/…

La cinta contiene referencias literarias y cinéfilas, al gusto del realizador. En este punto el descenso al averno remite a la “Divina Comedia”, de Dante Alighieri (1265-1321). Entre las referencias a películas destacan las dedicadas a “El séptimo sello” (Bergman, 1957), “Fresas salvajes” (Bergman, 1957), “Ocho y medio” (Fellini, 1962), “La guerra de las galaxias” (Lucas, 1977) y otras.

El título en inglés (“Desconstructing Harry”), distinto del proyectado inicialmente (“El peor hombre del mundo”), hace referencia a la técnica de la descontrucción de planos que emplea el film imitando la corriente desconstrutivista de la pintura y la arquitectura que nació a finales de los años 80. Allen pretende con ello dar a las secuencias imaginarias un aire de modernidad y de estética puesta al día, que le sirva, a la vez, como elemento de diferenciación y contraste entre la visualidad de lo ficticio frente a lo real y como confrontación de un estilo avanzado y el propio del cine convencional.

La película, en la que participan 35 actores y actrices con diálogos, es compleja, brillante y divertida. Posiblemente es una de las comedias más amargas y tristes del realizador. Por lo que respecta a la interpretación, hemos de decir que es muy notable la galería de estrellas que desfilan por la pantalla y dejan impresiones de excelencia. Cabe citar a Robin Wlliams, Demi Moore, Elizabeth Shue, Richard Benjamin, Stanley Tucci, Judy Davis, Mariel Hemingway, Billy Crystal, etc. La participación de Allen se decidió a última hora ante la imposibilidad de participación por compromisos anteriores de Elliot Gould, Dusti Hoffmann y Robert De Niro, que eran los inicialmente elegidos.

La banda sonora, de varios autores, incorpora temas tan diversos y atractivos como “Twisted” (canta Annie Ross), “Out of Nowhere” (en la versión de Django Reinhardt), “La chica de Ipanema”, “All The Things You Are” (Art Tatum) y “Rosalie” (de Cole Porter). Añade un expresivo y perturbador fragmento de “Una noche en el monte pelado”, de Modest Musorgski. La fotografía, de Carlo Di Palma, en color, se apoya en un movimiento pausado y libre de la cámara, que evoluciona con habilidad, precisión y parsimonia. Compone escenas impresionantes como la visita de un personaje del más allá y su inflexible tozudez, el descenso a los infiernos y el homenaje al antiguo profesor.

/…

La lectura del relato invita a prestar atención a lo que se dice en el subtexto, a través del cual el realizador y guionista aporta elementos esenciales para la justa comprensión de la historia. Conviene advertir al espectador que para gozar plenamente del film se ha de adoptar frente al mismo una actitud activa, de búsqueda y descubrimiento de lo que se dice con medias palabras, gestos mínimos o, sencillamente, a través de silencios significativos.

Woody Allen, que tiene una enorme capacidad de trabajo y se ajusta a un plan riguroso y detallado de distribución temporal de tareas, deja en el film pruebas terminantes de lucidez, agilidad mental y capacidad de creación y conmoción. Su trabajo destila frescura, ligereza y sensibilidad, en cantidades muy notables. Su inventiva es fina y certera, su mordacidad es incisiva y potente, su puesta en escena es brillante y el ritmo de la cinta, pausado y profundo, es admirable. Los temas que trata en el film se refieren a la necesidad de los sueños, las ilusiones y las fantasías para hacer llevadera la vida humana y darle sentido. Muestra con elocuencia las insatisfacciones que provocan los sueños rotos y las desilusiones. Su pesimismo existencial, similar al de su juventud, le lleva a explicar la felicidad humana en términos que infunden un tono melancólico al relato.

Le preocupan el futuro, siempre incierto, y la muerte. Habla de psiquiatras, sexo, amor, infidelidades conyugales, divorcio, lluvia, obras de arte, etc. Explica el grado elevado de complejidad de las relaciones humanas. Entregan unas interpretaciones sobresalientes Gemma Jones, Anthony Hopkins y Naomí Watts, a la que dedica primeros planos llenos de ternura y admiración. No faltan las citas cinéfilas que en este caso se refieren a Bergman, Lubitsch y a dos películas soberbias: “La ventana indiscreta” (Hitchcock, 1954) y “Desayuno con diamantes” (Edwards, 1961).

