Tuve ocasión de entrevistar a Colin Firth hace 2 años en el festival de San Sebastián. Presentaba Génova, de Michael Winterbottom. Un film que había rodado al mismo tiempo que Mamma Mía. Le pregunté por qué se había decidido a participar en dos proyectos tan distintos y él dijo que, como actor, buscaba siempre cosas diferentes, que le aportasen sensaciones nuevas y supusieran retos interpretativos. Desde luego El discurso del rey era un reto difícil de superar. Y lo ha conseguido.

Acaba de estrenarse la película y ya se habla de Globos de Oro, Oscar y demás estatuillas. Parece que va a ser éste el año en el que Firth consiga el máximo galardón de Hollywood. Su papel de rey Jorge VI es todo un desafío para la interpretación. Un tartamudo en la corte real británica que se convierte en monarca de la noche a la mañana y se hunde sin remisión en la II Guerra Mundial.

Tom Hooper dirige un relato serio y estricto pero no estirado. Solemne y riguroso, pero no tedioso. Ha hecho algo (para mí) muy valiente que es elegir un tema original y trasladarlo al cine sin fisuras ni concesiones. Ha convertido un problema personal en un asunto de estado, generando la misma tensión que el mejor de los thrillers. Echo de menos, eso sí, que el director hubiera aprovechado un poco más el contexto histórico que tantas posibilidades ofrecía.

El discurso del rey es una película de personajes y por eso, la elección del reparto se convierte en algo clave. Y si Colin Firth brilla con luz propia, no es menor el papel que juega Geoffrey Rush. Lionel Logue es el logopeda del rey. Sus técnicas, poco convencionales, consiguen que el heredero de la corona se despegue de los formalismos de la corte y se acerque a un ciudadano de a pie. Rush me ha gustado en muchas películas. En Los Miserables, en Munich, en Piratas del caribe y ahora, en El discurso del rey. Su papel no es ni mucho menos secundario, es co protagonista porque comparte todas las escenas con el rey Jorge VI. A Elena Bonham Carter, que interpreta a la esposa del monarca, le toca, como a una reina de verdad, pasar desapercibida, jugar al servicio de Firth y Rush y brindarles el protagonismo.

Aprovecho para decir que ver esta película en versión original es casi de estricta obligatoriedad. Es el mejor ejemplo para demostrar que en el cine hay que oír la interpretación original de sus actores. Nadie, ni el mejor doblador del mundo, puede comunicar tanto como el propio Colin Firth con su brillante tartamudeo.

Gane o no la estatuilla (que es lo de menos) lo que está claro es que tenemos Colin para rato. Tiene 2 largometrajes por estrenar (Steve y Main Street, de John Doyle), está rodando Tinker, Tailor, Soldier, Spy, de Tomas Alfredson y preparando lo próximo de Wintterbottom: The promised land. Lo dicho, el 2011 lleva su nombre.

Las películas de Woody Allen siempre me sorprenden. Para bien o para mal. Escribe y dirige una al año y no todas se estrenan con la misma fortuna. Pero ahora le ha tocado una de las buenas. Midnight in Paris recupera la magia, el romanticismo y el amor por el cine que vi en La rosa púrpura del Cairo, una de mis favoritas. Y es que en París, lo mejor es hablar de amor, de artistas y de bohemios. De escritores en busca de inspiración, pintores enamorados de la Torre Eiffel y de largos paseos bajo la lluvia.

Que Allen ruede en París no es casualidad. Tampoco son exigencias del guión, sino del cheque que le han ofrecido para que la capital francesa aparezca en cada plano del film. Y el director ha jugado sus cartas y ha exprimido la ciudad para sacarle lo mejor. Ha jugado con su universo artístico, con los clichés, con la historia que todos tenemos en la cabeza y que, de un modo u otro, nos gustaría haber vivido. Quién no se ha imaginado alguna vez en una sala de baile, cercana al Moulin Rouge, con las bailarinas levantando su cancán y viendo a Toulouse Lautrec dibujando sus famosos carteles? Confieso que yo lo había hecho.

Al igual que los personajes entran y salen de la pantalla en La rosa púrpura del Cairo, aquí el protagonista sólo tiene que esperar a que un coche de época le recoja a medianoche para cambiar de década o de siglo. Viajan a las interesantes fiestas de los años 20, a la Belle Epoque o al Renacimiento. Viven las épocas que siempre habían querido vivir.

