Perfectos Desconocidos es la nueva comedia, con un carácter un tanto peculiar, del director español Álex de la Iglesia. Tras haber arrasado con su penúltima película “El Bar”, Álex se ha lanzado a hacer un remake de la cinta italiana “Perfetti Sconosciuti” de Paolo Genovese. En este caso, sigue teniendo la misma trama en cuanto a historia y personajes, pero con un toque especial de nuestro querido director.

De la Iglesia nos sorprende, una vez más, con su obra. Esta vez se trata de una comedia negra en la que destacan cosas como: un buen guión; grandes interpretaciones; una exquisita puesta en escena, haciendo que cada plano, cada frase y cada movimiento de los personajes queden inmortalizados de una forma muy original.

Lo que caracteriza la cinta es su versatilidad en los recursos de cámara y en su agilidad narrativa. El director nos introduce en la vida de estas siete personas mostrándonos la relación que tiene cada pareja en la intimidad, lo que resulta de ayuda para sacar nuestras propias conclusiones a la hora de adentrarnos en la idea principal de la obra.

El reparto, con Belén Rueda en lo alto, hace un gran trabajo tratando temas complicados como la relación que se tiene con los adolescentes, los padres, las infidelidades o el rechazo por la orientación sexual, creando prejuicios hacia los homosexuales.

Toda la historia se narra en un acto único. Una noche en la que todas las parejas organizan una cena que coincide con el eclipse lunar, consigue que el cielo se tiña de rojo y la vida de los personajes cambien después de que se sepa toda la verdad sobre cada uno de ellos. ¿Pero tanto importará la verdad?

En la entrevista que hizo Álex de la Iglesia en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad de Complutense, mencionó que él prefiere no conocer la realidad en algunas situaciones, algo que se refleja en la película. ¿Pero qué preferirías tú, taparte los ojos y vivir en la caverna de Platón, o enfrentarte a la realidad pese al dolor que te pueda provocar?

Lo mejor: el toque humorístico que tiene una historia tan triste, además de ser una narración muy simple que hace que uno se lo pase muy bien.

Lo peor: la sobredosis de fantasía que se introduce en el film haciendo que pierda casi toda la seriedad.

Escrito por Elene Batsanadze

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Cocodrilo lleva a Black Mirror a uno de esos episodios en los que la tecnología futurista queda de lado (aunque sigue siendo parte importante) para presentar una trama más propia del thriller. ¿Qué tiene que aportar este tercer episodio? Coloquemos el pequeño chip junto a nuestras cabezas y descifremos lo que se proyecta en esa diminuta pantalla. Estreno el 29 de Diciembre.

En primer lugar, cabe destacar la ambientación norteña, los paisajes nevados nos traerán ciertos recuerdos a otras obras en las que la nieve es protagonista. La dirección se apoya en esos paisajes, y John Hillcoat lo explota con bastante estilo, a lo largo del episodio podemos sentir como el frío comenzará a salir de nuestras pantallas.

A lo largo de Cocodrilo, se puede leer la unión de diversas influencias, hay elementos de “La Conversación” de Coppola, utilizados de una manera completamente diferente, y sobretodo hay alusiones al cine negro: al del gato y el ratón, aunque, de nuevo: buscando un nuevo enfoque.

La trama principal y el motivo por lo que todo despega se me antoja un poco enrevesado o exagerado, podría imaginar un par de situaciones un poco más “ortodoxas” que las realizadas por la protagonista (interpretada con solvencia por Andrea Riseborough), pero, como siempre, tenemos a estos personajes absolutamente al límite emocional que tanto le gustan a Brooker muy a mi pesar.

Es importante también destacar el trabajo de casting al que Black Mirror nos está acostumbrando. En el medio audiovisual actual, no es raro sentirse confuso ante una diversidad racial, de sexo o sexualidad que se puede antojar algo forzada. En Black Mirror las sensaciones son diferentes, hay una naturalidad, los personajes no son simples “panfletos” publicitarios o ideológicos, están verdaderamente integrados a su mundo y es algo que habría que aplaudir.

La utilización de la tecnología se despega de la actitud crítica, lo cual veo como un punto positivo. En este caso, la tecnología es esgrimida como una herramienta, cómo algo normal, y esto le da un puntito de “naturalidad” al episodio, alejándolo de las connotaciones éticas evidentes que muchas veces Brooker nos vomita (aunque con estilo) a la cara (véase ‘Arkangel’, el primer episodio de esta cuarta temporada). En el caso que nos ocupa, la tecnología servirá como “mano en la oscuridad”: cómo un pequeño hilo del que vamos tirando mientras pensamos (esta vez no con desidia, sino con tensión), que esta historia sólo puede terminar de una manera.

