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Críticas de Cinemagavia
Ordenadas por:
235 críticas
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7
29 de noviembre de 2017
87 de 120 usuarios han encontrado esta crítica útil
Perfectos Desconocidos es la nueva comedia, con un carácter un tanto peculiar, del director español Álex de la Iglesia. Tras haber arrasado con su penúltima película “El Bar”, Álex se ha lanzado a hacer un remake de la cinta italiana “Perfetti Sconosciuti” de Paolo Genovese. En este caso, sigue teniendo la misma trama en cuanto a historia y personajes, pero con un toque especial de nuestro querido director.

De la Iglesia nos sorprende, una vez más, con su obra. Esta vez se trata de una comedia negra en la que destacan cosas como: un buen guión; grandes interpretaciones; una exquisita puesta en escena, haciendo que cada plano, cada frase y cada movimiento de los personajes queden inmortalizados de una forma muy original.

Lo que caracteriza la cinta es su versatilidad en los recursos de cámara y en su agilidad narrativa. El director nos introduce en la vida de estas siete personas mostrándonos la relación que tiene cada pareja en la intimidad, lo que resulta de ayuda para sacar nuestras propias conclusiones a la hora de adentrarnos en la idea principal de la obra.

El reparto, con Belén Rueda en lo alto, hace un gran trabajo tratando temas complicados como la relación que se tiene con los adolescentes, los padres, las infidelidades o el rechazo por la orientación sexual, creando prejuicios hacia los homosexuales.

Toda la historia se narra en un acto único. Una noche en la que todas las parejas organizan una cena que coincide con el eclipse lunar, consigue que el cielo se tiña de rojo y la vida de los personajes cambien después de que se sepa toda la verdad sobre cada uno de ellos. ¿Pero tanto importará la verdad?

En la entrevista que hizo Álex de la Iglesia en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad de Complutense, mencionó que él prefiere no conocer la realidad en algunas situaciones, algo que se refleja en la película. ¿Pero qué preferirías tú, taparte los ojos y vivir en la caverna de Platón, o enfrentarte a la realidad pese al dolor que te pueda provocar?

Lo mejor: el toque humorístico que tiene una historia tan triste, además de ser una narración muy simple que hace que uno se lo pase muy bien.

Lo peor: la sobredosis de fantasía que se introduce en el film haciendo que pierda casi toda la seriedad.

Escrito por Elene Batsanadze

https://cinemagavia.es/perfectos-desconocidos-pelicula-critica/
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7
30 de diciembre de 2017
31 de 45 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cocodrilo lleva a Black Mirror a uno de esos episodios en los que la tecnología futurista queda de lado (aunque sigue siendo parte importante) para presentar una trama más propia del thriller. ¿Qué tiene que aportar este tercer episodio? Coloquemos el pequeño chip junto a nuestras cabezas y descifremos lo que se proyecta en esa diminuta pantalla. Estreno el 29 de Diciembre.

En primer lugar, cabe destacar la ambientación norteña, los paisajes nevados nos traerán ciertos recuerdos a otras obras en las que la nieve es protagonista. La dirección se apoya en esos paisajes, y John Hillcoat lo explota con bastante estilo, a lo largo del episodio podemos sentir como el frío comenzará a salir de nuestras pantallas.

A lo largo de Cocodrilo, se puede leer la unión de diversas influencias, hay elementos de “La Conversación” de Coppola, utilizados de una manera completamente diferente, y sobretodo hay alusiones al cine negro: al del gato y el ratón, aunque, de nuevo: buscando un nuevo enfoque.

La trama principal y el motivo por lo que todo despega se me antoja un poco enrevesado o exagerado, podría imaginar un par de situaciones un poco más “ortodoxas” que las realizadas por la protagonista (interpretada con solvencia por Andrea Riseborough), pero, como siempre, tenemos a estos personajes absolutamente al límite emocional que tanto le gustan a Brooker muy a mi pesar.

Es importante también destacar el trabajo de casting al que Black Mirror nos está acostumbrando. En el medio audiovisual actual, no es raro sentirse confuso ante una diversidad racial, de sexo o sexualidad que se puede antojar algo forzada. En Black Mirror las sensaciones son diferentes, hay una naturalidad, los personajes no son simples “panfletos” publicitarios o ideológicos, están verdaderamente integrados a su mundo y es algo que habría que aplaudir.

