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España España · Valverde del Camino
Críticas de Fleming22
Ordenadas por:
21 críticas
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6
1 de junio de 2012
8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
Curiosa metáfora de lo que no siempre se aprecia en una obra de arte.
El autor comienza a esculpir una obra que a su vez esculpe también a su autor, haciéndonos pensar quién es realmente el esculpido. Y es que muchas veces no apreciamos el verdadero proceso de cambio y desgaste que sufre un artista mientras emplea su tiempo en crear las obras que llevarán su nombre.
Pero, ¿quién es el autor de quién?, ¿sufre mayor transformacion el lienzo en blanco que el autor previo a una obra importante?
No se, pero el corto consigue que me pare a reflexionar, y es lo que buscaba antes de verlo...
Fleming22
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7
25 de junio de 2014
7 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
De la mano de los Hermanos Coen (Joel & Ethan) se presenta este film sobrio y melancólico que se centra en el renacimiento de la música folk estadounidense en los años sesenta.

New York, 1961. Llewyn Davis es un joven cantautor de folk que malvive y subsiste como puede en Greenwich Village. Con su guitarra a cuestas, sin residencia estable ni apenas dinero y sin abrigo para protegerse del frío invernal, pelea por ganarse la vida como músico, actuando en bares y buscando algún mánager que le permita dar el salto definitivo. Relato de la lucha en busca de un sueño que no resistirá eternamente las múltiples embestidas del destino.

La película está parcialmente basada en la vida de Dave Van Ronk (1936-2002), cantante neoyorquino de música folk, apodado como ‘el alcalde de la calle MacDougal’. Su mote es debido a que, al igual que la de Llewyn, su música se desarrolló en cafeterías y bares de la gran manzana, donde conoció, inspiró y ayudó a varios artistas como Bob Dylan, Phil Ochs o Jony Mitchel, entre otros.

La vida de Llewyn nos conduce en un periplo de escenario en escenario para actuar, de sofá en sofá para dormir, y de puerta en puerta buscando ayuda. Los productores musicales no le prestan atención y, en el mejor de los casos, le proponen trabajos insustanciales o formando parte de grupos, de los que el protagonista huye pues hace poco formó un dúo y su compañero se suicidó. Con este lastre carga todo el metraje, lo que le provoca ciertos estados de ansiedad que acaba pagando con los que le tienden la mano.
La película, como una canción folk, no suele obtener un resultado de entusiasmo en el espectador, pero su toque melancólico y desventurado hace que se cree un sentimiento de satisfacción que lleva a disfrutarla. La dirección de los Coen es excelente, y su narración uno de los aspectos a destacar, guiándonos por ese ambiente gélido, errante e inestable para un viaje en busca de mejor suerte.

Las actuaciones de los actores son muy buenas, destacando la de Oscar Isaac (Llewyn) que además de dejarnos un personaje capaz de transmitir con la mirada, interpreta varias de las canciones de la estupenda BSO folk que nos lega el film. Y es que cada una de las escenas musicales consiguen que nos sintamos realmente sentados en el bar, entre humo y oscuridad, en silencio, solos frente a Llewyn con el único afán de degustar su voz. En lo que a cantantes tan únicos como olvidados se refiere, nos recuerda a Rodríguez, protagonista del fantástico documental ‘Searching for Sugar Man’ (Malik Bendjelloul, 2012).

En definitiva, los Hermanos Coen nos regalan una obra con una ambientación única, como de costumbre, en la que perdernos acompañando a Llewyn Davis por ese viaje nómada en busca de su sueño: vivir su la música. Como decimos, no es un film que entusiasme pero si permite pasar un buen rato y nos acerca de paso al mundo del folk americano.

Reseña de mi blog -> http://lacintablanca.com/
Fleming22
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6
25 de noviembre de 2015
6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Uno de los autores destacados de la Nueva Ola Checoslovaca de los años 60, la década más prolífica del cine de la antigua república centroeuropea, Jan Nemec, dirigió esta peculiar y evocadora obra acerca del holocausto judío basándose en la historia escrita por Arnost Lustig acerca de sus propias vivencias en el horror del genocidio.