La banda sonora, de varios autores, aporta un conjunto de temas jazzísticos de gran belleza, como “If I Had You” (Benny Goodman), “I’ll See You in My Dreams” (Eddy Davis Trio), “Only You (And You Alone)” (Tom Sharpsteen) y “Let Your Body Move” (Ferrari i McGregor). Añade fragmentos de la composición “Fandango”, para quinteto de guitarras, del compositor italiano fallecido en Madrid Luigi Boccherini (1743-1805) La fotografía, del húngaro-americano Vilmos Zsigmond (“Melinda y Melinda”, “El sueño de Casandra”), en color, crea imágenes luminosas, de elegante composición, colores atenuados y contrastes poderosos.

Se rueda en escenarios reales de Londres (Battersea, Westminster, Bayswater, Notting Hill…) y en los platós de Pinewood Studios (Buckingamshire, Inglaterra), con un presupuesto estimado (IMDb) de 22 millones de USD. Producido por Letty Aronson (hermana de W. Allen), Stephen Tenenbaum y Jaume Roures, para Mediapro, Versátil Cinema y Gravier Productions, se proyecta por primera vez en público el 15-V-2010 (Festival de Cannes, Francia).

/…

Explica que la curiosidad es una constante innata en el ser humano, al que mueve a buscar información y conocimientos más allá de su voluntad consciente y de sus deseos explícitos. Muestra la inconsistencia de la doble moral y la sinrazón de numerosos prejuicios, a los que se recurre instintivamente por razones de debilidad o falta de habilidades personales. Glosa la pulsación de los instintos maternales y paternales, dependientes de la estructura biológica del ser humano. Muestra su desconfianza respecto de las religiones monoteístas (judaísmo, cristianismo e islamismo), frente a las propuestas clásicas de las diosas y los dioses paganos, sujetos a los designios del azar, que tan bien simbolizados están en la mitología clásica cuando nos habla de Tebas, Edipo, Layo, Yocasta, etc. Sugiere entre interrogantes y no sin dudas e inseguridades que los dioses verdaderos son los instintos que rigen y determinan la conducta del ser humano.

Por lo demás, la película adopta posiciones particularmente críticas, aunque debidamente disimuladas tras apariencias diversas, de las posiciones que formulan los sectores más conservadores de la sociedad contemporánea. Denuncia la falsedad de las concepciones que relacionan de manera determinante la herencia biológica con los antecedentes familiares. Nos dice que estas concepciones son fuente peligrosa de intolerancia, extremismos y racismo. Encarna la ideología conservadora en un personaje singular, Kevin, bobalicón, retrasado mental, de extracción agrícola y de ideas primitivas, con afición al uso de la fuerza bruta y vocación de retorno a las raíces agrícolas. Formula su visión de la masculinidad, alejada del machismo y no relacionada con la violencia, la dominación y la agresividad física.

Las citas cinéfilas se refieren en esta ocasión a “Historias de Filadelfia” (1940), “La lista de Schindler” (1993) y a la entonces reciente “Pulp Fiction” (Tarantino, 1994). Cita a Groucho Marx y a otros actores. Entre las citas cultas destacan las dedicadas a Amadeo Mozart, Django Reinhardt, etc. Muestra dos telas magníficas, una de Robert Motherwell y otra de Sean Scully.

La banda sonora, de Dick Hyman (“Hanna y sus hermanas”, “Zelig”, “La rosa púrpura del Cairo”, ”Días de radio”, “Melinda y Melinda” …), incluye temas originales del mismo y canciones ajenas tan hermosas como “Manhattan” (Richard Rodgers), “Penthouse Serenade”, “You Do Something to Me” (Cole Porter) y “ When You’re Smiling” (Mark Fisher). Las interpretaciones vocales e instrumentales corren a cargo del Coro Hyman y de la Camerata Hyman. La fotografía, de Carlo Di Palma (“Hanna y sus hermanas”, “Días de radio”, “Septiembre”, “Alice”…), en color, ofrece un trabajo de cámara parsimonioso y brillante, con un cromatismo colorista que genera sentimientos positivos y amor a la vida.

/…

Las reacciones sucesivas de los personajes revelan las frustraciones de los mismos, su mediocridad y limitaciones. Con la ayuda de una gestualidad que nunca pierde la compostura, una soberbia puesta en escena y el acompañamiento de una adecuada y brillante banda sonora, se crea una atmósfera de desolación, tristeza y frustración que poco a poco hiela el ambiente de la casa y atormenta el espíritu de los personajes.

