Presentada en el 17 Festival de Cine de Málaga, Anochece en la India supone el debut en el largo de Chema Rodríguez, director que dice en rueda de prensa que ha tenido que buscar presupuesto para el film hasta debajo de las piedras. La historia de la película cobra mas importancia en el propio viaje más que en la llegada ,según Rodríguez. De ésta manera se nos presenta a Juan Diego como un hombre minusválido de cintura para abajo (¿Alguien sabe como es capaz de conducir cualquier vehículo?) que desde que le ocurrió su accidente, vive preparado para volver al lugar donde disfrutó con su novia por entonces, la India. Para ello, Dana, la rumana encargada de cuidarle, estará junto a él a pesar de las adversidades y los aprovechados que se encontrará por el camino. Ambos tendrán su pesar del pasado y los iremos descubriendo en su largo viaje por tierra.

Con rodaje en India y Almería entre otros, nos encontramos con una co-producción hispano-rumano-sueca. La película está basada de forma indirecta en la vida de Lorenzo del Amo, al que apodaban "Marco Polo" por sus viajes a comienzos de los años setenta. Juan Diego pudo tratar con él y aunque la historia del film se aleja de su personaje sí que está su espíritu. Y sobre interpretaciones, hay que aplaudir en cierto modo la labor de Juan Diego por su esfuerzo como inválido, quien apenas ha usado dobles para sus escenas, aunque tan bien es cierto que seguimos viendo al Juan Diego de siempre. Nos cuesta alejarlo de él drásticamente y éste puede ser un gran bache para el film. De la misma manera, el tramo final de la obra se antoja algo tedioso por lo que ocurre, o mas bien, por lo que no ocurre.

La banda sonora corre a cargo del grupo Marcus Doo & The Secret Family, y en su gran mayoría son extractos de su álbum The Magpie Returned the Ring, que ya dicho sea de paso, es muy buena y aprovecho para recomendarlo. Abordan varios estilos sin olvidar cierta raíz folk con instrumentos de cuerdas, dando peso en algunos temas al banjo y compartiendo voces masculinas y femeninas, algunas muy profundas como el tema vocal en español llamado El principio y que aparece en la última escena de la película. Por lo demás, podemos decir que es una película aceptable que se olvidará pronto.

Por Dante Martín
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Presentada en el 17 Festival de Cine de Málaga, llega Por un Puñado de Besos, una película basada en la novela Un poco de abril, algo de mayo, todo septiembre de Jordi Sierra i Fabra. Antes que nada me gustaría aclara que la crítica contiene spoilers que son vitales para poder expresarme con claridad sobre la experiencia vivida tras contemplar la película. Si bien la sinopsis de más arriba no aclara mucho, es precisamente para no destriparos nada en la primera linea, aunque a ciencia cierta, no creo que sea tan devastador el detalle. ¿Y por qué digo ésto? Muy sencillo, la impresión general de los que hemos visto la película ha sido de una confusión tal, que no sabíamos si estábamos ante lo que se vendía, un drama juvenil o ante una comedia absurda. Digo ésto porque la película, que en su comienzo pintaba muy bien, con unos títulos de crédito iniciales muy originales y una fotografía y estética muy cuidada, finalmente se derrumba porque empieza a pesar el "brutal" diálogo de sus protagonistas, un montaje chirriante, unas interpretaciones vacías y una dirección muy torpe.