La utilización de la tecnología se despega de la actitud crítica, lo cual veo como un punto positivo. En este caso, la tecnología es esgrimida como una herramienta, cómo algo normal, y esto le da un puntito de “naturalidad” al episodio, alejándolo de las connotaciones éticas evidentes que muchas veces Brooker nos vomita (aunque con estilo) a la cara (véase ‘Arkangel’, el primer episodio de esta cuarta temporada). En el caso que nos ocupa, la tecnología servirá como “mano en la oscuridad”: cómo un pequeño hilo del que vamos tirando mientras pensamos (esta vez no con desidia, sino con tensión), que esta historia sólo puede terminar de una manera.

Este suspense está realmente bien conseguido en la trama que propone Cocodrilo, con ciertos momentos de verdadero “pánico” para el espectador mientras el ruido blanco de esa pequeña pantallita se va desvaneciendo. Este episodio genera unas sensaciones que quizá deberíamos exigirle más a la serie. No se recrea en sí mismo, simplemente se centra en contar una historia, y aunque no se trata de una historia excesivamente original, sí está apuntada desde un enfoque muy propio: nunca olvidamos, en ninguna de sus escenas, que nos encontramos ante un episodio de Black Mirror.

Cocodrilo supone un tercer paso en esta cuarta temporada, en este caso, hacia adelante. No olvida de dónde viene y propone una mirada algo más sobria que sus predecesores en cuanto a la narrativa un poco más clásica. Una vez más, por descontado, asistimos a buenas interpretaciones y una dirección con clase, pero esta vez, contando con un guion más sólido a lo que estábamos acostumbrados.

Escrito por Daniel González Fernández

https://cinemagavia.es/black-mirror-cocodrilo-critica-netflix/
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8
23 de diciembre de 2017
18 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
Ben Stiller protagoniza Qué fue de Brad, sátira sobre la crisis de los 50 a modo de crítica a la vida moderna, que se presentó en la pasada edición del Festival de Cine de Toronto. Escrita y dirigida por el guionista Mike White (“Escuela de Rock”, “The Good Girl”), quien se reserva también para sí un pequeño papel en la película, y producida por el propio Ben Stiller y Brad Pitt tras Plan B Entertainment.

La industria del cine se empeña en catalogar en un único género las películas. A la hora de atribuir un género a esta, se ha decidido que este fuese comedia. Una decisión de acierto cuestionable ya que no es el género principal además de hacer poca justicia a la cinta.

Mucha gente acudirá encantada a las salas, y otra mucha huirá despavorida al ver otra vez la palabra comedia y el nombre de Ben Stiller unidos de la mano.

Yo hubiese sido de los segundos, ya que considero que se ha explotado todo lo que se tenía que explotar, sin embargo me alegro muchísimo de no haberlo hecho porque me hubiese perdido la que en mi opinión es una de las mejores películas de 2017.

Qué fue de Brad es una película realista , que al igual que El Autor, tiene todos los momentos cómicos que una vida normal y corriente pueda tener.

Pero sin duda esta película es un drama. Y no un drama de esos en los que se limita a aparecer el protagonista llorando acompañado por una instrumental compuesta a partir de violines. Si no un drama en el que el protagonista te cuenta a través de una voz en off cómo se compadece de sí mismo y los sentimientos que le van surgiendo al acompañar a su hijo a entrevistas con distintas universidades.

Qué fue de Brad trata un tema presente en la vida de muchas personas, una pregunta que se nos hemos formulado todos alguna vez “¿He aprovechado mi única vida?”, un tema a penas explorado en el cine. Pero no os confundáis, no es en la línea de Paulo Coelho (con todos mis respetos a aquellos a los que les gusten los dramas filosóficos densos); si no que es ligero, ya que se van intercalando momentos cómicos. Pero esos momentos no tienen un humor como el de “Zoolander”, o “Algo Pasa con Mary”, a los que nos tiene acostumbrado Ben Stiller, si no más en la línea de “El Lado Bueno de las Cosas”, con toques muy tiernos. No cae en las típicas “gracietas” de las comedias hollywoodienses.

A parte del buen guión, Ben Stiller, nos demuestra que puede sostener con éxito un drama (como ya hizo en “La Vida Secreta de Walter Mitty”). Disfrutas durante su actuación, ojalá podamos seguir viendo este registro en futuras producciones.

La fotografía es espectacular, no existe ni un plano estático, se ha prescindido de trípode, una decisión de lo más acertada, acompañado por la música, que siendo escasa, juega un papel muy importante dentro de la película.