Dos jóvenes judíos (Ladislav Jánsky y Antonín Kumbera) huyen por el bosque tras escapar del tren que les llevaba hacia algún escenario de la barbarie nazi. Mientras tratan de ponerse a salvo y buscar algo que llevarse a la boca se pierden entre recuerdos del pasado: breves escenas y destellos de su vida en Praga, la marcha del tranvía, ansias de libertad y reflejos de sensualidad.

La ópera prima de Nemec, más allá de algún cortometraje como ‘Sousto’ (1960), se sustenta en su forma minimalista de eterna e incansable huida, solo interrumpida por retazos evocadores y oníricos presentados en formato de flashback. Es en esta sencillez dónde el director encuentra la manera de trasmitir las sensaciones de sufrimiento y agobio al espectador, que asiste a una impetuosa búsqueda de la supervivencia por parte de los protagonistas.

Técnicamente, los largos travellings y las sugerentes escenas como las que muestran a hormigas invadiendo algunas partes del cuerpo de uno de los muchachos, imagen que nos refiere al onírico Buñuel de ‘Un chien andalou’ (1929), son los aspectos más llamativos del film.

Un relato de apenas una hora de duración pero peculiar e interesante, que intenta ahondar, quizá por el camino más sobrio y remoto, en la razón del espectador mostrando sólo lo que hay en el interior de la mente de los personajes, sus anhelos, sueños y miedos, todo ello envuelto por una gruesa capa de oscuridad, maldad y sufrimiento.

Blog -> lacintablanca.com
Fleming22
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8
9 de octubre de 2013
6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Película algo distinta a las otras dos de la trilogía en tanto a que se relata como si de un cuento se tratase, una alegoría fantástica sobre la pobreza y la injusticia social, lo que en mi opinión le resta dramatismo al ser quizás la menos realista. Lo que intento decir se aprecia brevemente en la especie de moraleja que la acompaña, y que deja una sensación de fantasía: <<C'era una volta...[ ]...verso un regno dove buongiorno vuol dire veramente buongiorno>> (Érase una vez en un reino donde buenos días significa realmente buenos días).

Un joven huérfano carismático y bondadoso, Totó, vive en un barrio de chabolas a las afueras de Milán junto con otros pobres. Allí intentan todos vivir como pueden, cada uno aportando lo que tiene en mayor o menor medida, hasta que un día se descubre que el terreno contiene petróleo y el magnate dueño del mismo, el Señor Mobbi, intenta echarlos a todos para su explotación. En esas circunstancias se obrará el fantástico milagro y los pobres intentarán ganarle la partida al ricachón.

La sociedad creada por Vittorio De Sica en el barrio de chabolas, refleja un estereotipo de la Italia del momento en cada uno de los fabulosos personajes del lugar, así tenemos al avaricioso, al generoso, al desafortunado, al agradecido... Un sin fin de personalidades perfectamente plasmadas por actores no profesionales como va siendo habitual en el subgénero.

Otro aspecto que vemos en este film en mayor medida que en las otras dos cintas, es su aspecto cómico, con mayores pizcas de buen humor como por ejemplo, el entrañable "timbre" de la chabola de Eduvige, la amada de Totó, que no es otro que su propio hijo atado a una cuerda de la que se tira desde fuera de la casa y éste grita "¡Hay gente!".

Todo esto la convierte en quizás la más conmovedora de las tres, pero es un sentimiento más blando por así decirlo, no tan dramático. También posee la BSO más potente de la trilogía, un aspecto que refuerza con alguna que otra canción original interpretada por los actores.

Muchos tachan al final como "demasiado pretencioso", quizás sea así pero yo lo veo como un final ya anunciado por el trascurso de la última media hora, más risueña que la trama en general y con más optimismo que crudeza. Ganadora de una Palma de oro, entre otros premios.

Más en -> http://lemanoir-dudiable.blogspot.com.es
Fleming22
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9
31 de agosto de 2013
6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
La apertura es un elemento fundamental en el ajedrez. Una apertura sólida permitirá asegurar posiciones ventajosas en posteriores movimientos estratégicos, mientras que su debilidad dificilmente será compensada en el transcurso de los turnos.