Este suspense está realmente bien conseguido en la trama que propone Cocodrilo, con ciertos momentos de verdadero “pánico” para el espectador mientras el ruido blanco de esa pequeña pantallita se va desvaneciendo. Este episodio genera unas sensaciones que quizá deberíamos exigirle más a la serie. No se recrea en sí mismo, simplemente se centra en contar una historia, y aunque no se trata de una historia excesivamente original, sí está apuntada desde un enfoque muy propio: nunca olvidamos, en ninguna de sus escenas, que nos encontramos ante un episodio de Black Mirror.

Cocodrilo supone un tercer paso en esta cuarta temporada, en este caso, hacia adelante. No olvida de dónde viene y propone una mirada algo más sobria que sus predecesores en cuanto a la narrativa un poco más clásica. Una vez más, por descontado, asistimos a buenas interpretaciones y una dirección con clase, pero esta vez, contando con un guion más sólido a lo que estábamos acostumbrados.

Escrito por Daniel González Fernández

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El miedo es uno de los sentimientos más personales que existen ya que no todos tenemos miedo a las mismas cosas. Las películas de terror suelen tener dos vertientes: una basada en fenómenos paranormales (en las que podemos creer o no según las experiencias que hayamos tenido cada uno en nuestras vidas) y otra vertiente basada en algo más terrenal como personas con psicopatías.

Cuando en una película sale el cartel de “Basada en hechos reales” ya es un aliciente que provoca que sienta más miedo por pensar que podría pasarme a mi. Sin embargo el cartel de “Inspirado en hechos reales” es una línea muy fina en la que no se puede creer del todo.

Al comienzo de Winchester sale el cartel diciendo que la película está inspirada en la historia de la viuda del inventor de los rifles Winchester, quien tuvo la casa en continuas obras hasta su muerte, creando habitaciones, pasillos y escaleras que no llevan a ninguna parte.

El fin de la película no es contar la historia de la viuda fidedignamente, sino crear momentos de miedo y de tensión, y conducir al espectador al susto (en algunos casos predecibles y anunciados por la música).

Para amantes del cine de terror, no es una película que nos ofrezca nada nuevo. Sin embargo es una película que cumple su objetivo de asustar en algunas ocasiones.

A favor de la película, diré, que aunque un poco diluido, tiene un discurso en contra de las armas bastante interesante.

¿Del 1 al X?

Demos un voto de confianza y partamos de que toda producción tenga un 10. Sin embargo, algunos aspectos negativos van restando y esa nota se queda en un…

-Los sustos marcados por la música (-2)

-Los elementos y el final fantasiosos, que a mi particularmente no me dan miedo, ya que temo más a la realidad. (-2)

-Cae en elementos tópicos de películas de terror, como los juguetes, los niños, incluso en niño con saco en la cabeza como en “El Orfanato” (Juan Antonio Bayona, 2007). (-1)

Conclusión, si quieres pasar un mal rato con amigos, es válida. Sin embargo no es una película que recordarás ni para bien ni para mal.

Nota: 10-5= 5

Escrito por Juan Anselmo Rodilla
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Es innegable que Coco es un colorido y festivo homenaje a la tradición mexicana del día de muertos, la celebración que sincretiza perfectamente las raíces de este país: la tradición cristiana amalgamada con el culto indígena a fin de honrar a “los fieles difuntos”.

Pero como todo homenaje, en su afán de celebrar puede tomarse algunas libertades creativas si las cree necesarias para llevar a cabo su propósito.

Es un hecho que Disney Pixar ha tomado diversas tradiciones, leyendas y lugares en el mundo para colocar en ese contexto los escenarios de sus historias y de esta manera han desfilado en su producción cinematográfica desde los países nórdicos hasta las islas del sur; ahora en su película número 19 el turno fue para México.

La historia está cimentada en los puntos esenciales de la concepción del mundo del mexicano: la tradición, los valores, la familia, la cercanía con la historia familiar y las peculiares formas de estructura de mando y desempeño de roles que se dan dentro de “la casa mexicana”.

Como suele suceder en la gran mayoría de los hogares del país, en la casa de los Rivera, hay un marcado matriarcado, la figura de la madre es la piedra angular en la tradición de la familia mexicana. Y su importancia aumenta en cuanto se convierte en Abuela y más aún, Bisabuela…

El otro punto de esta trayectoria naciente en la familia es la preservación de las tradiciones, el sentido del significado de toda una serie de rituales y creencias basadas en esa singular celebración de la vida que nunca acaba, aunque cambie radicalmente de espacio y de configuración, la muerte en la cosmogonía mexicana es simplemente ese otro sitio donde se va pero que no cierra sus puertas cuando de fiesta y celebrar se trata y por ello los difuntos, la familia (la sanguínea o la extendida que son igual de importantes) celebran con todos los que quedaron atrás, en el mundo de los vivos. Con una única condición: No perder el recuerdo de quienes se fueron.