Owen Wilson está magnífico en su interpretación de ese novio inseguro y tontorrón que acepta los continuos desprecios de sus suegros y Rachel McAdmas encaja en su papel de estirada. Marion Cotillard vuelve a encandilarme con su dulzura, sus enormes ojos y su encantadora forma de mirar, bailar y caminar. Carla Bruni... en fin, diría yo que está metida con calzador, aunque juzgad vosotros mismos. Aparece en 3 escenas cogidas por los pelos y sólo destaca por su altura. Kathy Bates está arrolladora y se atreve incluso a hablar español, aunque con poca fortuna porque, aunque vi la película en versión original, no conseguí entenderla ni una palabra. Adrien Brody protagoniza una de las mejores escenas de la película: una extraña conversación entre Buñuel, Dalí y Gil en la que sale a relucir el genio que hay en cada uno de ellos. Todos, excepto Bruni, están perfectos en su papel y nos divierte encontrarles caracterizados de grandes personajes.

Woody Allen juega con la ciudad de París como icono del romanticismo. Nos muestra su amor por el arte, el cine o la música. Nos hace partícipes de un viaje en el tiempo que muchas veces me había imaginado. Se entretiene en los pequeños detalles y, cómo no, en los diálogos, pero se olvida de que se está acabando la película y hay que poner un final. Por eso, después de 90 minutos, precipita a los protagonistas a un final esperado con poca sorpresa pero que, aún así, te sienta bien y te emociona.

Ayer fui a ver Primos. He esperado durante meses a que se estrene esta película que sigo desde que Daniel Sánchez Arévalo la tenía en la cabeza. Le entrevisté en su casa cuando presentó Gordos en Venecia y ya le daba vueltas a la idea de escribir una comedia “ligera”. El rodaje de Gordos le había dejado exhausto y necesitaba algo más fácil de digerir, y de rodar.

La historia podría ser la de cualquiera. Un chico que decide volver al pueblo donde pasó tantos veranos, para saber qué fue de su amor de juventud. Lo que distingue a este chico de los demás es que acaba de ser plantado en el altar y sufre una crisis amorosa de caballo. Sus primos deciden acompañarle en esta aventura aunque saben que no servirá de mucho.

Al llegar a Comillas se dan cuenta de que el pueblo ha seguido con su vida sin contar con ellos. Sin hacerse preguntas, se sumergen en las fiestas del pueblo y tratan de resolver algunos asuntos pendientes. José Miguel quiere rescatar al chico valiente que desapareció en Afganistán, donde le mandaron como soldado. Julián busca a alguien que le quiera tal y como es, para poder dejar de fanfarronear. Y Diego intenta lo de siempre: no estar solo.

Los actores también aprueban con nota, pero ayudados por un guión muy bien planteado. Quim Gutiérrez parece un poco encorsetado al principio, algo forzado. Pero su personaje, tan bien definido, hace que te olvides de todo. Raúl Arévalo está, como siempre, impecable. Y el cómico Adrián Lastra juega a favor de su personaje y lo engrandece.

Primos es una comedia rural que funciona porque juega con la niñez de los espectadores, porque apela a los recuerdos de la infancia, a las verbenas del pueblo, al primer amor, a la valentía del adolescente y la cobardía del adulto. Es una historia sencilla, fácil de digerir, pero que deja poso. Dura apenas hora y media, suficiente tiempo para que esta historia se resuelva con éxito. Las secuencias son ágiles y efectivas, sin demasiado artificio. En la primera escena conocemos a los tres protagonistas y descubrimos sus motivaciones. Y en la segunda aparece la chica. Lo demás es puro entretenimiento.


En mi opinión esta película no sólo demuestra el paso a la madurez de los protagonistas, sino el del propio director. Ha hecho la película que quería hacer, con los actores que le interesan y para un público que sabe elegir en la cartelera. Primos no será la película del año, ni es la propuesta más arriesgada del director, eso está claro. Tampoco será lamás premiada ni la más recordada de su filmografía. Pero para mí es un punto de inflexión en un director que ha sabido dejar atrás la pretensiones, para divertirse haciendo cine y demostrar que también es buen economista.

Mi consejo es que no os fiéis del cartel, ni del trailer y que vayáis a verla.

Muchos dicen de Super 8 que no cuenta nada nuevo. Y tienen razón. No hay nada en la cinta de J.J. Abrams que sorprenda demasiado, pero ¿A quién le importa? Parte de la valía del largometraje reside precisamente ahí, en la nostalgia. Al verla piensas en muchos títulos con los que disfrutamos cuando éramos niños, historias que nos hicieron amar el cine y nos convirtieron en fieles seguidores de Spielberg. Y hablo en plural porque en la sala 24 de Kinépolis, repleta un viernes por la noche, noté que la mayoría del público era de mi edad y hacía los mismos comentarios a la salida. Sólo el cartel es ya una declaración de intenciones.

