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Críticas de Néstor Juez
Críticas 880
Críticas ordenadas por utilidad
8
24 de diciembre de 2019
2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Acto seguido, vi una de las películas más espectaculares de la Mostra, y uno de los filmes más ambiciosos de la temporada. Un proyecto de larga gestación, la producción más onerosa de la programación y la primera colaboración entre dos talentos únicos: uno de los mejores actores norteamericanos de las últimas décadas y uno de los directores norteamericanos más admirados por la crítica y la cinefilia. Hablo de Ad Astra, una más de tantas películas espaciales de tiempos recientes que une a Brad Pitt y a James Gray. Descenso a los abismos insondables del cosmos para reafirmar la terrenal humanidad como fuente de las respuestas emocionales más importantes. Odisea fastuosa a nivel audiovisual y tan grande en su escala física como íntima a nivel psicológica. El más inmenso de los escenarios para el viaje más solitario. Una película exigente, irregular y pretenciosa, pero bella y fascinante. Una de las películas que mayor trance placentero me indujo este año. Una película tan atrevida y llena de fragmentos de excelencia que estoy dispuesto a perdonar todas sus flaquezas. Aplaudo tanto su estética cómo su tono filosófico, reflexivo y existencialista, tan intenso en formato como sensible en su descripción de personaje. Gran banda sonora, exquisita fotografía y diseño de producción, imperial Brad Pitt en un ejercicio de pura contención. Búsqueda y superación del padre en una aventura de estructura clásica, con variedad de escenarios (todos ellos excelentes en su diseño y puesta en escena) y de escaramuzas. Filme que, eso sí, abusa de una voz en off algo prescindible, confrontaciones un tanto burdas y de una leve indecisión a la hora de decantarse por el cine de autor contemplativo y uno más comercial. Con todo, un largometraje extraordinario que hay que ver.
Néstor Juez
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6
20 de julio de 2019
2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cada dos o tres años algún director clásico estrena nueva película y los cinéfilos, por consecuente, asistimos fieles a nuestra cita con la sala con el rigor de un buen cristiano que no falta a su misa del domingo. Afortunados nosotros, pues el plantel de realizadores que se ajusta a esta descripción es cada vez mayor. Nombres apreciados y consagrados a los que estamos dispuestos a perdonar tropiezos y cuyos estrenos esperamos por negativos que sean los augurios que los acompañen. Y por mucho que lo neguemos, si el filme en cuestión viene marcado con el sello de un festival de relevancia, lo avala de manera considerable como producción de interés artístico o cultural. Es el caso, hasta cierto punto, del largometraje de la crítica de hoy, que llega a nuestras pantallas apenas un mes después de su presentación en el último Festival de Cannes. Él es Jim Jarmusch, maestro del independiente americano de autor. Y su filme, apertura de la Sección Oficial del último Cannes, es Los muertos no mueren. Que el de Ohio se acercase desde las personales coordenadas de su estilo a un subgénero tan asentado pero a priori tan alejado de su obra como es el cine de zombies ya era de por sí un gran aliciente. Por ello fui tempranero en mi descubrimiento del filme, independientemente de las impresiones de mis compañeros de la prensa. Y disfruté de las habilidades de Jarmusch una vez más en una película que, eso sí, no pasa de ser una simpatía. Una historia estándar de reanimados y pueblos malditos perezosa pero narrada con humor y chispa. Un divertimento ligero y olvidable que se gana nuestra complicidad con sus toques de personalidad e ingenio.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
Néstor Juez
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6
1 de abril de 2019
2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