Y en esta fiesta, nada es imposible, ni suficiente: nunca sobra ni la alegría, ni el recuerdo, ni la decoración, ni la comida, las flores y mucho menos el alcohol.

Se baila con la muerte, se le dicen piropos, se le hacen versos, es una gran y rumbosa fiesta de la vida de la muerte. Esto lo captaron perfectamente Adrian Molina, y Matthew Aldrich los creadores del guión de Coco; y le dieron su propia visión. Sí, tal vez no es netamente mexicana, pero usa la iconografía, las bases, los colores, los sabores y la tradición. La muerte en México no es cualquier calaquita temblorosa.

Co-dirigida por Lee Unkrich y el propio Molina, Coco potencializa y pone en una plataforma mundial la fibra de lo que significa ese día para los mexicanos, Coco es un esfuerzo absolutamente admirable por comprender y transmitir el sentimiento del día de muertos. Cuando Abuelita (Victor/Angélica María) se empeña en que Miguel entienda el significado de la ofrenda del altar de muertos, no simplemente es un dialogo explicativo, lleva implícito mucho de lo que es el sentir “a la mexicana” sobre el recuerdo, los lazos indisolubles entre la familia y los amigos.

Para cualquier público a lo largo del mundo resultará claro el mensaje: la preservación de la memoria hace fuerte a la familia, le da centro e identidad.

Sin duda en algunos rincones del mundo será sorpresivo e inquietante ver “esqueletos y cráneos” viviendo semejante cantidad de aventuras porque los cadáveres móviles son identificados con zombies malvados. Pero bueno, es tiempo de que el mundo se entere de que en México los muertos no regresan como demoniacos seres come cerebros, sino como divertidos espíritus que devoran mole, pan, fuman cigarritos y beben y beben alcohol, para luego echarse un zapateado con un jarabe tapatío o una jarana. Los esqueletos en México son famosos, crean performances como Frida Kahlo y hacen fastuosos shows musicales.

Qué otro elemento tiene la película? bueno, como ya ha demostrado antes, Pixar ha encontrado una fórmula de “tocar los sentimientos” catapultando la añoranza como un misil con alto grado de detonación. Y se las ingenia para dar a Coco y a Miguel algunas de las escenas más efectivas al respecto. Pero su resonancia es mayor dada la real implicación de esas escenas: Ver un niño que lucha porque a su bisabuela no se le olviden sus recuerdos infantiles, es conmovedor.

Otro acierto de la cinta es su capacidad para dirigirse a un sector que había estado relegado durante años en las grandes producciones animadas, los latinos y específicamente los mexicanos. Esto hace que esta película represente un paso importante dentro del desarrollo de Pixar como empresa de entretenimiento mundial.

Coco es resplandecientemente autóctona y aunque su versión del Mictlán es bastante revolucionada y tropicalizada a lo Hollywood hasta hacerlo parecer una versión retro-futurista, lo verdaderamente significativo es la apertura de reinterpretación que demuestran los creadores del concepto para internarse en la ideología mexicana y reinterpretarla.

Elementos no les faltan, eso es cierto. La imaginería popular con respecto a la muerte, que viera en José Guadalupe Posada su máximo exponente, encuentra la inigualable calidad de los adelantos técnicos en animación que Pixar ha integrado a sus cintas. Cada cuadro del viaje de Miguel “al otro lado” es una obra maestra en conceptualización, color, diseño de producción y técnica.

Si la historia nos recuerda esos míticos viajes del héroe al estilo katabasis (en este caso no es precisamente un descendimiento sino un cruce al inframundo floklorico) para encontrar las raíces en busca de un sueño, .................. ...............

...........Coco es un canto profundo, sensible e increíblemente sólido y bello por todos los significados que una obra dedicada cariñosamente a México y a sus tradiciones puedan encerrar.

Escrito por Fabian Quezada Leon
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Wonder, basada en la aclamada y popular novela para niños del escritor RJ Palacio, está dirigida por Stephen Chbosky, conocido fundamentalmente por el éxito de su novela juvenil Las Ventajas de ser un Marginado y su posterior adaptación al cine en 2012, donde relata el proceso de madurez intelectual y emocional de un adolescente.

