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España España · Valverde del Camino
Críticas de Fleming22
Ordenadas por:
21 críticas
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6
1 de junio de 2012
8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Curiosa metáfora de lo que no siempre se aprecia en una obra de arte.
El autor comienza a esculpir una obra que a su vez esculpe también a su autor, haciéndonos pensar quién es realmente el esculpido. Y es que muchas veces no apreciamos el verdadero proceso de cambio y desgaste que sufre un artista mientras emplea su tiempo en crear las obras que llevarán su nombre.
Pero, ¿quién es el autor de quién?, ¿sufre mayor transformacion el lienzo en blanco que el autor previo a una obra importante?
No se, pero el corto consigue que me pare a reflexionar, y es lo que buscaba antes de verlo...
Fleming22
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7
25 de junio de 2014
7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
De la mano de los Hermanos Coen (Joel & Ethan) se presenta este film sobrio y melancólico que se centra en el renacimiento de la música folk estadounidense en los años sesenta.

New York, 1961. Llewyn Davis es un joven cantautor de folk que malvive y subsiste como puede en Greenwich Village. Con su guitarra a cuestas, sin residencia estable ni apenas dinero y sin abrigo para protegerse del frío invernal, pelea por ganarse la vida como músico, actuando en bares y buscando algún mánager que le permita dar el salto definitivo. Relato de la lucha en busca de un sueño que no resistirá eternamente las múltiples embestidas del destino.

La película está parcialmente basada en la vida de Dave Van Ronk (1936-2002), cantante neoyorquino de música folk, apodado como ‘el alcalde de la calle MacDougal’. Su mote es debido a que, al igual que la de Llewyn, su música se desarrolló en cafeterías y bares de la gran manzana, donde conoció, inspiró y ayudó a varios artistas como Bob Dylan, Phil Ochs o Jony Mitchel, entre otros.

La vida de Llewyn nos conduce en un periplo de escenario en escenario para actuar, de sofá en sofá para dormir, y de puerta en puerta buscando ayuda. Los productores musicales no le prestan atención y, en el mejor de los casos, le proponen trabajos insustanciales o formando parte de grupos, de los que el protagonista huye pues hace poco formó un dúo y su compañero se suicidó. Con este lastre carga todo el metraje, lo que le provoca ciertos estados de ansiedad que acaba pagando con los que le tienden la mano.
La película, como una canción folk, no suele obtener un resultado de entusiasmo en el espectador, pero su toque melancólico y desventurado hace que se cree un sentimiento de satisfacción que lleva a disfrutarla. La dirección de los Coen es excelente, y su narración uno de los aspectos a destacar, guiándonos por ese ambiente gélido, errante e inestable para un viaje en busca de mejor suerte.

Las actuaciones de los actores son muy buenas, destacando la de Oscar Isaac (Llewyn) que además de dejarnos un personaje capaz de transmitir con la mirada, interpreta varias de las canciones de la estupenda BSO folk que nos lega el film. Y es que cada una de las escenas musicales consiguen que nos sintamos realmente sentados en el bar, entre humo y oscuridad, en silencio, solos frente a Llewyn con el único afán de degustar su voz. En lo que a cantantes tan únicos como olvidados se refiere, nos recuerda a Rodríguez, protagonista del fantástico documental ‘Searching for Sugar Man’ (Malik Bendjelloul, 2012).

En definitiva, los Hermanos Coen nos regalan una obra con una ambientación única, como de costumbre, en la que perdernos acompañando a Llewyn Davis por ese viaje nómada en busca de su sueño: vivir su la música. Como decimos, no es un film que entusiasme pero si permite pasar un buen rato y nos acerca de paso al mundo del folk americano.

Reseña de mi blog -> http://lacintablanca.com/
Fleming22
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9
31 de agosto de 2013
6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
La apertura es un elemento fundamental en el ajedrez. Una apertura sólida permitirá asegurar posiciones ventajosas en posteriores movimientos estratégicos, mientras que su debilidad dificilmente será compensada en el transcurso de los turnos.

Quentin Tarantino empezó su carrera cinematográfica manejando las piezas blancas de su particular tablero de ajedrez, planificando una apertura abierta, que en términos ajedrecisticos no es más que la que deja al Rey liberado. En su caso Quentin dejó escapar todo su talento con solo el primer movimiento: Reservoir Dogs.

Presentamos a la ópera prima del director estadounidense como una declaración de intenciones, una obra maestra del cine indie americano, que establecería los cimientos de su todavía, afortunadamente, incompleta filmografía que a tantos nos maravilla. Para hacerlo de una forma especial, utilizaremos el símil del ajedrez, un juego de culto al igual que lo son los diálogos referenciales, los detallados personajes o los homenajes fílmicos que caracterizan los guiones del auteur.