Quentin Tarantino empezó su carrera cinematográfica manejando las piezas blancas de su particular tablero de ajedrez, planificando una apertura abierta, que en términos ajedrecisticos no es más que la que deja al Rey liberado. En su caso Quentin dejó escapar todo su talento con solo el primer movimiento: Reservoir Dogs.

Presentamos a la ópera prima del director estadounidense como una declaración de intenciones, una obra maestra del cine indie americano, que establecería los cimientos de su todavía, afortunadamente, incompleta filmografía que a tantos nos maravilla. Para hacerlo de una forma especial, utilizaremos el símil del ajedrez, un juego de culto al igual que lo son los diálogos referenciales, los detallados personajes o los homenajes fílmicos que caracterizan los guiones del auteur.

Empezando por el principio, aparece la musa en la que todo genio debe inspirarse, la Reina en su tablero. Para Tarantino esa fue 'Atraco Perfecto' de Stanley Kubrick. Él se inspiró en una frase de este film para canalizar sus intenciones y su filosofía cinematográfica: "Te voy a dejar esa cara tan bonita que tienes convertida en hamburguesas". Se encerró entusiasmado durante semanas en su apartamento hasta dar a luz al perfecto guión, una historia esencialmente violenta no exenta de humor, binomio de piezas que forman ese tablero de la conciencia de Quentin, y que plasma en todas sus películas.

Corría el año 1992, cuando todo esto le pasaba por la cabeza de forma lo suficientemente clara y concisa como para rodarla rápidamente y por un millón y medio de dolares, acercándose a presupuestos más propios de cine de Serie B, y plasmando así ese entorno indie que tanto ayuda al film.

"Una banda organizada es contratada para atracar una empresa y llevarse unos diamantes. Sin embargo, antes de que suene la alarma, la policía ya está allí. Algunos miembros de la banda mueren en el enfrentamiento con las fuerzas del orden, y los demás se reunen en el lugar convenido" - Filmaffinity.

Esta es la base, la descripción objetiva y superficial, nada más que un peón suma y complemento del resto: apasionante trama, diálogos ingeniosos, gran banda sonora, minuciosa puesta en escena, montaje partido en espacio y tiempo... elementos que forman esa primera línea de contacto con el espectador.

Pero todo ello se presupone en más altas esferas. El proyecto cabalgó a lomos de los caballos del cine independiente con la visión cinematográfica de Tarantino, y un particular giro postmodernista del cine de gansters, asentándose entre sus dos torres de culto cimentadas en la comentada atmósfera filmica, mezcla de elementos pulp y cine noir extraídos de un buen número de películas a las que hace referencia y de las que se sirve.

Para completar este tándem perfecto, Tarantino mueve sus alfiles en diagonal hacia nuestra memoria fílmica con varias escenas como la del corte de oreja (con el tema 'Stuck in the Middle with you' de Stealers Wheel), la conversación inicial que gira en torno a 'Like a Virgin' de Madonna, el reparto de los nombres en clave de cada personaje... Esas imágenes que son necesarias para que la película se grabe en la mente del espectador, ese objeto de culto tan preciado y perseguido por todo buen cineasta que se precie.

Así se presentó en sociedad un todavía desconocido Quentin Tarantino, director que saltó a la fama con toda esta muestra de intenciones. Y es que el Rey de este tablero de ajedrez no puede ser otro que este gran director que a veces solo encuentra un rival de su altura en sí mismo, cuando toma el mando de las piezas negras y muestra su otra cara con proyectos carentes de genialidad y chispa, esa que le hace repetir hasta la saciedad sus virtudes en formas carentes de sentido y ritmo, esa que le hace caer en escenas ridículas e inverosímiles como las expuestas en 'Malditos Bastardos', film defendido por muchos pero odiados por otros que, como yo, vemos agotados los motivos que llevaron a Tarantino a ser lo que es, un verdadero genio cuando quiere.

Artículo sacado de mi blog -> http://lemanoir-dudiable.blogspot.com.es
Fleming22
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