Demos un voto de confianza y partamos de que toda producción tenga un 10. Sin embargo, algunos aspectos negativos van restando y esa nota se queda en un…

-La duración. Podría haberse resuelto en menos tiempo, porque puede resultar lenta en algunas partes (-1).

-El clímax final, podría haber sido más lacrimógeno y emotivo. (-0,5)

¿Lo mejor? El mensaje final de la película

¿Lo peor? Que no se le de la opinión por la etiqueta de comedia unida a Stiller.

Películas similares: “Her” (2013), Spike Jonze

Consejo: Es una película para ser vista sin prisa. No la pongas un día por poner algo mientras haces otra cosa, o para ver con los amigos comentando. Si no que es una película para disfrutar del cine un día en el que no sepas exactamente que estás haciendo con tu única vida.

Nota: 10-1,5= 8,5

Escrito por Juan A. Rodilla
https://cinemagavia.es/que-fue-de-brad-pelicula-critica/
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9
30 de octubre de 2017
18 de 22 usuarios han encontrado esta crítica útil
Es innegable que Coco es un colorido y festivo homenaje a la tradición mexicana del día de muertos, la celebración que sincretiza perfectamente las raíces de este país: la tradición cristiana amalgamada con el culto indígena a fin de honrar a “los fieles difuntos”.

Pero como todo homenaje, en su afán de celebrar puede tomarse algunas libertades creativas si las cree necesarias para llevar a cabo su propósito.

Es un hecho que Disney Pixar ha tomado diversas tradiciones, leyendas y lugares en el mundo para colocar en ese contexto los escenarios de sus historias y de esta manera han desfilado en su producción cinematográfica desde los países nórdicos hasta las islas del sur; ahora en su película número 19 el turno fue para México.

La historia está cimentada en los puntos esenciales de la concepción del mundo del mexicano: la tradición, los valores, la familia, la cercanía con la historia familiar y las peculiares formas de estructura de mando y desempeño de roles que se dan dentro de “la casa mexicana”.

Como suele suceder en la gran mayoría de los hogares del país, en la casa de los Rivera, hay un marcado matriarcado, la figura de la madre es la piedra angular en la tradición de la familia mexicana. Y su importancia aumenta en cuanto se convierte en Abuela y más aún, Bisabuela…

El otro punto de esta trayectoria naciente en la familia es la preservación de las tradiciones, el sentido del significado de toda una serie de rituales y creencias basadas en esa singular celebración de la vida que nunca acaba, aunque cambie radicalmente de espacio y de configuración, la muerte en la cosmogonía mexicana es simplemente ese otro sitio donde se va pero que no cierra sus puertas cuando de fiesta y celebrar se trata y por ello los difuntos, la familia (la sanguínea o la extendida que son igual de importantes) celebran con todos los que quedaron atrás, en el mundo de los vivos. Con una única condición: No perder el recuerdo de quienes se fueron.

Y en esta fiesta, nada es imposible, ni suficiente: nunca sobra ni la alegría, ni el recuerdo, ni la decoración, ni la comida, las flores y mucho menos el alcohol.

Se baila con la muerte, se le dicen piropos, se le hacen versos, es una gran y rumbosa fiesta de la vida de la muerte. Esto lo captaron perfectamente Adrian Molina, y Matthew Aldrich los creadores del guión de Coco; y le dieron su propia visión. Sí, tal vez no es netamente mexicana, pero usa la iconografía, las bases, los colores, los sabores y la tradición. La muerte en México no es cualquier calaquita temblorosa.

Co-dirigida por Lee Unkrich y el propio Molina, Coco potencializa y pone en una plataforma mundial la fibra de lo que significa ese día para los mexicanos, Coco es un esfuerzo absolutamente admirable por comprender y transmitir el sentimiento del día de muertos. Cuando Abuelita (Victor/Angélica María) se empeña en que Miguel entienda el significado de la ofrenda del altar de muertos, no simplemente es un dialogo explicativo, lleva implícito mucho de lo que es el sentir “a la mexicana” sobre el recuerdo, los lazos indisolubles entre la familia y los amigos.

Para cualquier público a lo largo del mundo resultará claro el mensaje: la preservación de la memoria hace fuerte a la familia, le da centro e identidad.

Sin duda en algunos rincones del mundo será sorpresivo e inquietante ver “esqueletos y cráneos” viviendo semejante cantidad de aventuras porque los cadáveres móviles son identificados con zombies malvados. Pero bueno, es tiempo de que el mundo se entere de que en México los muertos no regresan como demoniacos seres come cerebros, sino como divertidos espíritus que devoran mole, pan, fuman cigarritos y beben y beben alcohol, para luego echarse un zapateado con un jarabe tapatío o una jarana. Los esqueletos en México son famosos, crean performances como Frida Kahlo y hacen fastuosos shows musicales.