Empezando por el principio, aparece la musa en la que todo genio debe inspirarse, la Reina en su tablero. Para Tarantino esa fue 'Atraco Perfecto' de Stanley Kubrick. Él se inspiró en una frase de este film para canalizar sus intenciones y su filosofía cinematográfica: "Te voy a dejar esa cara tan bonita que tienes convertida en hamburguesas". Se encerró entusiasmado durante semanas en su apartamento hasta dar a luz al perfecto guión, una historia esencialmente violenta no exenta de humor, binomio de piezas que forman ese tablero de la conciencia de Quentin, y que plasma en todas sus películas.

Corría el año 1992, cuando todo esto le pasaba por la cabeza de forma lo suficientemente clara y concisa como para rodarla rápidamente y por un millón y medio de dolares, acercándose a presupuestos más propios de cine de Serie B, y plasmando así ese entorno indie que tanto ayuda al film.

"Una banda organizada es contratada para atracar una empresa y llevarse unos diamantes. Sin embargo, antes de que suene la alarma, la policía ya está allí. Algunos miembros de la banda mueren en el enfrentamiento con las fuerzas del orden, y los demás se reunen en el lugar convenido" - Filmaffinity.

Esta es la base, la descripción objetiva y superficial, nada más que un peón suma y complemento del resto: apasionante trama, diálogos ingeniosos, gran banda sonora, minuciosa puesta en escena, montaje partido en espacio y tiempo... elementos que forman esa primera línea de contacto con el espectador.

Pero todo ello se presupone en más altas esferas. El proyecto cabalgó a lomos de los caballos del cine independiente con la visión cinematográfica de Tarantino, y un particular giro postmodernista del cine de gansters, asentándose entre sus dos torres de culto cimentadas en la comentada atmósfera filmica, mezcla de elementos pulp y cine noir extraídos de un buen número de películas a las que hace referencia y de las que se sirve.

Para completar este tándem perfecto, Tarantino mueve sus alfiles en diagonal hacia nuestra memoria fílmica con varias escenas como la del corte de oreja (con el tema 'Stuck in the Middle with you' de Stealers Wheel), la conversación inicial que gira en torno a 'Like a Virgin' de Madonna, el reparto de los nombres en clave de cada personaje... Esas imágenes que son necesarias para que la película se grabe en la mente del espectador, ese objeto de culto tan preciado y perseguido por todo buen cineasta que se precie.

Así se presentó en sociedad un todavía desconocido Quentin Tarantino, director que saltó a la fama con toda esta muestra de intenciones. Y es que el Rey de este tablero de ajedrez no puede ser otro que este gran director que a veces solo encuentra un rival de su altura en sí mismo, cuando toma el mando de las piezas negras y muestra su otra cara con proyectos carentes de genialidad y chispa, esa que le hace repetir hasta la saciedad sus virtudes en formas carentes de sentido y ritmo, esa que le hace caer en escenas ridículas e inverosímiles como las expuestas en 'Malditos Bastardos', film defendido por muchos pero odiados por otros que, como yo, vemos agotados los motivos que llevaron a Tarantino a ser lo que es, un verdadero genio cuando quiere.

Artículo sacado de mi blog -> http://lemanoir-dudiable.blogspot.com.es
Fleming22
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7
5 de noviembre de 2015
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Enmarcada en plena transición entre el cine mudo y el sonoro nos encontramos esta gran cinta del cine franco-suizo dirigida por Dimitri Kirsanoff, director de origen ruso y aclamado por sus films experimentales pertenecientes al impresionismo francés de los años 20, destacando entre todos sus trabajos a ‘Ménilmontant’ (1926).

Nos encontramos en plena cordillera de los Alpes suizos, auténtica encrucijada de razas divididas por las montañas. Allí, Firmin (Geymond Vital), un guapo y joven pastor, secuestra impulsivamente a Elsi (Dita Parlo), una joven y bella mujer de la aldea vecina para vengar la muerte de su perro, hecho que solo trae terribles consecuencias para todos: la muerte del hermano de Elsi, desdicha para la madre de Firmin y abandono para su prometida Jeanne (Nadia Sibirskaïa).

