Juegos prohibidos

Emotivo, dulce y entrañable relato que recoge la crudeza de los efectos de la guerra, a través de los ojos inocente de dos muchachos, que entablan una bella amistad, que les da cobijo del frió mundo que les rodea.
A partir de una historia sencilla, el director ofrece un hermoso retrato de la inocencia y de la amistad sincera, gracias a las inmensas interpretaciones de los dos niños protagonistas, que inundan la trama de un brillo especial, con su simple dulzura.
Lo que podría considerarse un juego macabro, se convierte en un extraño entretenimiento, carente de maldad, gracias a la inocente e ingenua visión que tienen los niños de la muerte.
Junto con la dulzura e inocencia de los niños, destaca la banda sonora de Narciso Yenes y su romance anónimo, que con dos sencillas notas musicales envuelve el relato de un encanto especial.

Película sobre la guerra, sobre el odio y sobre cómo afecta a los más débiles, la gente corriente y los niños. La secuencia inicial es de una crudeza notable y da paso a una historia intimista y poética en la que la muerte y el sinsentido del enfrentamiento entre seres humanos son protagonistas. Me ha gustado, de la dirección, que cuenta los hechos sin enmascarar, duro cuando tiene que ser duro y tierno cuando corresponde. Y siempre con sencillez, a lo que contribuye la magistral guitarra de Narciso Yepes.

La película es sin duda una de las referentes del cine francés, muy especialmente de la mitad del siglo XX en adelante.
Lo que aún me sorprende sobremanera es que le adjudiquen a Narciso Yepes la autoría de la música Romance Prohibido o Romance Anónimo. Dicha obra, es un estudio de conservatorio que se estudia en el primer año de guitarra. Se denomina Estudio de Antonio Rovira. No es ni ha sido del maestro Narciso Yepes. ( a no ser que el maestro Yepes haya utilizado un nombre diferente para su inscripción en los registros de partituras) Clement le encomendó la música y Yepes hizo famosa una obra que desde ya, se estudiaba en todo conservatorio de guitarra.
Indicó esto como aclaración dado veo q sigue apareciendo como autor cuando solo ha sido el intérprete.
( Sería muy penoso que el Maestro haya cobrado derechos de autor sobre la misma, cuando solo fue intérprete)
Jorge Laffargue

Preciosa, conmovedora y desgarradora película que muestra los horrores de la guerra desde la concepción de las límpidas miradas de dos niños.
Paulette, es una niña de 6 años, que huye con su familia al sur de Francia, escapando de los bombardeos nazis. Durante la huída, pierde a sus padres en un ataque aéreo y es recogida por un muchacho de 11 años, Michell, que la llevará a vivir a la granja de su familia.
Allí estos dos niños, crearán un lazo indisoluble, protegiéndose mediante su inocencia e imaginación, de los horrores que no comprenden, sublimando la muerte y el dolor de su alrededor para impedir que se les destroce el alma.
Y a nosotros sí se nos destroza el alma. Con unas interpretaciones magistrales de los dos niños, sin sentimentalismos ni injerencias externas, sólo mostrándonos sus miradas y sus actos, los espectadores vamos a experimentar el lado más cruel de la guerra. Ése que arrebata la inocencia a una fruta inmadura cuando aún no está preparada para desgajarse del árbol.
Paradójicamente, es la muerte lo más hermoso de este film, que esos niños subliman en sus juegos, y que es lo que les ayudará a soportarlo todo.
No se puede dejar de mencionar la preciosa música de Narciso Yepes en el film, que con su magnífico rasgueo de la guitarra frente a la luz que irradian los rostros de los niños, les arrebatará el alma.
Creo que hay que verla sí o sí. Hermosa, dura y SINCERA.

