Teniendo en cuenta que, a pesar de la intensa campaña publicitaria que ha precedido al estreno de El Despertar de la Fuerza, Disney ha mantenido cerradas las puertas de, no sólo los llamados spoilers, sino también los detalles de la trama de esta nueva entrega de la saga, no soy quién para dar a conocer las increíbles sorpresas que el Episodio VII tiene guardadas bajo la manga. Porque son muchas, y muy agradecidas.

Por lo tanto, acomódense en sus asientos, en Malditas Críticas de Cine no hay cabida a los spoilers. Quiero que, tal y como me ha pasado a mí, os sorprendáis desde el momento en el que las letras de color amarillo empiecen a aparecer sobre el mítico cielo estrellado que guarda uno de los universos de ficción más fascinantes de la historia del entretenimiento humano, porque es ahí cuando todo fanático de Star Wars sentirá como su corazón se retuerce y su pulso se acelera ante la asunción de que, efectivamente, hay algo más que contar tras los eventos de El Retorno del Jedi. La Fuerza, ciertamente, ha despertado.

Aunque haya gente que defienda que la historia de este nuevo episodio es predecible incluso a través de los exquisitamente bien diseñados avances publicitarios, hay que reconocer que la cantidad de entresijos y preguntas que generan todos y cada de los fotogramas de esta esperadísima película, no sólo aporta solidez a un guión que, clarísimamente, ha sido sometido a horas y horas de estudio, sino que además arroja una prometedora luz sobre los futuros Episodios VIII y IX de la saga.

Y es que el devenir de Star Wars no podría ser más prometedor. La audacia de los guionistas para saber reconocer dónde yace el potencial de la saga, y la consonancia de unos responsables de casting que no querían que la calidad del filme se viese empañada, tal y como pasó en las precuelas, por un reparto poco atractivo y convincente, otorgan a la nueva trilogía de Lucasfilm el suficiente material como para que este título pueda convertirse en la ansiada continuación que todos los fanáticos – y cinéfilos en general – habíamos estado esperando.

“Has estado aquí, pero no conoces esta historia” – decía Mark Hamill en un segmento del video proyectado en la Comic Con de este año – “Realmente nada ha cambiado… quiero decir, todo ha cambiado pero nada ha cambiado”. Y no podía tener más razón: gracias a la labor de Kathleen Kennedy (nunca más infravaloremos a los productores) y J.J.Abrams, que han sabido cómo rendir culto a los clásicos sin dejar de introducir novedades al universo en el que se sitúan, El Despertar de la Fuerza nos reintroduce en esa galaxia lejana a base de pequeños – y, para los fanáticos, evidentes - homenajes a Una Nueva Esperanza sin dejar de sorprender a un público ávido por nuevos detalles, mitos o sucesos acontecidos en ese fascinante lugar.

De esta forma, el Episodio VII de Star Wars se comporta como una película de aventuras fascinante, llena de personajes inolvidables, secuencias de acción trepidantes, toques de agradecido humor y de desoladora tristeza, piezas musicales emotivas, escenarios deslumbrantes y, sobre todo, gratitud. Gratitud porque, después de todos estos años, las plegarias y esperanzas de cinéfilos repartidos por los rincones más recónditos del mundo han sido escuchadas. Desde hoy mismo, un vastísimo colectivo de espectadores podrá volver a su infancia, despertar al crío que duerme dentro de ellos, y disfrutar de la experiencia de ir al cine como nunca antes lo habían hecho.

Que viva la nostalgia.

●Te gustará si: quieres ir al cine a ver una fantástica película de aventuras, o si lo que más te puede apetecer es despertar al crío que llevas dentro y revisitar, una vez más, tu añorada infancia.
● No te gustará si: querías, por todos los medios, que Jar Jar Binks estuviese vivo.