Kirsanoff abandona temporalmente su estilo vanguardista para embarcarse en este drama de tintes épicos, agudizando la tragedia si cabe aún más por la hostilidad y lo escabroso del medio en que se desarrolla la acción. Dentro del guión, destacar por supuesto el amour fou experimentado por los dos protagonistas, Firmin y Elsi, y que ve en el papel de Dita Parlo, una rubia de inocente e intrigante aspecto pero inteligente y manipulador fondo, su principal sustento.

Precisamente la actriz alemana destacó entre los nombres del reparto por su actuación expresiva, arrastrando aún el estilo interpretativo del cine silente, y por una escena en la que deja ver sus pechos, un gesto avanzado y atrevido para la época. Hacer alusión también al solapamiento que produce esta intervención con su papel en ‘L’Atalante’ (Jean Vigo, 1934), película que protagonizó en el mismo año y que dejó su personaje, Juliette, en el recuerdo de la cinefilia. Un caso semejante ocurre con la otra protagonista femenina Nadia Sibirskaïa, entonces esposa de Kirsanoff e interprete de la emblemática cinta ‘Ménilmontant’ (1926).

Volviendo al film, destacar también la estupenda fotografía en blanco y negro capaz de crear la atmósfera barroca que caracteriza gran parte del metraje de la cinta, recordando a referentes del expresionismo como ‘Vampyr’ (Carl Theodor Dreyer, 1932) o ‘El golem’ (Wegener & Boese, 1920), película, ésta última, con la que comparte tramos del desenlace final.

Como flaquezas señalar la a veces cargante banda sonora, algo arcaica y repetitiva a la hora de ocupar tramos de silencio; y algunos apuntes del guión que pueden resultar forzados, como la fragilidad de las relaciones de amor entre personajes o el final de la acción, algo sobrevenido.

Buena película de un Kirsanoff más cercano al cine realista (y trágico) que a su habitual vanguardismo y que supone todo un clásico para la industria franco-suiza. Film crítico también al señalar las diferencias surgidas entre los distintos habitantes del país alpino, para los que cita C.F. Ramuz: “Allí hablan en otro idioma, creen en otro dios”.

Blog -> lacintablanca.com
Fleming22
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9
20 de junio de 2014
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El severo profesor Emmanuel Rath (Emil Jannings) ejerce como docente en el liceo masculino de una pequeña ciudad alemana, donde rige sus clases bajo un ambiente de pedantería y puritanismo. Intentando erradicar toda muestra de inmoralidad en los jóvenes estudiantes, descubre que varios de ellos acuden asiduamente a un cabaret del puerto llamado El Ángel Azul. Allí disfrutan cada noche con la actuación de la estrella del local, Lola Lola (Marlene Dietrich), que seducirá al profesor cuando este vaya en busca de sus descarriados alumnos.

Este clásico del cine alemán producido por la UFA supuso el nacimiento del gran icono germano de la gran pantalla, una espectacular y seductora Marlene Dietrich, capaz de eclipsar a Emil Jannings, que por aquel entonces ya era una auténtica estrella consagrada y estaba destinado a acaparar todos los focos de esta producción. Como decimos, no fue este el resultado, ya que la provocación y el erotismo consciente de la rubia de Schöneberg comenzaban a moldear la imagen de "vampiresa sofisticada y perversa" que tan alto le harían subir, sobre todo de la mano de von Sternberg, llevándole hasta Hollywood años después.

La película también supuso una de las primeras incursiones del cine sonoro en Europa, y la dirección de Sternberg fue muy reconocida y alabada. Uno de estos aspectos sonoros, la BSO, es elemento central en las actuaciones de Lola Lola en el cabaret; es difícil olvidar la canción "ich bin von kopf bis fuß auf liebe eingestellt" (De la cabeza a los pies, estoy hecha para el amor), interpretada por la femme fatal para seducir al profesor.

Los valores que aborda la trama, tachada de anticuada por críticas más actuales, se acercan a la decadencia que llega a sufrir el personaje de Jannings al perderse en los encantos de Lola. Sus paseos nocturnos entre la niebla camino al cabaret portuario entre cantos de sirenas, nos trasladan al subconsciente del protagonista y a sus deseos más ocultos y naturales, donde su razón no llega para poner orden. Y es en este caos donde reina Lola, que conducirá al profesor a la más cruel desdicha, donde será objetivo de burlas y humillaciones por parte de los que una vez sintieron respeto y admiración por él.

Sin duda un relato cruel y desolador, de cómo lo escrupuloso, ordenado y próspero se vuelve sucio, perturbado y decadente. Una de esas joyas cinematográficas que produjo la UFA antes de su declive pocos años más tarde.

Reseña de mi blog -> http://lacintablanca.com/
Fleming22
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