El Extranjero es un interesante thriller dirigido por un especialista en el género de acción, Martin Campbell (“Casino Royale” y “Goldeneye”). Aunque la película se comercializa como el regreso de Jackie Chan a la gran pantalla y un vehículo de promoción para el actor, es bien cierto que, El Extranjero no se centra en la figura de Chan, sino que comparte protagonismo a partes iguales con Pierce Brosnan, en una historia de dos hombres cuyo pasado oculto explota en el presente, y en donde la justicia, la venganza y la redención son el núcleo de la trama. Distribuida por Diamonds films, y basada en la novela “The Chineman”, la película nos muestra la lucha de David contra Goliat.

El Extranjero, la película en la que un padre que ha perdido todo, luchará contra el poder establecido para encontrar a los culpables de la muerte de su hija.

Decía Sun Tzu, general chino, estratega militar y filósofo: “las situaciones militares se basan en la velocidad: llega como el viento, muévete como el relámpago y los adversarios no podrán vencerte”. Ante la inacción de las autoridades, el protagonista de la película se verá obligado a actuar como el viento para castigar a los asesinos de su hija.

Quan es un humilde dueño de un restaurante chino en Londres. La única hija que le queda tras una trágica vida familiar muerte en un atentado terrorista. Quan como es lógico queda devastado.

Primero intentará solicitar información de los culpables a las autoridades locales, y ante el silencio de estas, se desplazará a Belfast, para entrevistar con el Viceministro irlandés, Liam Hennessy, y solicitarle primero humildemente y después enérgicamente, los nombres de los asesinos.

Amenazará a su familia, le pondrá pequeñas bombas, controladas para no ocasionar muertes, pero sí asustar y mucho, al Viceministro.

En el transcurso de la película, aparece el verdadero Quan, con un pasado en las Fuerzas Especiales de su país, y unos demonios despertados por las muertes de todos los miembros de su familia.

Por otra parte, Liam Hennessy, antiguo miembro del IRA, contratado por el gobierno irlandés para mantener la paz, también tiene un pasado que quiere emerger, y que se irá entrecruzando con dramas familiares.

David en la figura de Quan, personaje interpretado por Jackie Chan en uno de los mejores papeles de su vida, (a quien hemos podido ver en unas 72 películas, como por ejemplo “Atrapa un ladrón”) el cual primero intentará seguir los trámites legales para averiguar los nombres de los culpables, y después, ante la pasividad de la policía, se enfrentará a la figura de Goliat, que sería el conjunto formado por la burocracia capitaneada por Pierce Brosnan en el papel de Liam Hennessy, y el bloque de los terroristas del grupo del IRA perfectamente organizados para matar.

Jackie Chan borda este trabajo interpretando a un hombre destrozado por el dolor, al que solo el afán de venganza hará que emerja todo su pasado de soldado de las Fuerzas Especiales de su país.

Las escenas de lucha que veremos son coreografiadas de forma más real que las que estamos acostumbrados a ver en sus películas, aunque todavía tienen un alto grado de acrobacia.

Pierce Brosnan (“James Bond”, “Mamma mía”) interpreta esmeradamente el papel de Liam Hennessy, Viceministro irlandés que tiene su cargo precisamente por haber sido antiguo miembro del IRA y cuya misión es conseguir una paz duradera para Irlanda.

Con antiguos demonios de su pasado terrorista emergiendo, y un presente familiar complicado, deberá enfrentarse al reto que le presenta el pequeño David, es decir, Quan. Cada uno a su modo intentará atrapar a los verdaderos asesinos.

Esta película representa la búsqueda de la justicia, la venganza de un padre que ve morir a su hija; dirigida magistralmente por Martin Campbell, especialista en películas de acción, incorpora a su vez toques de realismo, con algunas escenas bien conseguidas sobre atentados terroristas, desgraciadamente muy en boga en estos tiempos.

En conclusión, una interesantísima película que nos atrapa desde el principio, con escenas de acción bien logradas, investigación de una trama terrorista y problemas matrimoniales. Interés asegurado para todos los gustos.

