Tengo que reconocer que José Coronado me da un poco de pereza. Como actor, como personaje de la prensa rosa, como protagonista del anuncio de yogures. Pereza. Pero sentí un raro impulso a comprar las entradas de su nuevo trabajo, dirigido por Enrique Urbizu. El largometraje cuenta la historia de Santos Trinidad, un miembro de la Policía, cansado (y pasado) de todo, que se toma la justicia por su mano. La historia comienza con unos asesinatos y todo lo que surge cuanto Santos empieza a tirar de la cuerda tras esos primeros disparos. Te pasas la hora y media de metraje esperando a que alguien te explique por qué Santos actúa así, de dónde viene todo ese rencor y ese odio, quieres saber dónde están su mujer y su hija (si pones al protagonista una alianza en el dedo, tendrás que explicar dónde está se esposa, digo yo!). Hora y media intentando empatizar con el policía, intentando atar cabos para entender a los personajes. Pero es imposible. Urbizu ha prescindido del pasado y nos muestra sólo el presente, consiguiendo una historia sin alma, sin sentido. Pero eso sí, los planos de Madrid, espectaculares. Gran trabajo de producción.

El otro fin de semana, con las 14 nominaciones de los Goya y las 100 críticas leídas a mis espaldas, fui al cine a ver Pa Negre en su regreso a las carteleras por obra y gracia de La Academia de las Artes y las Ciencias. Qué pena no haberla visto antes, qué pena no habérsela recomendado a mis amigos, qué pena no haber escrito antes sobre ella, sobre sus protagonistas, sus actores, su idioma, sus luces, sus sombras. Qué pena haber ido de listilla.

La película de Agustí Villaronga me conmovió, me interpeló y me hizo pensar. No le pido eso a todas las películas que veo, ni mucho menos, pero a esta sí. Le exigía, casi sin darme cuenta, que me sorprendiera, que me convenciera de que no eran 8 euros perdidos, que me contara algo que no me esperaba. Y todo eso sucedió. Sucedió que llevo dos días pensando en una historia bien interpretada y mejor escrita.

No es la primera vez que veo una película en catalán, pero sí la primera vez que me doy cuenta de la importancia que esto tiene. Ver la película en versión original subtitulada es la única cosa en la que no me equivoqué. Quería escuchar a sus actores al 100%, sin nada que se interpusiera entre su historia y la mía. El doblaje es como un piedra en el zapato o un pelo en la sopa.

Pa Negre se desarrolla en los años de la posguerra española, momento en el que demasiada gente actuaba como si no pasara nada. La familia de Andreu fingía ser normal, la de Los Manubens, tradicional . El maestro de la escuela fingía tener moral. Los vecinos fingían no entrometerse en la vida de los demás, los asesinos fingían ser inocentes y los inocentes... los inocentes eran niños obligados a crecer en tiempo record, a base mentiras.

Y Agustí Villaronga, junto a Emili teixidor, decide jugar en ese ir y venir de reproches, rencor y odio que genera la guerra. Y lo hace de una manera muy teatral, con excelentes interpretaciones como las de Nora Navas, merecidísima Concha de Plata en el Festival de San Sebastián o la joven actriz Marina Comas cuyo papel representa todo lo malo crecer antes de tiempo. Laia Marull, a la que di por desaparecida tras Te doy mis ojos, logró que me estremeciera con su mirada. Sergi Lopez sin embargo, me recordó demasiado al personaje que interpretaba en El laberinto del fauno.

Envuelta por la alegoría de las alas, los pájaros y la ganas de volar de algunos personajes, Villaronga busca diferentes caminos para expresar los horrores de una guerra y se intenta alejar de un discurso a menudo moralista y arquetípico. Son muchas las virtudes de Pa Negre pero la más notoria, la de no señalar con el dedo a vencedores y vencidos sino convertirlos a todos en víctimas, en protagonistas de un capítulo de la historia española que nunca debió escribirse.

No debí haber pasado por alto la película en aquella página web del Festival de San Sebastián. Ahora, sólo espero que Pa Negre recoja los frutos que tan bien ha sembrado y que en la gala de los Goya su nombre se escuche muchas veces.

