la alarma, la policía ya está allí. Algunos miembros de la banda mueren en el enfrentamiento con las fuerzas del orden, y los demás se reunen en el lugar convenido" - Filmaffinity.

Esta es la base, la descripción objetiva y superficial, nada más que un peón suma y complemento del resto: apasionante trama, diálogos ingeniosos, gran banda sonora, minuciosa puesta en escena, montaje partido en espacio y tiempo... elementos que forman esa primera línea de contacto con el espectador.

Pero todo ello se presupone en más altas esferas. El proyecto cabalgó a lomos de los caballos del cine independiente con la visión cinematográfica de Tarantino, y un particular giro postmodernista del cine de gansters, asentándose entre sus dos torres de culto cimentadas en la comentada atmósfera filmica, mezcla de elementos pulp y cine noir extraídos de un buen número de películas a las que hace referencia y de las que se sirve.

Para completar este tándem perfecto, Tarantino mueve sus alfiles en diagonal hacia nuestra memoria fílmica con varias escenas como la del corte de oreja (con el tema 'Stuck in the Middle with you' de Stealers Wheel), la conversación inicial que gira en torno a 'Like a Virgin' de Madonna, el reparto de los nombres en clave de cada personaje... Esas imágenes que son necesarias para que la película se grabe en la mente del espectador, ese objeto de culto tan preciado y perseguido por todo buen cineasta que se precie.

Así se presentó en sociedad un todavía desconocido Quentin Tarantino, director que saltó a la fama con toda esta muestra de intenciones. Y es que el Rey de este tablero de ajedrez no puede ser otro que este gran director que a veces solo encuentra un rival de su altura en sí mismo, cuando toma el mando de las piezas negras y muestra su otra cara con proyectos carentes de genialidad y chispa, esa que le hace repetir hasta la saciedad sus virtudes en formas carentes de sentido y ritmo, esa que le hace caer en escenas ridículas e inverosímiles como las expuestas en 'Malditos Bastardos', film defendido por muchos pero odiados por otros que, como yo, vemos agotados los motivos que llevaron a Tarantino a ser lo que es, un verdadero genio cuando quiere.

Artículo sacado de mi blog -> lacintablanca.com

De las primeras películas, junto con ‘Un gran reportaje’ (Lewis Milestone, 1931), que tratara la temática relacionada con el mundo del periodismo, ‘Sed de escándalo‘ supuso la segunda colaboración consecutiva, tras ‘Hampa dorada’ (1931), del tándem formado por Mervyn LeRoy y Edward G. Robinson, director y actor protagonista, respectivamente.

Hinchecliffe (Oscar Apfel), editor del periódico neoyorquino Evening Gazette, se encuentra preocupado por los escasos resultados que obtiene el tabloide al seguir una política éticamente correcta. Para revertir la situación decide recurrir a una serie de prácticas mezquinas, entre las que destaca el cambio editorial hacia una línea puramente sensacionalista. Es aquí donde entra en acción Randall (Edward G. Robinson), que se encargará de dirigir la publicación del caso Voorhees, una trama de asesinato cerrada hace 20 años. Entonces Nancy Voorhees (Frances Starr) disparó contra su amante pero ahora, años después, ella es una feliz madre de familia que no quiere remover su pasado.

Estupendo melodrama con tintes de cine negro perteneciente a la prolífica filmografía que Mervyn LeRoy realizó durante los años 30, llegando a filmar más de una veintena de títulos en dicha década y destacando la problemática social como principal temática en obras como ‘Soy un fugitivo’ (1932) o ‘Ellos no olvidarán’ (1937), en los que denunciaba los sistemas carcelario y judicial respectivamente, sumándose así la cinta que nos ocupa como crítica del ámbito periodístico.

Nos encontramos ante un film que evidencia características propias de los primeros años del cine sonoro, destacando las estupendas actuaciones de gran parte del reparto (un astuto Boris Karloff, el comprensivo H.B. Warner o una atormentada Marian Marsh, por ejemplo) y mostrando una gran vitalidad en su técnica narrativa.

Así mismo, la película hace gala de una serie de escenas brillantes tanto a nivel técnico como narrativo, véase una de las primeras pantallas divididas del cine que nos narra el desesperado contacto telefónico entre Nancy Voorhees y la redacción de la Gazetta, o la entrevista trampa que Isopod (Karloff) hace a la familia, entre otras.

En suma, una buena película en contra del sensacionalismo periodístico perfectamente trasladable a la actualidad que cuenta con muchos puntos apreciables e interesantes, y que cierra con una reflexión final al mostrarnos la última edición del periódico tirada entre el barro que es recogido al empezar un nuevo día; el amarillismo venció llevándose por delante a una familia decente, mientras los dirigentes de los tabloides, representados en G. Robinson, se lavan las manos.

Blog -> lacintablanca.com

Corto simpático en cuanto a dibujo y banda sonora.

Las tres mujeres se dedican a malvivir simplemente para mantener en pie los restos del viejo templo, cuando por accidente se les derrumba. A partir de ahí se ven totalmente liberadas de esa carga y pasan a tener una vida nueva sin ataduras.

En cuanto a mi interpretación, un mensaje sobre vivir libres y disfrutar el presente, sin quedarnos tristemente anclados en el pasado.