Una de las singularidades de El tercer hombre (The third man, 1949), de Carol Reed y Juegos prohibidos (Jeux interdits, 1952) reside en la presencia de un solo instrumento musical en su banda sonora, la citara de Anton Karas y la guitarra española de Narciso Yepes, respectivamente. Pero no sólo les une esa peculiaridad. En ambas, es cuestión vertebral, la infancia dañada, en una por el tráfico de penicilina adulterada en la posguerra, en la otra, por la pérdida y la orfandad. En un caso, la sombra alargada de la mitomanía fetichista, mediante la figura del oficial genio maltratado, Orson Welles, impidió apreciar los méritos del director, Carol Reed, restringido durante tiempo en la categoría del cineasta sin particular personalidad. No recurriré al tópico de que el tiempo pone las cosas en su sitio (afirmación falaz), porque Welles sigue siendo catalogado como el cineasta que realizó la mejor película de la historia del cine, aunque la valoración de Reed, al menos, se ha reconsiderado e incrementado. Particularmente, las diferencias entre ambos cineastas no me parecen tan remarcables. Más allá de que Welles realizara dos grandes obras como El cuarto mandamiento (1942) y Sed de mal (1958), el resto de su filmografía me parece definida por la irregularidad (con más obras discretas que logradas). En la obra de Reed, también irregular, además de la citada, se pueden encontrar otras admirables como Larga es la noche (1947) o La Llave (1958), y notables como El amor manda (1938), El ídolo caído (1948), Desterrado de las islas (1951), Se interpone un hombre (1953) o Nuestro hombre en la Habana (1959). En el caso de Clement, es una cuestión de ensombrecimiento porque los focos apuntaran en otra dirección, como quien carece de las cualidades singularizadoras que porten particular brillos. Cineastas como Jean Renoir o Jean Vigo acapararon la sublimación entronizadora o fetichista. De nuevo, las desproporciones. En un caso sobredimensionadas las cualidades, y en otro (como también en los casos de los tardíamente reevaluados Marcel Carné, Jean Gremillon o Sacha Guitry), subvalorados. Ni me parece que abunden las obras maestras en la obra de Renoir (particularmente, solo destacaría Una partida de campo), en una filmografía irregular, como lo es la de Clement, en la que no dudaría de calificar como obras maestras tanto a Juegos prohibidos como a A pleno sol (1961), su obra más valorizada, como son excelentes tanto La batalla del raíl (1945) y Demasiado tarde (1949) o notables Los malditos (1947), Monsieur Ripois (1954) y Como liebre acosada (1972). Dos ejemplos de los daños de los cegadores focos de la mitificación fetichista cinéfila que establece altares que generan sombras en las que quedan oscurecidas filmografías o cineastas con parejos, o incluso superiores, méritos.

Juegos prohibidos sí dispuso de amplio reconocimiento en su momento, incluso en forma de premios (el León de Oro en Venecia, el Oscar y el Bafta a la mejor película extranjera), pero no alcanzó de resonancia posterior, porque fue tapiada por la discriminación de las nuevas generaciones, y su influjo poderoso en la cinefilia, en concreto Francois Truffaut y su desprecio a lo que denominaba cine de qualité; irónicamente, su cine se tornó cada vez más rancio, y más academicista y envarado, que el de esos cineastas precedentes que cuestionaba. Entre los damnificados, como representantes de aquel cine, estaban los guionistas Jean Aurenche y Pierre Bost, luego reivindicados por Betrand Tavernier (cineasta más sustancioso y menos autoindulgente que Truffaut), con los que colaboró en varias de sus excelentes primeras obras. Aurenche y Bost adaptan la homónima novela de Francois Boyer para Juegos prohibidos. En cierta medida, no deja de ser triste qué un obra tan lacerantemente bella como Juegos prohibidos quedara arrinconada en el limbo del olvido. Quien admire la también magistral Viento en las velas (High wind in Jamaica, 1965), de Alexander MacKendrick, sabrá a lo que me refiero cuando califico a esta obra como un tan conmovedor como descarnado, hasta la médula, poema sobre la infancia y la muerte. El contraste entre la mirada de unos niños y las circunstancias de un horror, la guerra se define por su demoledora crudeza y su lirismo acongojante.

Clement no se anda por las ramas con su intenso y arrollador comienzo, en los inicios de la guerra, en 1940: el bombardeo de una escuadrilla de aviones alemanas a una caravana de ciudadanos franceses que huyen hacia el sur desde París. Primeros planos de bombas cayendo y rostros que gritan aterrorizados; la desesperación se torna inclemente cuando un coche no puede volver a arrancar; no dudan en arrojarlo fuera de la carretera; cada uno se preocupa de su propia vida. En ese coche viaja un matrimonio, con su hija de 5 años, Paulette (Briggite Fossey), quien porta su perrito, que asustado echa a correr hacia el puente; ella lo persigue, y los padres a ella; los disparos de una avión acaban con la vida de sus padres y su perrito; un caballo corre asustado, arrastrando un carro al que falta una rueda, en paralelo a Paulette que quiere recuperar el cadáver de su perrito, que han echado al río. El caballo llega a una granja; uno de los hijos es Michel (Georges Poujouly), de once años, busca a una de las vacas asustadas, y se encuentra en el bosque, junto al río con Paulette y el cadáver de su perrito en brazos; el hijo mayor al intentar dominar al caballo es aplastado por las ruedas del carro, y debe permanecer postrado en la cama, a la espera de un médico que no llega. Sobrecogedor inicio, a la par que asombrosa la intensidad narrativa de un montaje que rezuma urgencia, desesperación, desvalimiento, dotando de cuerpo a la irrupción de la violencia rasgando la luminosidad del apacible paisaje y de las rutinas de las dedicaciones diarias: Cultivas la tierra como cada día y de repente una coz de un caballo asustado te daña de tal manera que provocará tu muerte.