Presentada en el 17 Festival de Cine de Málaga, llega 321 Días en Michigan, una cinta que como gran curiosidad, es una producción netamente malagueña, la primera que se presenta de forma íntegra al festival de Málaga. Enrique García ha creado un drama carcelario en la prisión de Alhaurín de la torre. Su forma de ver la prisión en sí cambió drásticamente en una visita que hizo años atrás, imaginándose las prisiones vistas en películas y televisión y cual fue sus sorpresa cuando observó que era muy diferente a lo que él pensaba. De ésta manera, ha querido transmitir ese aire tan diferente que vemos reflejado en la película para exponer una historia directa y hasta cierto punto real. Para ello ha contando con un compendio de actores de la tierra interpretando a personajes diversos, cada cual con una problemática personal. Antonio está en prisión por delito fiscal, Virginia es madre de tres hijos y están a punto de ser llevados por servicios sociales, Lamis es una antigua gogó de discoteca que tiene intenciones de suicidarse y Carmona, un delincuente que le debe dinero a un capo de la prisión y necesita pagarle como sea.

La película, según el propio protagonista, es una especie de homenaje a los propios internos y sobretodo a los familiares que los visitan. De ésta forma, se ha tratado de compactar la falsedad que rodea a su personaje al mentir a los suyos, diciendo que está de viaje, con la triste verdad que guardan los internos en prisión, quienes no tienen nada que ocultar, mostrando su verdadera humanidad. A este respecto, me gustaría destacar a Héctor Medina quien se come la pantalla en todo momento y tiene una interpretación muy convincente. Por otra parte, hay que mencionar que en su banda sonora incluyen al gran Fernando Velazquez, con un trabajo breve pero bueno. Ha sido acompañado por Javier Ojeda quien ha sido coordinador de las canciones y ha compuesto algún tema para la obra.


Sin embargo, y hablando de lo menos acertado, 321 Días en Michigan no mantiene un desarrollo evolutivo apropiado para algunos de sus personajes. Nos entran dudas sobre por qué el personaje de Virginia, Lamis, quiere suicidarse y de pronto, sin ayuda alguna se reconcilia con todos. Pero más peliagudo es lo que circula alrededor del protagonista, Antonio, quien de buenas a primeras toma una decisión final que descuadra al espectador y que no revelaremos para no "spoilear" a nadie. Son pequeños matices que no terminan de redondear una obra que habría sido muy interesante tenerla en otras categorías, ya que la sección oficial le puede venir muy grande. No obstante, hay que aplaudirle su mérito, y sobretodo, contar una historia que al menos entretiene y no decae.
Por Dante Martín
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Presentada en el 17 Festival de Cine de Málaga, nos llega Dioses y Perros, una película que según su director, David Marqués, es una Road Movie sin salir de Vallecas. Una cinta sin presupuesto pero que parece que lo tiene. No le falta razón, hay cierta calidad en su metraje, sobretodo en su tramo final. Hugo Silva se enamoró de su personaje al leer el guión al ofrecer un personaje rudo con una dureza exterior que como contra no le servía para cambiar en la vida ni para cuidarse a sí mismo ya que carga encima una culpa como auto-castigo continuo. El desarrollo y la evolución de su personaje es notable, incluso en su tramo final con este tufillo lejano a Snatch Cerdos y Diamantes de Guy Ritchie. Y es que la película nos habla indirectamente de la crisis actual. No hay trabajo, a su amigo se le acaban los medios para evitar el desahucio y para combatirlo solo hay sitio de sparring en un antro de mala muerte. Eso, o las peleas de dioses y perros.

Decía Marqués en rueda de prensa, que considera Dioses y Perros como una película que habla de varios temas actuales políticos y por ello, a fin de cuentas, es una película sobre personajes que viven esa crisis de forma directa o indirecta, sin ser exactamente una película sobre la crisis. Y curiosamente, aunque su esencia va relacionada con el boxeo, ésto acaba siendo una excusa en forma de metáfora de lo que les pasa a sus personajes, en una vida actual en la que no paran de recibir golpes, muchos de ellos dados por el propio Pasca, aunque el mas grande lo lleva él acuestas. Y en cuanto a personajes, podemos decir que hay una buena elección de por medio. La propia Megan Montaner se asustó cuando vio tanto texto sobre su personaje, una chica que no para de hablar y que bordó hasta el extremo de hartarnos. Me gustaría destacar a la guapísima Miriam Benoit, que aunque tiene un papel pequeño y estamos acostumbrados a verla en gags de humor, aquí lo hace francamente bien como mujer herida por las continuas borracheras de su marido. Que le den mas papeles dramáticos a la chica!.

