Por momentos, La mujer que sabía leer se me antojaba una versión algo menos perversa de El seductor, una de las obras más conseguidas de Don Siegel. Como ya habréis leído en el resumen de FA, un pequeño pueblo se queda sin hombres durante la involución napoleónica, y el primero que llega es recibido como maná del cielo. Eligen a la única chica que sabe leer para llevárselo al catre, con la condición de que después le comparta con las demás. De ahí el título original, Le semeur: El sembrador. Ya sabemos lo que va sembrando entre las desesperadas féminas de la aldea. Pero nadie contaba con la fuerza del amor... Ópera prima de Marine Francen, sensible y delicada, puede resultar aburrida para algunos. Hay que dejarse llevar por la placidez de las imágenes y el lento discurrir del tiempo, tal como sucede en esos villorrios abandonados de la mano de Dios. Se trata de una obra eminentemente feminista, casi contada en voz baja, en que lo más importante a veces ocurre fuera de cámara. La interpretación general es adecuada y correcta, natural, sin aspavientos, con una entregada Pauline Burlet a la cabeza. Es una muestra más de ese cine francés que basa su historia en los sentimientos más que en los acontecimientos. Es posible que a ciertos espectadores se les agote la paciencia (tampoco es que sea para tirar cohetes), pero los habituales contumaces del "arte y ensayo" sabrán encontrarle sus valores.

Lo decía hace poco a propósito de otro bodrio, La víctima perfecta/The Resident: rodar un thriller erótico sin que la protagonista exhiba sus encantos en ningún momento es una estafa digna de juzgado de guardia. El memo de George Ratliff no sólo nos escatima los rotundos encantos de Emily Ratajkowski (que, por otra parte, se desnuda a las primeras de cambio y cuelga sus fotos en Instagram), sino que firma una sosada integral. Veamos: parejita estadounidense, ambos aquejados de una grave deficiencia mental, decide intentar encarrilar su deteriorada relación yendo a pasar unas vacaciones en un casoplón de Umbria, Italia. ¿Os suena? El presunto propietario de la villa es, naturalmente, un psicópata que tiene la casa llena de cámaras ocultas que lo filman todo, y cuando digo todo, digo todo (no es spoiler, enseguida se sabe). La chica, que le puso los cuernos al chico tras una de esas fiestas de trabajo que tanto dan de sí, aparte de completamente imbécil no se da cuenta de que está poniendo al chiflado al rojo vivo. El chico, un estúpido de mucho cuidado, no para de cagarla y de decir tonterías. El guión es más que endeble, hace aguas por todas partes, no existe tensión alguna, te aburres como un muermo, ni siquiera sacan postalitas del entorno que rodea la casa. Uno se pregunta a veces por qué financiaron este pestiño (hasta 12 productores desfilan por los títulos de crédito). De los intérpretes mejor no hablar, dejando aparte los volúmenes, montes y valles de la susodicha Emily, sin duda experta tragasables. No vale la pena perder ni un minuto de vuestra vida en esta desdichada producción.

Oro es una de esas tonterías de los años 70 que despreciaste en aquel momento, y al cabo de unas décadas la grabas por el reparto. Gira en torno a unos malvadísimos capitalistas que quieren inundar una lucrativa mina de oro sudafricana con el fin de perjudicar la producción de oro, y de esta forma manipular su precio en bolsa. Ni que decir tiene que los héroes de turno les aguarán la fiesta. Dirige sin brillo ni inspiración Peter Hunt, montador de los tres primeros Bond y director del sexto. Obediente funcionario y poco más. La música de Elmer Bernstein no pasará a la historia, debía tener el día espeso, y la trama es predecible. Los malos son sir John Gielgud, recién salido de la sauna, relajadito y tal, Bradford Dillman, uno de mis secundarios favoritos, y Ray Milland y su peluco, entocinado en echar a perder su prestigio (¡qué bueno era de joven el muy tontaina!), y embarcado en un carrerón que le condujo a infamias como Serpiente de mar o Un par de zapatos del 32. Mejor olvidarlo. El héroe es, cómo no, Roger Moore, guapo, alto y simpático (exhibe torso). Mirad, ya sé que no fue nunca un gran actor, sino una presencia eficaz, pero yo me siento muy agradecido con él por alegrar mi adolescencia con la serie El Santo. Que me cae bien, vamos. Dejo para el final a la fascinante Susannah York, cuyos ojos de miel y boca húmeda hechizaban mis fantasías de ayer, de hoy y de siempre. Por supuesto, aquí se limita a pasear modelitos, pero qué señora... No hay más cera que la que arde.

Biografía del desdichado capitán Robert Falcon Scott, ideal para forofos del Brexit y nostálgicos del gran imperio británico. Scott consiguió llegar al Polo Sur, sólo para descubrir que el noruego Amundsen se le había adelantado. Scott, un obvio obsesivo compulsivo, arrastró a la muerte a sus cinco camaradas, debido a su torpeza y falta de previsión (aunque dicen que sarna con gusto no pica). Eso sí, su trágica muerte le convirtió en un héroe a ojos de los británicos, hasta que ya entrado el siglo XX se inició el proceso de desmitificación. Dicho esto, centrémonos en la película. Se trata de la típica producción británica pulquérrima, correcta en todos los apartados, conducida con esmero por un impersonal Charles Frend, y que sabe conservar la tensión de la odisea pese a que nos sepamos al final. La reproducción en estudio de las heladas llanuras antárticas, más secuencias rodadas en Noruega y Suiza, consiguen que nos metamos de lleno en la historia narrada. Asume el liderazgo de la fotografía el gran Jack Cardiff, nefasto realizador, no obstante, si bien nos dispensó una brutal visión de los mercenarios en la impactante Último tren a Katanga. Colaboran en la cinematografía Osmond Borradalle y otro grande, Geoffrey Unsworth, que veinte años después se encargó de legar 2001: una odisea del espacio a la eternidad cinéfila. Una sublime partitura de Ralph Vaughan Williams pone fondo sonoro a los padecimientos de los expedicionarios. En el aspecto actoral, John Mills asume el personaje de Scott con energía y solidez, y entrevemos algunos secundarios de oro, como Kenneth More, James Robertson Justice o John Gregson (y al inmenso Christopher Lee en un breve papel). En conjunto, y pese a su duración, puede verse sin bostezar y agarrado a la silla. Los ingleses son muy buenos a la hora de autoglorificarse. Ejemplo de cine clásico sin angustias vanguardistas.

Detesto el cine de terror con toques cómicos. Para eso, te montas una parodia tipo El baile de los vanpiros o Agárrame ese fantasma, y listos. El Viyi es la primera película de terror producida en la Unión Soviética, probablemente la única, y está recorrida por un humor casposo, muy propio de los ivanes, que destroza el ambiente pretendidamente numinoso de la cinta. Imagino que enormes ingestas de vodka fueron las culpables. Narra la historia de un estúpido novicio al que le exigen pasar tres noches junto a una bruja para impedir que despierte. La bruja en cuestión posee un ataudmóvil, que hay que verlo para creerlo. La fama de esta cinta, imagino, se basa en la última escena, cuando... (spoiler). Basada en un cuento de Gogol muy famoso, Bava se inspiró en él para su fascinante La máscara del demonio (la película que en realidad hay que ver), y existe un calamitoso remake de 2014 del que todo el mundo debería cuidarse de ver. Para completistas del género.