Me emocionó con Mystic River, me dejó tocada y hundida con Millon Dollar Baby, aprendí cosas con Banderas de nuestros padres, me entretuve con el Intercambio y me ganó con Gran Torino. Pero con Más allá de la vida, Clint Eastwood me ha aburrido. Soberanamente. Fui el domingo a verla y, tras quedarme sin entradas en el primer intento, pude conseguir dos asientos en la última fila lateral de otra sala que no suelo frecuentar.

Allí estaba yo, dispuesta a saltarme todos los prejuicios que tengo sobre lo sobrenatural, la parapsicología, el más allá, la luz al final del túnel... Pensaba que el mago Clint lo tocaría con su varita y lo convertiría en un espectáculo cinematográfico. Pero lo que encontré en la película Más allá de la vida no fue más que meras intenciones. Muchos caminos abiertos hacia ninguna parte. 3 historias que podrían habernos brindado una reflexión sobre los tabúes en torno a la muerte o la necesidad de saber dónde están aquellos que se fueron. Pero no, todo es una excusa para ofrecernos algunos efectos especiales y encarrilar una historia de amor más que predecible.

No empatizo con ninguno de los personajes, de hecho, llegué a odiar a la chica jovencita que sólo sabe reírse de todo. No me creo la historia de amor de la francesa, ni siento lástima por un hombre que tiene el don de contactar con los muertos. La única historia potente y los únicos personajes con los que me identifico son el niño y su madre, que tratan de alcanzar una vida mejor al tiempo que saldan deudas con los del más allá.

Tampoco creo que Mat Damon brille en este largometraje. Clint Eastwood ha vuelto a confiar en él un papel protagonista, como ya hizo en su anterior película, Invictus, pero el de Más allá de la vida no es un personaje de esos que exige el 200% de un actor. Lindsey Marshal (madre de Marcus, alcohólica en rehabilitación) es la que más destaca. Quizás por la carga dramática de su personaje o porque es la historia con más fuerza. En esta película Clint ha decidido no trabajar como actor y eso siempre le resta puntos.

Clint Eastwood es uno de los actores y directores más prolíficos del séptimo arte y puede presumir de haber creado obras de arte en los dos terrenos. Es un maestro dirigiendo actores, creando personajes y generando tensión. Se mueve como pez en el agua en los rodajes y , según me contó una vez John Carlin (escritor de la novela que Clint Eastwood adaptó en Invitus), dirige apenas sin hablar, sin gritar ACCIÓN! sino susurrando un: “adelante”. Conoce el lenguaje cinematográfico a la perfección y se atreve a hacer las películas que le interesan. En este caso una sobre el más allá. Ahí está el verdadero valor de la película. Eastwood hecho lo que ha querido porque puede hacerlo. Porque le respalda el público, la crítica y su conciencia. Él ya lo ha ganado todo y nos ha ganado a todos.

No puedo quitármela de la cabeza. No quiero y no puedo. Cisne Negro es ya para mí una de las mejores películas que he visto en los últimos años. Una de esas que me recuerdan por qué me gusta el cine. Una coreografía en busca de la perfección que termina con un fundido a blanco y la sensación de haberla encontrado. Un juego de dualidades entre el blanco y el negro, la luz y la oscuridad, la fragilidad y la crueldad.

He necesitado horas para digerir la intensidad de la mirada de Natalie Portman, esa fragilidad constante, la carga dramática que arrastra en cada paso de baile, en cada giro. Es abrumador asistir a la metamorfosis de Nina, su personaje. La representación alegórica más bella y angustiosa que he visto nunca en la gran pantalla. He leído que la actriz ensayó 5 horas diarias durante un año con bailarines, coreógrafos y un entrenador personal, para retomar los conocimientos de ballet que adquirió de niña. También he leído que finalmente tuvo que ser doblada en más de 200 planos. Ni una noticia ni otra me parecen suficientes para otorgar o retirar el Oscar a alguien. La actuación de Portman se sostiene por sí sola. Su mirada se enciende y se apaga como por arte de magia. Su fragilidad te lleva a la más cruel de las compasiones y su belleza te hace pensar en el más espectacular de los cisnes. De hecho su personaje alberga una trampa, porque incluye dos roles antagónicos que debe interpretar la misma persona. Un exigente y degenerado Vincent Cassel, una torturada Winona Ryder y la replicante Mila Kunis completan el reparto de Cisne Negro. Escaso, pero convincente.