Super 8 suena a Los goonies, suena a E.T., suena a Parque Jurásico. En definitiva suena a Spielberg, que produce la cinta y deja su particular impronta dibujando la sonrisa en aquellos que lloramos con Eliot y reímos con Gordi. No podemos negar el parecido con aquellos personajes, con los inquebrantables lazos de amistad que unen a los protagonistas y la empatía que generan con un ser de otro planeta. Todo se repite. También la magia de sus imágenes. El tándem productor-director aseguraba la brillantez estética. Al que se sacó de la chistera una isla llena de monstruos, amenazas e increíbles paisajes, se une el que viajó al Jurásico y acaba de dar vida a Tintín. Así que en Super 8 hay secuencias impagables, como esa en la que los chicos ensayan para la película, en la estación de tren, de noche, ataviados como adultos, al grito de “production value”!!

Tampoco hay nadie que pueda competir con Spielberg cuando se trata de elegir y dirigir a niños. Elle Fanning actúa tan bien que asusta pensar en lo que será capaz de hacer cuando crezca. Quizás nada, o todo. El momento en el que Alice se acerca tímidamente a Joel (Joe Courtney) disfrazada de zombie para intentar morderle el cuello y él se estremece de nervios, es otro impagable. La hermana de Dakota Fanning (La guerra de los mundos, Runaways) se ha ganado por derecho propio un sitio (y grande) en Hollywood. En esta película los niños convencen mucho más que los adultos que, a falta de una trama más profunda, se quedan a medio camino entre el drama y la comedia absurda.

El final es previsible, claro. Si todo lo que ves durante la película ya lo has visto antes, por qué el final iba a ser diferente? No quiero desvelar nada, pero ni que decir tiene, que emociona y mucho.

Hay muchas historias sobre hermanos en la gran pantalla. Empezando por los Hermanos Marx, pasando por Whisky, Azuloscurocasinegro o la reciente Brohers. Para qué sirve un oso es también una película sobre dos hermanos. Guillermo (Javier Cámara) es un biólogo que lleva años en la Antártida, buscando las claves del cambio climático. Alejandro (Gonzalo de Castro) es zoólogo, vive en el pueblo y no se cansa de inventar artilugios para demostrar que en la montaña donde planean construir edificios, sigue habiendo osos en libertad. Ambos han dedicado su vida a la ciencia pero desde posturas muy diferentes.

Así comienza la película que dentro de un par de días Tom Fernández presentará en el Festival de cine español de Málaga. Se trata de su segundo largometraje y yo lo esperaba con impaciencia después de la grata sorpresa que recibí con La Torre de Suso, su debut cinematográfico. En aquella también participaban Cámara y De castro y juntos formaban un tándem que me hizo reír y emocionarme. En esta, sin embargo, me han resultado más de lo mismo. ¿Para qué sirve un oso? es una comedia con conciencia ecológica que el director no ha sabido resolver con éxito. Hay buenas premisas tanto de guión como de interpretación, pero la comedia no funciona y termina pareciendo una panfleto infantil sobre la importancia del reciclaje.

¿Para qué sirve un oso? trata incesantemente de proponernos situaciones cómicas y de implicarnos en el objetivo de los protagonistas: madurar. Y ahora me viene a la cabeza eso que decía Hitchcock sobre los animales y los niños. Lo siento mucho pero los niños, por lo general, no actúan bien y se cargan cada escena en la que aparecen. Rompen el ritmo y sus muecas no pasan de primero de teatro. Éste es el caso de la niña que interpreta a Daniela (Sira garcía), hija de Natalia (Emma Suárez), la veterinaria del pueblo. Su papel es fundamental en el desarrollo de los acontecimientos pero más que ayudar, lo enfría todo y consigue que un guión divertido y ágil, se quede en un mero propósito. De la subtrama entre el aprendiz de biólogo y la maestra del pueblo, mejor no hablamos.

A pesar de todo (y porque una cosa no quita la otra) las intenciones de Tom Fernández están ahí y se dejan ver. Está ahí esa intención de que el cine sea algo más y despierte nuestras mentes adormiladas. Esta ahí su deseo de comprometerse con el medio ambiente. Y también su apuesta por dos actores que, aunque no sorprendan, siempre merecen la pena. Y eso, en los tiempos que corren, es mucho.