Escrito por Mari Luz Nogues
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Ben Stiller protagoniza Qué fue de Brad, sátira sobre la crisis de los 50 a modo de crítica a la vida moderna, que se presentó en la pasada edición del Festival de Cine de Toronto. Escrita y dirigida por el guionista Mike White (“Escuela de Rock”, “The Good Girl”), quien se reserva también para sí un pequeño papel en la película, y producida por el propio Ben Stiller y Brad Pitt tras Plan B Entertainment.

La industria del cine se empeña en catalogar en un único género las películas. A la hora de atribuir un género a esta, se ha decidido que este fuese comedia. Una decisión de acierto cuestionable ya que no es el género principal además de hacer poca justicia a la cinta.

Mucha gente acudirá encantada a las salas, y otra mucha huirá despavorida al ver otra vez la palabra comedia y el nombre de Ben Stiller unidos de la mano.

Yo hubiese sido de los segundos, ya que considero que se ha explotado todo lo que se tenía que explotar, sin embargo me alegro muchísimo de no haberlo hecho porque me hubiese perdido la que en mi opinión es una de las mejores películas de 2017.

Qué fue de Brad es una película realista , que al igual que El Autor, tiene todos los momentos cómicos que una vida normal y corriente pueda tener.

Pero sin duda esta película es un drama. Y no un drama de esos en los que se limita a aparecer el protagonista llorando acompañado por una instrumental compuesta a partir de violines. Si no un drama en el que el protagonista te cuenta a través de una voz en off cómo se compadece de sí mismo y los sentimientos que le van surgiendo al acompañar a su hijo a entrevistas con distintas universidades.

Qué fue de Brad trata un tema presente en la vida de muchas personas, una pregunta que se nos hemos formulado todos alguna vez “¿He aprovechado mi única vida?”, un tema a penas explorado en el cine. Pero no os confundáis, no es en la línea de Paulo Coelho (con todos mis respetos a aquellos a los que les gusten los dramas filosóficos densos); si no que es ligero, ya que se van intercalando momentos cómicos. Pero esos momentos no tienen un humor como el de “Zoolander”, o “Algo Pasa con Mary”, a los que nos tiene acostumbrado Ben Stiller, si no más en la línea de “El Lado Bueno de las Cosas”, con toques muy tiernos. No cae en las típicas “gracietas” de las comedias hollywoodienses.

A parte del buen guión, Ben Stiller, nos demuestra que puede sostener con éxito un drama (como ya hizo en “La Vida Secreta de Walter Mitty”). Disfrutas durante su actuación, ojalá podamos seguir viendo este registro en futuras producciones.

La fotografía es espectacular, no existe ni un plano estático, se ha prescindido de trípode, una decisión de lo más acertada, acompañado por la música, que siendo escasa, juega un papel muy importante dentro de la película.

Demos un voto de confianza y partamos de que toda producción tenga un 10. Sin embargo, algunos aspectos negativos van restando y esa nota se queda en un…

-La duración. Podría haberse resuelto en menos tiempo, porque puede resultar lenta en algunas partes (-1).

-El clímax final, podría haber sido más lacrimógeno y emotivo. (-0,5)

¿Lo mejor? El mensaje final de la película

¿Lo peor? Que no se le de la opinión por la etiqueta de comedia unida a Stiller.

Películas similares: “Her” (2013), Spike Jonze

Consejo: Es una película para ser vista sin prisa. No la pongas un día por poner algo mientras haces otra cosa, o para ver con los amigos comentando. Si no que es una película para disfrutar del cine un día en el que no sepas exactamente que estás haciendo con tu única vida.