Jerry

No deja de resultarme gracioso que muchos de los que se consideran totalmente imparciales en este mundillo de las críticas de cine se hayan atrevido a hacer desangrar La Visita y a seguir engordando al monstruo que el inmerecido hype de la poco destacable Regresión está creando.

Y es que, así como comprendo que los productos nacionales aumenten el umbral de tolerancia de todo crítico español, no encuentro razón alguna que justifique salir del concurrido círculo de objetividad crítica para asomarse - sólo por un momento - al de la subjetividad con un filme en concreto para, a continuación, sumirse en el más pesimista de los juicios con títulos tan destacables como La Visita.

Sí, he dicho “destacable”. Lo nuevo de Shyamalan, cuya valentía ha vuelto a quedar reflejada por la atrevida decisión de recurrir al low cost en un momento de su carrera que aparentemente brillaba por lo oscuro que parecía, no sólo es una gran película de terror (que, encima, tiene un acertadísimo toque de humor), sino que además es uno de los más efectivos reveses que el director podría haber dado a todo ese colectivo de incrédulos espectadores.

Con esta ingeniosa historia de abuelos que por las noches sufren el llamado “síndrome vespertino” para aterrorizar a sus inocentes nietos, Shyamalan no sólo ha demostrado que el arte con el que maneja la cámara sigue intacto (y eso que ha recurrido al llamado found footage), sino que además, a pesar de que sus cuentos siguen siendo escalofriantes, éstos conservan su pequeño corazoncito y su toque de humor.

Por lo tanto, y aunque parece que La Visita es la obra que más se aleja del estilo habitual del director, este sorprendente estreno termina funcionando como un grandísimo entretenimiento, un acierto asegurado para la noche de Halloween, y una evidencia más de que el futuro de Shyamalan no está perdido.

Todo lo contrario: no podría ser más esperanzador.

●Te gustará si: quieres ser testigo de que el humor y el terror funcionan.
● No te gustará si: el found footage no te convence.

Jerry

A pesar de que dentro de la filmografía de Tom Hanks, uno de los actores más icónicos de los Estados Unidos, hay actuaciones que quitan el aliento, no puedo evitar sentir cómo mi cerebro chirría cada vez que veo una película suya en la que adopta su para mí muy molesta “faceta simpática”: ese perfil con el que se gana las sonrisas de todas las adorables ancianas de la sala y que consigue arrancar más de un suspiro en jóvenes que buscan una buena feel-good movie.

El problema es que El Puente de los Espías no es una feel-good movie. Es más, el nuevo largometraje de Spielberg no podría pertenecer a un género cinematográfico más distinto: el dramático. Porque, ¿en cabeza de quién cabría que una historia basada en hechos reales como ésta, la de un abogado estadounidense al que, en plena Guerra Fría, se le encarga la compleja misión de mediar el intercambio de “prisioneros de guerra” de ambos bandos, acabase siendo un amago de feel-good movie?

Pues bien, contra todo pronóstico, lo nuevo de Spielberg, a pesar de ser una película técnicamente sobresaliente, no es más que eso: un intento por dar un toque simpático a un suceso que no podría haber sido más oscuro. El enfoque que han decidido darle Hanks y Spielberg a este turbio episodio de la historia, hace que la credibilidad de sus personajes y del contexto en el que tiene lugar se desmoronen: no terminamos de creer en la condición de espía soviético de Rudolf Abel (ni en esa interesante reflexión que propone Spielberg sobre la responsabilidad y amor nacional), ni tampoco nos parece creíble la maestría con la que Donovan consigue llevar a cabo las negociaciones. No nos creemos nada porque no parece una guerra de verdad: no parece que el silencioso enfrentamiento que había entre los estadounidenses y los soviéticos fuese cierto por culpa de toda esa molesta insistencia de otorgar a los personajes una superficial simpatía y de incorporar a la trama americanadas bien acogidas por compatriotas pero molestas para otros por lo poco en serio que se toma el filme a sí mismo.