Qué otro elemento tiene la película? bueno, como ya ha demostrado antes, Pixar ha encontrado una fórmula de “tocar los sentimientos” catapultando la añoranza como un misil con alto grado de detonación. Y se las ingenia para dar a Coco y a Miguel algunas de las escenas más efectivas al respecto. Pero su resonancia es mayor dada la real implicación de esas escenas: Ver un niño que lucha porque a su bisabuela no se le olviden sus recuerdos infantiles, es conmovedor.

Otro acierto de la cinta es su capacidad para dirigirse a un sector que había estado relegado durante años en las grandes producciones animadas, los latinos y específicamente los mexicanos. Esto hace que esta película represente un paso importante dentro del desarrollo de Pixar como empresa de entretenimiento mundial.

Coco es resplandecientemente autóctona y aunque su versión del Mictlán es bastante revolucionada y tropicalizada a lo Hollywood hasta hacerlo parecer una versión retro-futurista, lo verdaderamente significativo es la apertura de reinterpretación que demuestran los creadores del concepto para internarse en la ideología mexicana y reinterpretarla.

Elementos no les faltan, eso es cierto. La imaginería popular con respecto a la muerte, que viera en José Guadalupe Posada su máximo exponente, encuentra la inigualable calidad de los adelantos técnicos en animación que Pixar ha integrado a sus cintas. Cada cuadro del viaje de Miguel “al otro lado” es una obra maestra en conceptualización, color, diseño de producción y técnica.

Si la historia nos recuerda esos míticos viajes del héroe al estilo katabasis (en este caso no es precisamente un descendimiento sino un cruce al inframundo floklorico) para encontrar las raíces en busca de un sueño, .................. ...............

...........Coco es un canto profundo, sensible e increíblemente sólido y bello por todos los significados que una obra dedicada cariñosamente a México y a sus tradiciones puedan encerrar.

Escrito por Fabian Quezada Leon
https://cinemagavia.es/pelicula-critica-coco-disney-pixar/
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5
19 de febrero de 2018
20 de 28 usuarios han encontrado esta crítica útil
El miedo es uno de los sentimientos más personales que existen ya que no todos tenemos miedo a las mismas cosas. Las películas de terror suelen tener dos vertientes: una basada en fenómenos paranormales (en las que podemos creer o no según las experiencias que hayamos tenido cada uno en nuestras vidas) y otra vertiente basada en algo más terrenal como personas con psicopatías.

Cuando en una película sale el cartel de “Basada en hechos reales” ya es un aliciente que provoca que sienta más miedo por pensar que podría pasarme a mi. Sin embargo el cartel de “Inspirado en hechos reales” es una línea muy fina en la que no se puede creer del todo.

Al comienzo de Winchester sale el cartel diciendo que la película está inspirada en la historia de la viuda del inventor de los rifles Winchester, quien tuvo la casa en continuas obras hasta su muerte, creando habitaciones, pasillos y escaleras que no llevan a ninguna parte.

El fin de la película no es contar la historia de la viuda fidedignamente, sino crear momentos de miedo y de tensión, y conducir al espectador al susto (en algunos casos predecibles y anunciados por la música).

Para amantes del cine de terror, no es una película que nos ofrezca nada nuevo. Sin embargo es una película que cumple su objetivo de asustar en algunas ocasiones.

A favor de la película, diré, que aunque un poco diluido, tiene un discurso en contra de las armas bastante interesante.

¿Del 1 al X?

Demos un voto de confianza y partamos de que toda producción tenga un 10. Sin embargo, algunos aspectos negativos van restando y esa nota se queda en un…

-Los sustos marcados por la música (-2)

-Los elementos y el final fantasiosos, que a mi particularmente no me dan miedo, ya que temo más a la realidad. (-2)

-Cae en elementos tópicos de películas de terror, como los juguetes, los niños, incluso en niño con saco en la cabeza como en “El Orfanato” (Juan Antonio Bayona, 2007). (-1)

Conclusión, si quieres pasar un mal rato con amigos, es válida. Sin embargo no es una película que recordarás ni para bien ni para mal.

Nota: 10-5= 5

Escrito por Juan Anselmo Rodilla
https://cinemagavia.es/winchester-pelicula-critica/
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