Una reflexión sobre el sentimiento de pérdida, mediante la confrontación de tres personajes antagónicos. Janusz afronta la muerte de su esposa volcándose en cuerpo y alma en su trabajo, de forma desalmada y mecánica, como un robot. Su hija, sin embargo, cae en la anorexia y la bulimia. Anna trabaja como psicóloga y terapeuta, y está segura de poder contactar son su hija fallecida mediante la videncia. Destaca de "Cuerpo" su enfoque tragicómico, que se impone sobre el estilo aparentemente lánguido de la narración. Hay un espíritu casi irreverente al narrar los sucesos más desgarradores apelando a un sentido del humor muy ácido. A mí me ha recordado al mejor Lanthimos. Sin duda, ése es el punto más destacable de la película. Como aspecto negativo, diría que la confluencia de los tres personajes en la segunda parte del film se establece de una manera impostada, poco verosímil, de modo que la perspectiva más o menos optimista por la que la directora parece apostar se antoja forzada. De todas formas, una interesante propuesta desde la fría Polonia.

La adolescencia ha de ser, por concepto, una fase vital de apertura a nuevas experiencias... La directora juega con esta idea para hacer una película de tono luminoso y festivo, pero que relata una trama de opresión intolerable, desgarradoramente verídica y cercana. Con ese enfoque, "Mustang" es una obra muy inteligente, que llega al gran público y le hace pensar. Su mensaje rotundo de denuncia cala hondo, seguramente gracias a esta visión un tanto festiva y romántica de la historia, que nunca renuncia al humor como contrapunto perfecto de la crueldad más enquistada. Las interpretaciones de las jóvenes protagonistas, con la mezcla perfecta de candor y rebeldía en cada momento, son otro de los puntos fuertes de este film. Quizá el retrato de la sociedad rural turca sea maniqueo, pero la necesidad de poner el foco en ciertas estructuras patriarcales que semiesclavizan a la mujer es patente. Más que intentar revisar valores sociales o religiosos arraigados, "Mustang" pretende ser un canto a la libertad, sin más. La idea abstracta de Estambul como gran ciudad en desarrollo, en el que cualquier ciudadano, hombre o mujer, puede vivir según sus propias inquietudes, no deja de ser un signo de esperanza. En fin, una película emocionante y entretenida a partes iguales, que no deja indiferente. Muy recomendable.

Consideradas individualmente, no he apreciado en ninguna de las cinco historias la maestría que muchos críticos han visto. No me parece creíble Winona Ryder en su papel de taxista indie aspirante a mecánico de taller; la aparición de Rosie Pérez en el episodio de Nueva York rompe la magia que se había creado entre el afroamericano al que ningún conductor quiere recoger y el taxista expayaso que no sabe conducir; la impertinencia del taxista parisino no es verosímil después del arrebato de dignidad que había tenido al principio de la historia; el histrionismo de Benigni me llega a enervar y destroza un texto que por sí solo tenía su gracia; y la gélida y alcohólica historia de Helsinki no ha acabado de emocionarme...

Dicho esto, debe destacarse la mano de Jarmusch para dar coherencia y unidad a esta peculiar obra. “Noche en la tierra” es una sucesión de historias irregulares y en principio independientes, que puestas una detrás de otra constituyen un homenaje al ser humano y a las relaciones interculturales y mestizas, por efímeras que sean. Contribuyen a esa impresión la elegante puesta en escena, sencilla pero eficaz, y la hipnótica música de Tom Waits. Los taxis, más que meros escenarios, se convierten en unos personajes más, testigos privilegiados de las anécdotas que se narran. La idea de hacer que todas las historias se desarrollen de forma simultánea, en diferentes puntos del planeta, refuerza la idea de globalidad, y da unidad a unos relatos que de otro modo habrían quedado demasiado dispersos.

En resumen, un inclasificable ejercicio de estilo, que admite distintas miradas e interpretaciones, y que despertará diversas reacciones dependiendo del espectador. Lo cual, desde luego, ya constituye todo un mérito.