Con todo esto no estoy diciendo que la película no me gustase, porque hay que aplaudir su preciosa banda sonora, lo emocionante que es la historia, y su soberbia ambientación y fotografía, pero, dos o tres días después de haberla visto, empecé a cuestionarme el enfoque que se le había dado, y me di cuenta de que para mí ese tono simpático y esperanzador es más propio de Disney que de Spielberg. Y mira que me gusta Disney.

Para mi sorpresa, muchas críticas justifican que El Puente de los Espías funciona porque muestra la visión de la Guerra Fría desde la perspectiva de un niño por eso de que Spielberg la sufrió con muy pocos años de edad. Sin embargo, si tal fuese el caso, el protagonista de la historia sería el hijo de Tom Hanks. Y no lo es. Todos sabemos que el personaje principal es Donovan: un abogado risueño, entrañable, astuto, simpático, y justo que, muy a mi pesar, no casa con esta película.

Casa con una feel-good movie.

●Te gustará si: estabas deseando ver una nueva película de Spielberg que poder recordar la próxima vez que vayas al cine a, lógicamente, ver otra película de Spielberg.
● No te gustará si: no te apetece ver un filme que, a pesar de su calidad, tiene un tono que termina resultando demasiado simpático.


Jerry

Yo pensaba que los grandes estrenos del verano llegarían la semana que viene con filmes como Monsters University o El Hombre de Acero. Sin embargo, no tuve en cuenta que Danny Boyle (el conocidísimo director de películas como Slumdog Millionaire) también aportaría su granito de arena a la taquilla veraniega.

Aunque, a decir verdad, de “granito” nada. Trance, su nuevo trabajo, es más que un mero grano de arena; es el prototipo de película de extrema calidad que, desgraciadamente, se verá eclipsada por filmes mucho más comerciales que, en el fondo, no deberían dar para más. Y eso es lo que hará especial a esta pequeña joya veraniegamente prematura.

- Año: 2013
- Director: Danny Boyle
- Cast: Vincent Cassel, Rosario Dawson, James McAvoy
- Música: Rick Smith
- Duración: 108min.

Trance cuenta la historia de Simon (James McAvoy), un subastador que se ve involucrado en el robo de un cuadro del mismísimo Goya durante una de las subastas en su lugar de trabajo. A raíz de este suceso, y sin querer desvelar ningún detalle importante de la trama, Simon se verá en la obligación de acudir a una hipnoterapeuta (Rosario Dawson) que le ayudará a recordar ciertos detalles del robo que ha olvidado por culpa de una oportuna amnesia.

Sin embargo, hay que tener en cuenta que en Trance nada es lo que parece: las sesiones de hipnosis saltarán de fotograma en fotograma y nos confundirán hasta más no poder y, además, pronto nos daremos cuenta de que todos y cada uno de los personajes que rodean al misterioso robo del cuadro pueden no parecer quienes son en realidad… ¿O es que seguimos estando en una sesión de hipnosis?

Danny Boyle nos sorprende dirigiendo una historia cuasi-original (podría ser considerada como un pseudo-remake de una película rodada en 2001 para su estreno en televisión) que difiere mucho de sus recientes aportaciones al séptimo arte (28 Semanas Después, Slumdog Millionaire, 127 horas). Con Trance, Boyle no sólo demuestra que es un grandísimo profesional, sino también que sabe perfectamente cómo abordar filmes de cualquier género sin flaquear en ni un solo aspecto.

Si a esta excelente dirección le añades unas soberbias interpretaciones (Rosario Dawson y James McAvoy en su punto álgido), una banda sonora totalmente resultona y adecuada para filmes de estas características, y giros en la trama de 360 grados (o más) que consiguen dejarte paralizado en la butaca, se podría decir – sin ninguna duda - que Trance es lo mejor que hay ahora mismo en taquilla.