En este mundo globalizado en el que vivimos, en que las fronteras están cada vez más diluidas, variadas son las geografías que acaparan el foco del panorama cinematográfico. El cine que nos llega de Escandinavia goza de buen nombre, y si hay un cine escandinavo de moda en este momento es el islandés. En esta web hemos saboreado algunos notables ejemplos de estas latitudes, y su tono nos ha dejado deseosos de más. Y tan pronto como supimos de la película de esta entrada quedó en la recámara como curiosidad a la que procurar acercarse. Esta, que nos llega meses después de sus primeros visionados, es la comedia social de protesta La mujer de la montaña, estrenada en la sección de la Semana Internacional de la Crítica en el último Festival de Cannes. Película que paseó por festivales haciendo poco ruido, pero con una recepción crítica positiva. La premisa era atractiva, y aparentaba ofrecer un dispositivo narrativo diferente. Cierto es que llega en un momento de fuertes competidoras y oferta que se tornará irresistible muy pronto. Pero comprometidos como estamos con el cine europeo, le hicimos un hueco en la agenda y la disfrutamos en una sala con un ambiente excelente. Y es todo un soplo de aire fresco una película tan creativa y personal como esta, que sin ser ninguna panacea es realmente disfrutable. Un filme denuncia absurdo y guasón que no va más allá en su propuesta ni cala hondo, pero que ofrece personajes entrañables y un mensaje claro y eficaz.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
Néstor Juez
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6
4 de octubre de 2018
2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
A las 16:30 visité por vez primera la sala 2 del Kursaal para ver una película de Horizontes latinos: la argentina Marilyn, que compitió en la Sección Panorama del último Festival de Berlín. Durante los años 2000 Marcos, un muchacho de diecisiete años criado en una familia humilde y tradicional, descubre su homosexualidad en el ambiente más hostil posible. Cuando hay feria se viste de mujer y se pone una máscara para bailar en libertad sin que nadie la moleste. Los muchachos de la zona, que la injurian y maltratan, la llaman Marilyn, y por uno y otro lado Marcos se siente oprimido, negado e incomprendido, quedándose sin opciones para salir del túnel. Crudo e intenso drama basado en hechos reales, cargado de verdad, que nos impacta sin airbag y permite al espectador vivir el infierno de Marcos como si fuese una realidad de carne y hueso frente a él. El reparto está excelso, y el relato respira verdad, imprimiendo a la tragedia un vigor desgarrador. Qué duda cabe, son necesarios estos filmes, que inspiran concienciaciones reales. Pero el filme no llega a ser realmente bueno, principalmente debido a su condición de largometraje plano y monocorde. No hay matices añadidos a la desgracia, sólo es dolor, sin factores que enriquezcan la narración. Sólo es una película en la que el mensaje se evidencia, y sólo permite a su espectador sentir un rango de emociones en un desarrollo carente de sorpresas (con la excepción de un buen cierre). Una película emocionalmente lograda, pero narrativamente simple, que no sobresale con respecto a muchos filmes similares.
Néstor Juez
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Apuntes para una película de atracos
Documental
España2018
6,3
1.860
Documental, Intervenciones de: León Siminiani, Ainhoa Ramírez
7
2 de octubre de 2018
2 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Avalon nos dio la posibilidad de disfrutar el lunes 16 en primicia de la nueva película de León Siminiani después de la muy lograda Mapa: Apuntes para una película de atracos, filme que inauguraría la sección Nuevos directores. Siminiani siempre deseó hacer una película de atracos, y vio una posibilidad de hacer realidad su sueño realizando un documental sobre los ladrones del butrón, aquellos que roban bancos en Madrid desde las alcantarillas, y centrándose en la figura del Flako, a quién llegamos a conocer bien y con quién Siminiani entabla una peculiar amistad. Documental planteado, de nuevo como un ensayo fílmico. Uno que combina imágenes de archivo, recreaciones, entrevistas, grafismos, animaciones y momentos de la vida del director. Un ensayo fílmico a cuatro niveles: una investigación sobre la historia y procedimientos del butrón, un documental sobre el Flako, un documental sobre el inicio de la paternidad de Siminiani y un documental sobre el proceso de creación y edición de este documental. Un discurso fílmico cuyo interés radica en la forma del relato y como se articulan sus resortes, pero que no descuida la humanidad y empatía que desprenden Siminiani y el Flako, que apelan a nuestras emociones. Filme ante todo entrañable, harto entretenido que funciona como un tiro. Pequeño, visualmente modesto y de un interés cuestionable fuera del ámbito localista, pero con todo un nuevo ejemplo del talento de Siminiani, cuya trayectoria debemos seguir de cerca.
Néstor Juez
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