Es curioso el error de crítica y público al referirse a esta película. Todo el mundo habla de un film “sobre Stephen Hawking”, e incluso hay quien lo define como un “biopic”, cuando no es en absoluto una historia sobre la biografía de nadie. El título también favorece esa equivocación, porque parece aludir al trabajo como científico de Hawking. Sin embargo, si viésemos este film pensando que es una obra de ficción, lo consideraríamos como la historia de un matrimonio. Supongo que no es casual…

El gran acierto de esta película es abundar en los aspectos más íntimos de la vida de Stephen Hawking, fijando el punto de vista en el personaje de Jane. Así, la lucha contra una enfermedad tan devastadora como el ELA se aborda de un modo más dramático y también más creíble. Esta dolencia es una tragedia para quien la padece, pero también condiciona de manera decisiva la vida de quienes componen el círculo afectivo del enfermo.

Y, por encima de todo, la interpretación de Eddie Redmayne es arrolladora. Un Oscar muy merecido. Quizá el distanciamiento que supone que siempre veamos a este personaje con los ojos de Jane favorece el lucimiento del actor. Siempre decimos que es más fácil afrontar este tipo de papeles que los de un personaje “normal” inmerso en la rutina y la cotidianidad, pero en este caso Redmayne se enfrentaba al reto de interpretar a un ser de carne y hueso al que todo el mundo conoce. Redmayne no encarna a un científico enfermo de ELA, sino que hace de Stephen Hawking. Se trataba de transmitir las emociones y pensamientos de una persona a la que todos conocemos, y a la que tenemos por referente de muchas cosas. Y lo borda. En muchas escenas, el espectador se dejará llevar y pensará que está viendo en la pantalla al auténtico Stephen Hawking.

No obstante, la película no puede librarse de un tono folletinesco. Uno entiende que esta película sólo puede hacerse si los verdaderos Stephen y Jane mantienen una relación cordial en la actualidad, y seguro que ambos han dado el beneplácito a esta película. Porque nada puede ser más rosa. Cuesta creer que ambos fuesen tan sacrificados, comprensivos y dispuestos a la inmolación, y que su separación fuese tan asquerosamente civilizada… De la sensación de que el director buscaba la lágrima fácil y la empatía del espectador con ambos personajes. Tanto “buenrollismo” acaba por lastrar una película que habría admitido más matices. ¿De verdad fue todo tan “perfecto”? De tanto aprovechar el tirón del tópico “basada en hechos reales”, el conjunto termina por perder gracia y verosimilitud.

Después de que “El niño de la bicicleta” me dejase bastante frío, los Dardenne han vuelto a la carga con una obra que nuevamente contiene una importante carga social. Esta vez, en mi opinión, han dado en la diana. Quizá la fuerza de la película nace ya de la brillantez de su idea argumental. Si alguien te pregunta de qué va “Dos días, una noche” y se lo explicas en dos frases, seguramente despertarás su interés. El desesperado periplo de una mujer, visitando a todos sus compañeros de trabajo en un fin de semana, para suplicarles que acepten su readmisión a cambio de renunciar a una paga extra, resulta una trama estimulante y atractiva para cualquiera. Y más en tiempos de crisis.

Además, la película tiene otras bazas. Marion Cotillard está que se sale. No es ninguna novedad, pero sí merece destacarse porque ésta es una película en la que la actriz protagonista soporta todo el peso de la historia. Transmite ilusiones, frustraciones y desesperanzas con sólo una mirada, y deambula durante toda la película con una fragilidad enfermiza, dando la impresión de que se derrumbará en la siguiente escena.

Los Dardenne relatan este drama social con un estilo hiperrealista, poniendo la cámara pegada a los personajes, y con diálogos poco rimbombantes pero muy creíbles. El propio desarrollo del relato nos permite conocer un estrafalario escaparate de personajes, con los que podríamos llegar a identificarnos en algún momento. De todos modos, el gran mérito de la película es que va mucho más allá de la mera empatía. La historia se va inundando de una tensión creciente. Ciertas expresiones como "ponte en mi lugar" o “es injusto que nos obliguen a elegir” parecen razonables al principio, pero a medida que avanza el metraje nos resultan huecas y tópicas, como excusas crueles. De un modo u otro, este film te empuja a tomar partido. La sensación de intriga se incrementa gracias a un estrambótico recuento de votos y al inexorable paso del tiempo en un fin de semana inverosímil. Es cierto que en algún momento hay una deriva excesiva hacia el impacto emocional, que resultaba innecesaria, pero para entonces ya estamos inmersos en el suspense que la historia nos propone.

Y, ante un argumento tan destacable, el desenlace es solvente y muy brillante. Un final optimista, pero de un optimismo frío y ambivalente.

Una película de capas, como una cebolla, que se puede analizar desde muchísimos puntos de vista. En fin, para recomendar.