Nota: 10-1,5= 8,5

Escrito por Juan A. Rodilla
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Puntuación Crítica 6,5

Cuando amar puede ser un amargo sabor de boca, Woody Allen dirige Wonder Wheel, un drama con una llamativa fotografía, realizada por su colaborador habitual, Vittorio Storaro, mostrará las infelices vidas de Ginny y Humpty, transmitiendo al espectador la amargura de sus vivencias. El director neoyorkino que desde hace 40 años (“Annie Hall”, 1977) no falta a su cita anual con el espectador, siempre se rodea de un gran elenco de actores en sus producciones. En esta ocasión, ha contado con la participación de John Belushi, Juno Temple, el cantante y actor Justin Timberlake y Kate Winslet. Esta última recién ganadora del Premio a la Mejor Actriz en los Hollywood Film Awards por su papel en Wonder Wheel.

Nos encontramos con un narrador en primera persona partícipe en la historia, Mickey Rubin (Justin Timberlake), un joven socorrista que sueña con ser un gran dramaturgo, guía la historia desde un punto de vista intenso y dramático, compartiendo sus sentimientos con el público, convirtiendo a éste en un aliado en la trama. Nos relatará las vidas de Ginny (Kate Winslet) y Humpty (Jim Belushi), un matrimonio que no pasa por su mejor momento, debido al alcoholismo de Humpty y la frustración de Ginny por su trabajo de camarera, dejando a un lado su sueño de poder ser actriz. A demás, la llegada de un tercer personaje, Carolina (Juno Temple), hija de Humpty, provocará una mayor tensión en las vidas de éstos debido a que Carolina es buscada por un grupo de mafiosos y su vida está en peligro.

Esta nueva película de Woody Allen no ofrece una historia original, vemos una trama bastante repetitiva que gana más por la actuación de Kate Winslet y por la fotografía y escenarios que componen la película.

Ginny (Kate Winslet) una mujer con grandes cambios de humor, podríamos decir que lo que más destaca de éste personaje es la bipolaridad y la amargura que sufre constantemente. No obstante podremos ver aparte de sombras, algunas luces en su personaje gracias a Mickey (Justin Timberlake) el cual dará esperanzas y ganas de vivir a Ginny.

Por otro lado, la ambientación de Wonder Wheel es sublime. Vittorio Storaro capta unos espacios y escenarios muy coloridos que transmiten a primera vista felicidad, algo bastante contradictorio respecto a lo que sienten los personajes que constantemente se ven envueltos en tristeza y amargura.

Storaro juega con las luces dependiendo del estado de ánimo de los personajes, es decir, emplea colores más fríos cuando la tristeza sobresale en la escena o colores más cálidos cuando la furia y los celos se apoderan, por ejemplo, de Ginny.

La narración tiene un ritmo algo lento en algunas partes de la historia, haciendo que el espectador pueda aburrirse, aunque como constantemente encontramos una fotografía con colores muy saturados y llamativos, se gana con esto más al público, en vez de por una trama diferente o con algún matiz más novedoso. Aunque la historia pueda dar pie a la introducción de algunos aspectos más cómicos, en ningún momento encontraremos eso, convirtiéndose en una trama bastante dramática que llega a transmitir angustia y amargura.

Wonder Wheel, ofrece una historia que ya hemos visto en contadas ocasiones, la cual parece que se ha quedado a medio camino, ya que es un trama que no llega al espectador, ni tampoco los personajes que la componen, destacando la maravillosa y colorida fotografía de Storaro y la magnífica actuación de Kate Winslet.

Escrito por Sandra Gil Bermejo
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Wonder, basada en la aclamada y popular novela para niños del escritor RJ Palacio, está dirigida por Stephen Chbosky, conocido fundamentalmente por el éxito de su novela juvenil Las Ventajas de ser un Marginado y su posterior adaptación al cine en 2012, donde relata el proceso de madurez intelectual y emocional de un adolescente.

En Wonder se nos presenta a un inteligente y dulce niño de diez años afectado de una rara afección que le ha desfigurado su rostro, la historia de un niño diferente al resto y las perspectivas de sus seres queridos más cercanos. El reparto está formado por caras conocidas de la talla de Julia Roberts o Owen Wilson, además de contar con la presencia del joven actor emergente Jacob Tremblay, que ya cautivó a los espectadores con su emotiva actuación en “La Habitación” (2015).