Sin embargo, aunque todo el conjunto de la película es notable, hay cierto halo de incomprensión en el final. Y aviso que ésto puede llevar algún Spoiler. Me refiero al momento en el que Pasca decide resarcirse de todo y dar una solución a los males de los demás, incluida la casa de Adela. Sin saber como lo va a hacer, llega al personaje que le pide trabajo y le cuenta que Fonsi va a ir al combate de dioses y perros. Asombrado, éste decide entrar por él... Pero, ¿cual es la solución que tenía pensada desde primera hora? Que sepamos, lo del combate es pura casualidad... Algo chirría en su final que no termina por rematar la historia, aunque en compendio entretiene y está bien actuada, incluso hay ciertas dosis de humor

Por Dante Martín
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Presentada en el 17 Festival de Cine de Málaga, El oro del tiempo (O ouro do tempo) es un film rodado en Vedra, cerca de Santiago de Compostela, por ello es lógico que esté íntegramente hablado en gallego. Los actores también lo son y por eso el director tuvo fácil la elección para los papeles. Xavier Bermúdez ha querido contar con ésta historia el principio de una anécdota a la que se han sumado sonidos e imágenes sin seguir ninguna trama concreta, o al menos esa ha sido su intención según lo que cuenta el director. Probablemente no se haya alejado de ésto pues parece algo difícil encontrarle razón a algunas de las cosas que vemos en pantalla en relación a esa extraña posibilidad de amar de Alfredo hacia su asistenta, Corona. Sale de un amor imposible, el de su mujer fallecida y congelada durante cuarenta años, a otro amor imposible que se acrecienta a raíz de una enfermedad contraída por Corona y donde Alfredo le dará los cuidados necesarios para sanarla. Bermúdez nos habla de la búsqueda propia de la persona, de su pasión y obsesión amorosa, y eso va ligado a las estaciones del año.

Y todo eso es bonito, maravilloso, pero sería redondo si tuviera algún sentido. Es cierto que muchos le encontrarán su explicación a la narrativa visual, pero a modo personal, he de decir que he divagado bastante, entre otras cosas porque el contenido de la historia podría haber sido resumido en un cortometraje de forma brillante. Más de cien minutos acaban por adormecer cuando vemos escenas con principio y fin que no nos llevan a nada y que ni siquiera ahondan en la personalidad de sus personajes. Hay ciertas incomprensiones en la historia que parecen puestas aposta para que nosotros pensemos, pero no se si realmente son así o que el director no tenía más idea en cuanto a ésto, probablemente porque el montaje sufrió varios cambios durante el rodaje. No obstante, no falta la metáfora política en ésta historia cuando se habla de la disconformidad del personaje sobre aceptar la muerte, pero ni siquiera ésto deja una huella patente en el film.

Nerea Barros, que es actriz y enfermera en la vida real, contaba en la rueda de prensa que su personaje es observador desde su profesión de enfermera y cuidadora. La pasión que siente es por el trabajo y el buen hacer del doctor, de forma que éste le atrae desde un punto de vista psicológico. Esto es lo que ocurre cuando una película no es clara (y no tiene por qué serlo) que ni siquiera actores y director coinciden en la explicación principal sobre la obra. Para colmo, tenemos la entrada de Leandro, el hijo de Alfredo, que es quien parece dar la nota de humor a la obra y sin embargo resulta todo lo contrario a gracioso. Sus chistes no te levantan ni la sonrisa y por mucha intensidad que le de al personaje de Alfredo, no logra compactar con el espectador. En resumidas, una historia muy vacía que a título personal se me hizo eterna. Pero es como todo, cuestión de gustos.

Por Dante Martín
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