Durante dos horas de metraje asistimos a un espectáculo de ballet, lleno de intriga y de suspense. Para mí, que no entiendo de eso y que he visto muy poco ballet, es emocionante ver cómo las bailarinas se elevan hasta pensar que no rozan el suelo ni con la punta de sus pies. Aronofsky mueve la cámara como si en lugar de retratar a la bailarina, quisiera perseguirla, acosarla. Y ese tratamiento es el que consigue que me estremezca con cada gesto. Con una simple uña, un abrir y cerrar de ojos o una mirada frente al espejo. En cada plano se siente la angustia de la protagonista por ser perfecta, por conseguir la ternura del cisne blanco y la espontaneidad del cisne negro. Desde el principio se puede intuir cómo acabará la historia, pero no por eso dejamos de sorprendernos en cada secuencia. A penas hay dos escenas en las que asoma algo de comedia. Lo demás nos llega envuelto en un halo dramático difícil de digerir.

Conocía al Aronofsky de Réquiem por un sueño y El luchador y me gustaban. Ahora me gusta también el que está detrás de Cisne Negro.
Quizás debería dejar reposar la película un par de semanas antes de escribir esta crítica. Pero no quiero privarme de plasmar en papel las impresiones más recientes que deja en mí cada película. Al fin y al cabo se trata de sentir cosas, no?

Todo había empezado con buen pie. Lo que había visto y leído sobre Hanna me convencía y el cambio de rumbo que había decidido tomar Joe Wright me parecía muy interesante. Ayer era una espectadora predispuesta a salir contenta del cine pero algo se torció y salí confusa-decepcionada-cabreada.

Saoirse Ronan es la actriz que encarna a Hanna. La joven consigue trasmitir la dulzura propia de una niña que lo único que quiere es tener una vida normal, junto a otros de su especie. Pero al mismo tiempo nos asusta con su mirada asesina y su facilidad para cargarse a la gente, fruto de su duro pasado en la cabaña, con entrenamientos a lo Kill Bill (de hecho encuentro un toque tarantiniano en la película). Eric Bana es la figura paterna que ha conseguido resguardarla en las montañas del peligro que supone para ella acercarse a la civilización.

Lo más interesante del largometraje es, sin duda, la puesta en escena. Persecuciones laberínticas que demuestran un buen manejo del leguaje cinematográfico y un montaje musical que consigue sumergirte en una realidad paralela. Ver Hanna es como estar en un videojuego en el que no importa por qué luchan sino el resultado final de la batalla. Es como estar dentro de una pelea del Street Fighter o de una carrera entre el Coyote y el Correcaminos. Vemos escenarios desde todos los ángulos posibles y un catálogo de armas que ni McGiver en sus buenos tiempos, pero con la ilusión de que, entre pelea y pelea, alguien te cuente qué demonios está pasando entre ellos.

Se aprecia la valentía del que sabiéndose buen contador de historias dramáticas y románticas, se atreve con una de acción sin que le tiemble el pulso y arriesga con una propuesta muy pocas veces vista en el cine. Pero si eso incluye optar por el argumento más manido de todos los tiempos, pues no, no me convence.

Hay que aclarar que en mi percepción global de la película influye el hecho de que la vimos doblada y no en versión original, como se merecía. El falso acento alemán, árabe o francés resulta irrisorio y te saca totalmente de la historia. Quizás con las voces de los actores me hubiera creído más lo que me estaban contando. En cualquier caso, y para terminar, me quedo con los primeros 20 minutos de la historia y con algún que otro diálogo ingenioso de la “familia adoptiva” que Hanna encuentra por el camino. Sin duda un respiro entre tanto decibelio.