Desde la presentación de los personajes en cadena hasta no tener pelos en la lengua para retratar las vejaciones que sufren los presos y cómo los verdugos se convierten también en víctimas. Es interesante esa percepción que abre el filme de Steve McQueen, que no tiene nada que ver con el Steve McQueen que ya conocíamos, plantee cierta división entre el hambre de cine. Dos puntos de vista para diseccionar la tragedia y lo absurdo de la violencia. No es que pretenda construir una “En el nombre del hijo” con tintes oníricos sino en plantear los sucesos de la huelga de hambre de 1981 desde otra perspectiva. La voz en off de Margaret Thatcher dramatiza los planos ante la inflexibilidad para negociar con terroristas. Sin nadie cede todos pierden, parece una dura moraleja para construir mártires del martirio y víctimas asesinadas olvidadas.

La defensa a ultranza por un estatus de prisioneros políticos y tener la capacidad de vestir sus propias ropas es el comienzo de un juego de poder. Realmente “Hunger” nos habla de demasiadas cosas encerradas en pequeños detalles: la introducción prorrogada del personaje principal, los detalles formales del director, la larga secuencia de la conversación entre el Padre Moran y Bobby Sands, la belleza en la escatología como adversidad al drama, la creación visual del director por recrear pequeños y milimétricos detalles y el descenso final de la cinta hacía la pérdida del cuerpo y fijación en la mente y el momento enterrado en la infancia como perpetuo recuerdo. Hay impactos en secuencias mediante el seguimiento de ese funcionario de prisiones que tiene y debe limpiar la mierda y vestir a aquellos que han provocado que esté amenazado de muerte en el exterior. Círculo vicioso y viciado de violencia de los unos frente a los otros, de poder frente a la sumisión y de la irracionalidad, al fin y al cabo, por falta de entendimiento en el mundo que vivimos.