La obra refleja influencias del teatro de Chejov, en especial por lo que respecta a sus propuestas sobre la infelicidad y la tristeza inevitables en la vida humana. Refleja influencias de Bergman por lo que respecta a la descripción de la incomunicación y la apelación a la resignación luterana. Conserva las características propias del cine de W. Allen por lo que respecta a la pulsación de los conflictos sentimentales e ideológicos y al enfrentamiento de dualidades contrapuestas, que en este caso se dan relacionadas en forma de cadena que afecta a todos por pares (madre e hija, hija y amiga, etc.). Por lo demás, no faltan las referencias habituales al psicoanálisis, la música de jazz y sus autores e intérpretes, al buen cine (Kurosawa), a la música culta (Prokofiev), etc. Como corresponde a los gustos del realizador, no faltan ni la lluvia, ni el protagonismo de las mujeres, ni los personajes cultos y refinados. Destacan la magnífica austeridad con la que trabaja el realizador, la sencillez de los recursos que maneja y su admirable economía de medios. Se añaden unas interpretaciones convincentes, en especial la de Mia Farrow, que demuestra ser una actriz de talento.

La banda sonora reúne una selección de de temas nuevos y viejos o repetidos en la filmografía del realizador. Entre los temas ya conocidos cabe mencionar “What’ll I Do”, de Irving Berlin; “My Ideal”, de Art Tatum y Ben Webster; “Out of Nowhere” y, sobre todo, “Night and Day”, de Cole Porter. Durante una interrupción del suministro eléctrico, oportunamente pone la música el piano de la casa. La fotografía, de Carlo Di Palma (“Días de radio”, “Alice”), en color y panavisión, hace uso de un cromatismo de luces doradas y anaranjadas, que trasmiten sentimientos de relajación y calidez. A ellos contrapone los sentimientos deprimentes y desoladores que crea la acción dramática. Abundan las tomas desde cierta distancia y los movimientos suaves de cámara, destinados a reducir el número de insertos de primeros planos que fragmentan e interrumpen el discurso visual. La obra es magnífica.

/…

La pasión que W. Allen siente por la música y, de manera especial, por el jazz, sobre todo por el jazz clásico de los años 20 y 30 del s. XX, determina y explica que hiciera uso de este tipo de música en muchas de sus cintas y que dedicara algún film a su análisis y contextualización histórica. Inicialmente piensa en dedicar la obra a la biografía del músico Sidney Bechet (1897-1959), pero por razones económicas y presupuestarias decide crear un personaje ficticio, Emmet, que compendia en su personalidad y su historia los trazos principales de varios intérpretes emblemáticos del jazz de la época clásica.

La obra se beneficia de los conocimientos que tiene el realizador de la historia de la música de jazz, de su acendrada preferencia por ella y de su experiencia como clarinetista de un grupo estable que toca en un local de Manhattan y hace una salida anual al exterior, de acuerdo con la estricta planificación que W. Allen lleva de su tiempo de trabajo y de ocio.

Como en todas sus películas, también en esta aflora su afición desbordada al cine americano y europeo. Dedica referencias de simpatía a Chaplin y Buster Keaton, al cine mudo en general, a “La Strada” (Fellini, 1954), a los personajes de Zampano y Gelsomina, en los que se inspiran las figuras de Hammet y Hattie, y otros. Por lo demás, rinde testimonio de admiración a la música de jazz, al jazz, a los intérpretes históricos que destacaron en los años 20 y 30, al swing, a los locales en los que se ofrece regularmente música de jazz, al jazz europeo, etc.

La banda sonora, con arreglos y orquestaciones originales de Dick Hyman, ofrece una extensa selección de temas magníficos, que sumen al espectador en un estado de suspensión y de emoción estética. Junto a temas de jazz (“Clarinet Mermelade”, “Limehouse Blues”, “Out of Nowhere”, “Caravan” de D. Ellington, etc.) aporta un fragmento del Liebestraum nº 3, de Franz Liszt. La fotografía, de Zhao Fei (“Granujas de medio pelo”, “La maldición del escorpión de jade”), en color, en su primera colaboración (sobre tres) con Woody Allen, se beneficia de una excelente puesta en escena y de un soberbio diseño de producción a cargo del mítico Santo Loquasto. Envuelve la acción en ambientes iluminados con luz artificial dorada, que proyecta las imágenes sobre fondos ligeramente rojizos. Esta combinación aporta un grato clima de calidez y confortabilidad, que contrasta con el fondo profundamente triste y melancólico del film.