Pero, cuidado, porque Trance te pide algo a cambio de pasar un buen rato. No es aceptable que el espectador esté sumido en un estado de encefalograma plano, ni que se fije con repelente insistencia en el número de palomitas que se va a meter en la boca… Danny Boyle nos ofrece un excelente espectáculo cinematográfico que, sin embargo, tiene un pequeño precio a pagar: tu más dedicada y precisa atención.

Con un arranque extremadamente poderoso y un final absolutamente sobrecogedor, Trance se corona de forma anticipada, y sin haber visto tan siquiera qué películas van a ser estrenadas a lo largo de estos meses, en la mejor película de misterio del verano.

- Te gustará si: los filmes de misterio tienen un puesto privilegiado en tus prioridades cinéfilas.

- No te gustará si: las películas que invitan a una posterior reflexión para entender la trama al completo no son de tu agrado.

Jerry

Las críticas que le llovieron a la Metro por adjudicar el papel de James Bond a Daniel Craig podrían haber estado hasta cierto punto justificadas. Hasta el año 2006, todos y cada uno de los actores que habían encarnado al espía británico pertenecían a ese colectivo de hombres que se hacen llamar de bien: caballeros enchaquetados cuyo físico no habría pasado el test de excelencia de cualquier gimnasio frecuentado por adictos a los batidos de proteínas, pero que con un Martini en la mano, una mirada lasciva, y más de un gadget dispuesto a sacarles de un apuro, podrían salvar el mundo. James Bond era, tal y como decía un amigo mío, “un hombre con clase” y, sin embargo, Daniel Craig acababa de salir del gimnasio con el test aprobado.

Este actor británico, al que ya habíamos visto en filmes como Camino a la Perdición o Munich, rompía con los esquemas que todo cinéfilo había organizado en su cabeza a lo largo de los años. A Craig se le veía duro e implacable, y ese perfil no terminaba de encajar con los blandos antecedentes que le habían dejado sus predecesores. Craig era un hombre del siglo XXI: un luchador de mirada penetrante, espalda de gorila y bañador ajustado. Un hombre con un perfil que, muy pronto, daría un giro de trescientos sesenta grados a la saga de James Bond.

A pesar de que, como decíamos antes, ese giro ya se pudiese intuir con la fantástica Casino Royale, no fue hasta Skyfall cuando quedó claro que el personaje de Ian Fleming se había deshecho de las cadenas que lo mantenían anclado al pasado. Sam Mendes, gracias a su extrema capacidad para trasladar historias a la gran pantalla (recordemos American Beauty), le dio un toque a la saga mucho más serio y personal - manteniendo hasta cierto punto la tradición Bond con guiños a sus clásicos - que se vio recompensado con una recepción francamente buena.

Con Spectre las tornas han cambiado. Después de haber sido testigos de una de las renovaciones más radicales de la saga, el trabajo de Mendes, a pesar de seguir siendo impecable, peca de adulto. A estas alturas de la película, el James Bond de Daniel Craig está ya muy curtido, su desarrollo a lo largo de las últimas cuatro entregas ha sido espectacular, y la historia tenía que tocar a un fin que quizás no haya cumplido con las expectativas que se tenían de él.

Sin embargo, yo personalmente considero que, además de que el reparto de Spectre es magnífico, de que su apartado técnico sigue brillando tanto como en Skyfall, y de que Newman ha vuelto a componer una satisfactoria banda sonora que combina su estilo habitual, con el frenesí que impregna a toda cinta de acción y con la legendaria melodía de 007, esta película funciona como la perfecta ocasión para que, tanto Mendes como Craig, se retiren con la cabeza bien alta.

Eso sí, la mediocridad de la canción de Sam Smith es ofensiva. Aunque después del Skyfall de Adele poco se podía hacer.

●Te gustará si: eres de los que piensa que este nuevo Bond es lo mejor que le podía haber pasado a la saga.
● No te gustará si: no estás muy al tanto de la trayectoria que han seguido las películas encarnadas por Craig.

Jerry