En Wonder se nos presenta a un inteligente y dulce niño de diez años afectado de una rara afección que le ha desfigurado su rostro, la historia de un niño diferente al resto y las perspectivas de sus seres queridos más cercanos. El reparto está formado por caras conocidas de la talla de Julia Roberts o Owen Wilson, además de contar con la presencia del joven actor emergente Jacob Tremblay, que ya cautivó a los espectadores con su emotiva actuación en “La Habitación” (2015).

Stephen Chbosky (“Las Ventajas de ser un Marginado”) lo hace de nuevo. Toma el espinoso tema de “cómo duele crecer” con el sesgo de cómo duele crecer y ser extremadamente diferente encima. La combinación podría resultar una letal bomba de hormonas plus deformidad física integrada que de manera natural impulsaría a litros y litros de lacrimosos chantajes emocionales. Sin embargo, Chbosky demuestra su maestría entregando una obra conmovedora y sensible pero de ninguna manera chantajista. Centra su mirada en Auggie pero en la parte más infantil, humana y sencilla esa donde la inocencia ve las cosas del mismo color y con tanta naturalidad porque se ven con los ojos limpios.

Auggie es un niño normal y aunque ciertamente su rostro desconcierta y causa una serie de reacciones cuando nos enfrentamos por primera vez a él, el acercamiento que tiene el personaje con nosotros hace que en pocos segundos no entendamos más las preconcepciones acerca de belleza, normalidad y estándares. Auggie nos ha conquistado porque vemos dentro de él sin sentir compasión, lo vemos como lo que él realmente es; un nuevo chico en la escuela, viviendo lo que muchos han vivido, sin importar si son flacos, gordos, feos o bonitos.

Nos importa más lo que Auggie siente y cómo ve el mundo, su mente brillante, su sentido del humor agudo, su pasión por Star Wars… su deseo de ser astronauta y sus relaciones con sus amigos en la escuela. La vida de un niño es eso, sin tener los dramas de la adultez, ya es suficiente con tener que preparar el proyecto de ciencias o escoger el disfraz de Halloween.

Lo más grandioso de la manera en la que Wonder se nos presenta, es que no llama a nuestra caridad, ni a nuestra compasión, no trata de manipular e insertar la lágrima fácil en el minuto 29… llama a nuestra empatía infantil. No importa la apariencia de Auggie, sino sus vivencias como niño.

A ese respecto cabría mencionar a dos predecesoras que tratan el tema de la “diferencia física” con la misma sobriedad: “El Hombre Elefante” (1980) y “Mask” (1985) si hay algo de lo cual preocuparse que concierne a Wonder, es su acercamiento al Bullying esa plaga que se ha desarrollado con urticante velocidad y que cada vez es más fiera.

Pero Chbosky (quien también co escribe el guión) no solo se circunscribe a la visión de Auggie; da a los otros personajes jóvenes la tarea de relatar su propio punto de vista con respecto a su relación con Auggie y esto da aire al relato y lo hace cercano y humano. Lo óptimo para dejarte ese sentimiento de “sentirte bien” y aunque Roberts y Wilson desempeñan los papeles de los padres nutridores y afectuosos que deben ser, su presencia es más un refuerzo dentro de la trama.

Evidentemente merece mención aparte la actuación de Tremblay que bajo todo ese excelente maquillaje y efectos especiales logra realizar una actuación destacada para levantar un personaje exquisito.

El personaje de Via desempeñado por Vidoovic, es quien representa la otra punta de la familia y lo hace con tanta fuerza y rendida determinación que podemos comprender sus confusos estados de ánimo ante el plan que la vida le ha escogido, ser una sombra en una casa donde toda la atención se ha puesto en su hermano menor. Pero he aquí que también la historia tiene designado un sitio importantísimo a este personaje: el brinco existencial entre ser relegada e inclusive negar que tiene un hermano, a ser el foco de atención en una obra de teatro donde, más que conquistar la atención de sus padres, acapara su derecho de pisar fuerte en el escenario de la vida.

En esta historia también encontramos al inicialmente forzado guía de Auggie: Jack (Noah Jupe) un niño gentil que se convertirá en el mejor amigo de Auggie y también a los “adversarios” encabezados por Julian (Bryce Gheisar ).

De esa forma los sin sabores de la escuela comienzan a tener un escenario universal que los diálogos y la estructura misma de la historia nos irán revelando.

Al final del día, Wonder sin más penetra al interior de la esencia de lo que significa ser humano, ser niño, y por eso hace girar la cabeza hacia lo que en realidad importa dejando que el fluir de la trama nos lleve de un personaje a otro revelando que nadie es más importante ni mejor que nadie por su apariencia sino por la fuerza extraordinaria con la que mueva los corazones de quienes lo rodean.

Escrito por Fabian Quezada Leon

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