Stephen Chbosky (“Las Ventajas de ser un Marginado”) lo hace de nuevo. Toma el espinoso tema de “cómo duele crecer” con el sesgo de cómo duele crecer y ser extremadamente diferente encima. La combinación podría resultar una letal bomba de hormonas plus deformidad física integrada que de manera natural impulsaría a litros y litros de lacrimosos chantajes emocionales. Sin embargo, Chbosky demuestra su maestría entregando una obra conmovedora y sensible pero de ninguna manera chantajista. Centra su mirada en Auggie pero en la parte más infantil, humana y sencilla esa donde la inocencia ve las cosas del mismo color y con tanta naturalidad porque se ven con los ojos limpios.

Auggie es un niño normal y aunque ciertamente su rostro desconcierta y causa una serie de reacciones cuando nos enfrentamos por primera vez a él, el acercamiento que tiene el personaje con nosotros hace que en pocos segundos no entendamos más las preconcepciones acerca de belleza, normalidad y estándares. Auggie nos ha conquistado porque vemos dentro de él sin sentir compasión, lo vemos como lo que él realmente es; un nuevo chico en la escuela, viviendo lo que muchos han vivido, sin importar si son flacos, gordos, feos o bonitos.

Nos importa más lo que Auggie siente y cómo ve el mundo, su mente brillante, su sentido del humor agudo, su pasión por Star Wars… su deseo de ser astronauta y sus relaciones con sus amigos en la escuela. La vida de un niño es eso, sin tener los dramas de la adultez, ya es suficiente con tener que preparar el proyecto de ciencias o escoger el disfraz de Halloween.

Lo más grandioso de la manera en la que Wonder se nos presenta, es que no llama a nuestra caridad, ni a nuestra compasión, no trata de manipular e insertar la lágrima fácil en el minuto 29… llama a nuestra empatía infantil. No importa la apariencia de Auggie, sino sus vivencias como niño.

A ese respecto cabría mencionar a dos predecesoras que tratan el tema de la “diferencia física” con la misma sobriedad: “El Hombre Elefante” (1980) y “Mask” (1985) si hay algo de lo cual preocuparse que concierne a Wonder, es su acercamiento al Bullying esa plaga que se ha desarrollado con urticante velocidad y que cada vez es más fiera.

Pero Chbosky (quien también co escribe el guión) no solo se circunscribe a la visión de Auggie; da a los otros personajes jóvenes la tarea de relatar su propio punto de vista con respecto a su relación con Auggie y esto da aire al relato y lo hace cercano y humano. Lo óptimo para dejarte ese sentimiento de “sentirte bien” y aunque Roberts y Wilson desempeñan los papeles de los padres nutridores y afectuosos que deben ser, su presencia es más un refuerzo dentro de la trama.

Evidentemente merece mención aparte la actuación de Tremblay que bajo todo ese excelente maquillaje y efectos especiales logra realizar una actuación destacada para levantar un personaje exquisito.

El personaje de Via desempeñado por Vidoovic, es quien representa la otra punta de la familia y lo hace con tanta fuerza y rendida determinación que podemos comprender sus confusos estados de ánimo ante el plan que la vida le ha escogido, ser una sombra en una casa donde toda la atención se ha puesto en su hermano menor. Pero he aquí que también la historia tiene designado un sitio importantísimo a este personaje: el brinco existencial entre ser relegada e inclusive negar que tiene un hermano, a ser el foco de atención en una obra de teatro donde, más que conquistar la atención de sus padres, acapara su derecho de pisar fuerte en el escenario de la vida.

En esta historia también encontramos al inicialmente forzado guía de Auggie: Jack (Noah Jupe) un niño gentil que se convertirá en el mejor amigo de Auggie y también a los “adversarios” encabezados por Julian (Bryce Gheisar ).

De esa forma los sin sabores de la escuela comienzan a tener un escenario universal que los diálogos y la estructura misma de la historia nos irán revelando.

