Hunger

Abrumadora.
Creo que úL dejó caer por aquí una opinión más bien tibia, respecto a sus expectativas. Bien, las mías las ha colmado por completo. Todas las alabanzas que había leído están más que justificadas.
Uno de los mejores y más contundentes debuts de esta década, en mi modesta opinión. Steve McQueen, curioso nombre para un primo de Carlton, es el responsable de este obús directo a las entrañas que ayer me dejó sin aliento. Haciendo gala de un estilo visual y un sentido de la estética poderosísimos, un guión sin fisuras y una narrativa tremendamente personal, sin apenas diálogo, concediendo a la imagen todo el protagonismo. La estructura del film, además, con esa velada división en tres actos, me fascinó. Esa crudeza a la hora de rodar la violencia. El modo en que la que la película avanza sin diálogos, sin apenas interacción entre personajes me atrapó por completo. No me esperaba algo así, me pillo totalmente a contrapié. El referente más claro que me vino a la mente fue el Bresson de Un Condenado A Muerte Se Ha Escapado, por motivos obvios. Y después está el impactante trabajo de Michael Fassbender, el tipo que la protagoniza que, al igual que el Bale de El Maquinista, pone en riesgo su salud para dar vida al personaje. Pero McQueen es el nombre que a uno se le queda clavado en la mente cuando desfilan los créditos, un tipo con mucho que decir.
Abrumadora.

La huelga sucia
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Dura aproximadamente la mitad de la película. Narra la vida de los miembros del IRA y los funcionarios de la cárcel durante el período en que los primeros iniciaron una huelga para solicitar status de presos políticos. No aceptaban los uniformes carcelarios e iban desnudos, y ensuciaban sus celdas con mierda. No hay mucho diálogo, es más bien una narración visual. Es cierto que, como bien dice Peter Gabriel 77, bebe bastante de "Un condenado a muerte se ha escapado", de Bresson. Aunque aquí hay también retrato de los carceleros y no toma tanto partido como cabría imaginar. Naturalmente no es neutral, eso no existe.

La huelga de cámara
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Aquí McQueen da la vuelta a la tortilla y prácticamente sólo hay diálogo. Entre Bobby Sands, que antes apenas tenía protagonismo, y un sacerdote. La verdad es que hay que ser muy bueno para mantener el interés en una escena en la que durante quince minutos la cámara ni se mueve.

La huelga de hambre
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Los diálogos vuelven a desaparecer, y el director cede el protagonismo al actor que encarna a Bobby Sands, Michael Fassbender. Hay que estar muy tarado para hacer esa dieta sólo para hacer creíble el papel, pero bueno allá él. La película vuelve a ser física y visual, con el final que todo el mundo conoce.

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En resumen, un ejercicio de estilo del debutante Steve McQueen, que al que busque propuestas nuevas supongo que le encandilará. Yo apenas la encuentro meritoria y algo más que interesante. O sea, que seguramente será la leche y no me he enterado.

Técnicamente sublime, de una dura belleza y con una fotografía que roza la perfección, es una película que puede resultar infumable para el espectador palomitero, pero indispensable para todo aquel que valore el arte a pantalla grande. El montaje es espeso lo que resta dinamismo a la historia, pero al mismo tiempo aumenta la potencialidad de cada plano. Con una batuta dramática McQueen dirige a los actores y sumerge al espectador desde la primera escena en una la realidad política que gracias al diálogo se ha hecho menos latente en Irlanda y hace posible que se rueden con tal crudeza este tipo de hechos.

Desde la presentación de los personajes en cadena hasta no tener pelos en la lengua para retratar las vejaciones que sufren los presos y cómo los verdugos se convierten también en víctimas. Es interesante esa percepción que abre el filme de Steve McQueen, que no tiene nada que ver con el Steve McQueen que ya conocíamos, plantee cierta división entre el hambre de cine. Dos puntos de vista para diseccionar la tragedia y lo absurdo de la violencia. No es que pretenda construir una “En el nombre del hijo” con tintes oníricos sino en plantear los sucesos de la huelga de hambre de 1981 desde otra perspectiva. La voz en off de Margaret Thatcher dramatiza los planos ante la inflexibilidad para negociar con terroristas. Sin nadie cede todos pierden, parece una dura moraleja para construir mártires del martirio y víctimas asesinadas olvidadas.

La defensa a ultranza por un estatus de prisioneros políticos y tener la capacidad de vestir sus propias ropas es el comienzo de un juego de poder. Realmente “Hunger” nos habla de demasiadas cosas encerradas en pequeños detalles: la introducción prorrogada del personaje principal, los detalles formales del director, la larga secuencia de la conversación entre el Padre Moran y Bobby Sands, la belleza en la escatología como adversidad al drama, la creación visual del director por recrear pequeños y milimétricos detalles y el descenso final de la cinta hacía la pérdida del cuerpo y fijación en la mente y el momento enterrado en la infancia como perpetuo recuerdo. Hay impactos en secuencias mediante el seguimiento de ese funcionario de prisiones que tiene y debe limpiar la mierda y vestir a aquellos que han provocado que esté amenazado de muerte en el exterior. Círculo vicioso y viciado de violencia de los unos frente a los otros, de poder frente a la sumisión y de la irracionalidad, al fin y al cabo, por falta de entendimiento en el mundo que vivimos.

Hay tres partes bien diferenciadas en "Hunger":

1) La primera es una aburrida visión de la lamentable existencia de unos terroristas del IRA en una prisión de alta seguridad interrumpida a modo de espamos por unas escenas de violencia extrema que cumplen la función de despertar al espectador de su letargo.

2) Un interesante diálogo de más de 20 minutos entre un terrorista y un cura. Es tan superior al resto de metraje que da la impresión de que la película es este cortometraje, al que posteriormente se le ha añadido el resto como pegotes sin sustancia.

3) La descripción del deterioro físico de Bobby Sands provocado por su huelga de hambre, al más puro estilo "La Pasión de Cristo", con sus primerísimos primeros planos de llagas, heridas y costillámenes infectos. No en vano Icon, la productora de Mel Gibson, es la encargada de las ventas internacionales de la película.

Las conclusiones que he sacado han sido dos:

1) Que Steve McQueen posee mucho estilo para rodar pero no tiene ningún talento para narrar. Algo especialmente poco adecuado en una película en la que la estética debería ser secundaria y la capacidad para transmitir ideas lo principal.

2) Que he aprendido un montón de cosas. La falta de información sobre los personajes y el contexto es tan absoluta, que a la media hora tuve que parar para buscar por mi cuenta información sobre la prisión de Long Kesh, sobre Bobby Sands, sobre el estatus político de los presos, sobre las huelgas de hambre, sobre las protestas de las sábanas, el "slop out" y la mierda en la pared y otro largo etcétera. Así que ya saben, a excepción de que uno sea historiador irlandés, lo mismo lo pasa mal para situarse correctamente.

En tiempos de crisis, McQueen ha sido de los más listos. Con su éxito en festivales de medio mundo y su nuevo diploma de intelectual en el bolsillo, ya puede vivir el resto de su vida de las jugosas limosnas del ministerio de cultura de su gobierno.