Al final del día, Wonder sin más penetra al interior de la esencia de lo que significa ser humano, ser niño, y por eso hace girar la cabeza hacia lo que en realidad importa dejando que el fluir de la trama nos lleve de un personaje a otro revelando que nadie es más importante ni mejor que nadie por su apariencia sino por la fuerza extraordinaria con la que mueva los corazones de quienes lo rodean.

Escrito por Fabian Quezada Leon

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El Arte de la Amistad es el quinto trabajo de Stanley Tucci como director y guionista, en el cual nos presenta la relación amistosa poco convencional entre el pintor Alberto Giacometti y el escritor y crítico James Lord. Presentada en la Berlinale fuera de concurso y dentro de la selección oficial del festival internacional de cine de Edimburgo, el film se estrena en España el viernes 29 de diciembre.

París, otoño y un escritor que, halagado ante la idea de ser retratado por su famoso amigo, se embarca en una empresa que va más allá de la mera colocación de luces y sombras. A través de la misma, podremos entrever el tímido carácter de James Lord. Éste, con cierta resignación, se imbuye en la dinámica de dejarse retratar día tras día. Al otro lado del lienzo encontramos a Alberto Giacometti: inseguro, caótico y en cierto modo incomprendido por su entorno. Es esa inseguridad la que hace que una y otra vez vuelva a redibujar a Lord, en busca de un trabajo final perfecto.

Stanley Tucci, no quiere nos encontremos ante un biopic al uso, y así nos lo hace saber desde el principio. La película comienza con un sorprendente arranque narrativo en el que los diálogos se realizan en off durante varios minutos. A partir de ahí, Tucci nos coloca en la piel de Lord con un ritmo lento que en algunos momentos se vuelve angustioso. Con esto transmite la desesperación que supone para el escritor volver a tener que empezar de cero frente al aparente estoicismo del pintor que prefiere rehacer todo el proceso.

Hacia la mitad del film con la implicación de Lord en la vida de Giacometti, se rompe el ritmo narrativo. Es entonces cuando disfrutamos de momentos fantásticos que proporcionan un descanso cómico en medio del tono dramático de la historia. No obstante, el ritmo general de la película es bastante lento e irregular, sobre todo cuando nos aproximamos al final. Este es uno de los puntos que hacen que El arte de la amistad no llegue a ser todo lo que promete en su tráiler.

Por otro lado, la fotografía, llevada a cabo por Danny Cohen, nos regala una experiencia artística alejada de los convencionalismos del cine clásico. Gracias al uso del reflejo y las diferentes profundidades dentro del mismo plano consigue que la historia se enriquezca enormemente. Destacan también los primeros planos en los juegos de miradas entre los protagonistas y el uso de la cámara en mano en determinados momentos, emulando el caos, la imperfección y la inseguridad del protagonista y convirtiéndose en un reflejo del mismo.

Cabe destacar el trabajo Geoffrey Rush, que, de manera bastante correcta representa ese estado vital a medio camino entre la tormenta y la calma presente en la vida y obra del artista Alberto Giacometti. Aunque su contrapunto, Armie Hammer, también consigue transmitirnos esa angustia, la presencia escénica de Rush es tan apabullante que en más de una ocasión hace que el personaje de Hammer quede en un segundo plano.

Completan el reparto Tony Shalhoub, Clémence Poésy y Sylvie Testud. Es esta última la que más aporta en un film que se empeña, quizás en exceso, en darle todo el protagonismo a los personajes de Giacometti y Lord frente al resto.

El Arte de la Amistad plasma a la perfección el paralelismo existente entre la belleza, el caos y la sensibilidad del proceso artístico y las relaciones humanas, pero pierde fuerza debido a la irregularidad narrativa. Esto hace que peque de precipitada dando una sensación de inacabado cuando llegamos a los créditos finales. Quizás, al igual que Giacometti, Tucci sintió que era mejor acabar la obra sin más, pero quienes vayan a ver la película esperando un gran cierre se sentirán decepcionados.

Escrito por Diana González Prieto
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