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Críticas de Luis Guillermo Cardona
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2053 críticas
8
22 de octubre de 2013
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cuando sale de la cárcel, el entertainer Val “Snakeskin” Xavier, decide irse con su guitarra hacia Two Rivers, Mississippi, donde la esposa del temible sheriff Talbot, le ofrece la oportunidad de trabajar en la tienda de calzado de Lady Torrance, quien no tarda en acogerlo con la promesa de que no se le ocurra sobrepasar la línea de su relación laboral. “Snakeskin” lleva una chaqueta fabricada con piel de serpiente que revela su lado salvaje (auténtico), libre y amante de la naturaleza, y Lady Torrance lleva siempre vestidos oscuros que delatan el frío que ahora lleva en su corazón.

Se inicia así una relación entre dos seres muy dispares, que quizás sean capaces de despertar, el uno en el otro, los cálidos sentimientos que cada uno guarda pugnando por fluir. Pero la felicidad no es un regalo sencillo de la vida, y por particulares circunstancias, para algunas personas las cosas son más difíciles que para otras. Así, Xavier se siente asediado por la desadaptada Carole Cutrere quien lo anhela como compañía, y Lady aún carga con el peso de un marido enfermo y tosco que le hace la vida imposible. Y como si esto no fuera bastante, el entorno social es deplorable y peligroso, teniendo que convivir con intolerantes verdugos que, cada tanto, se complacen dando palizas o linchando a los hombres que viven con la “maldición” de haber nacido con la piel oscura.

Con un guión escrito por el mismo Tennessee Williams, basado en su obra teatral “Orpheus descending”, el director Sidney Lumet, logra una apreciable recreación de este drama con aroma a tragedia, donde Williams deja plasmado el pútrido olor que para él emanaba de la sociedad norteamericana que le tocó padecer. Y lo hace dignificando una vez más a la mujer, mostrándola como víctima de un machismo ramplón, pero haciendo acopio de una dignidad que la lleva a luchar con fortaleza y perseverancia contra toda detracción.

Razones como estas, son las que una vez más explican el “olvido” (léase rechazo) en que la crítica tuvo a “PIEL DE SERPIENTE”. ¡Y claro! Es un filme que deja el corazón herido; despierta sentimientos de repugnancia contra el radicalismo de ciertos sectores de la sociedad; y demuestra que la especie masculina no juega limpio con las féminas, a las cuales abusa y maltrata sin que se vislumbre siquiera una fecha de significativa reducción de tan asidua infamia.

Marlon Brando y Anna Magnani, tras sus respectivos éxitos en “Un tranvía llamado deseo” y en “La Rosa tatuada”, vuelven a ser considerados por sugerencia de Williams, para protagonizar con ímpetu y consagración, un drama difícil de olvidar porque hace memoria de uno de los más largos y atroces períodos históricos por los que haya pasado la sociedad norteamericana.

Título para Latinoamérica: “EL HOMBRE EN LA PIEL DE VÍBORA”
Luis Guillermo Cardona
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7
21 de octubre de 2013
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
¡Cómo nos cambia la historia! Cuando “BABY DOLL” comenzó a exhibirse en las salas de cine de los EEUU, en diciembre de 1956, el cura Francis Cardinal Spellman, párroco de la iglesia de St. Patrick (¡sin duda uno de los primeros en verla!) desde su pulpito se dispuso a lanzar toda suerte de epítetos contra la película, la maldijo, la condenó… e invitó al pueblo norteamericano a abominarla por su inmoralidad. Corrió la bola… y en pocos días varios millones de católicos, apostólicos y romanos, andaban en grandes movilizaciones apedreando las salas de cine donde la película era exhibida y profiriendo toda clase de maldiciones contra el público que había dentro de ellas. Hasta la revista Time se pronunció: “Baby Doll es la película más sucia que se haya hecho en América y que haya sido legalmente exhibida”.

No tardaron los exhibidores, en su mayoría, en verse forzados a retirar la película, y al final, los recaudos totales del filme no llegaron ni al millón de dólares. Y cuando uno ve ahora el filme, lo siente tan pundonoroso, tan discreto y hasta tan cursi en su moralidad, que nos queda la sensación de que la sociedad, y sobre todo las iglesias de antes, eran tan fanáticas, locas y absurdas que, gracias a Dios ya todo eso va siendo cosa del pasado.

En contra del deseo de Tennessee Williams, autor y guionista de la película quien quería a Marilyn Monroe para el rol de Baby Doll, el director Elia Kazan impuso a su alumna del Actor’s studio, Carroll Baker, y esta tenía 25 años al momento de asumir el papel. Y una chica de 19 (como se la recrea en el filme) tampoco era ninguna bebecita, siendo que entre nuestros padres y abuelos era bastante común llevar al altar a chicas de 13, 14 y 15 años. Y si no pregúntenle a Charles Chaplin.

Por otro lado, “BABY DOLL” no muestra complacencia alguna por la relación entre un hombre viejo y una jovencita, y al contrario, revela el claro fastidio que la chica siente por su pareja, muestra al hombre improcedente y falto de todo tino… y el juicio moral es bastante claro, con los frutos que Archie Lee va recogiendo como consecuencia por sus acciones.

Como ya es común en todo lo escrito por Tennessee Williams, el carácter de la mujer es visto con simpatía y él se esmera por hacer que veamos a Baby Doll como una chica con suficiente carácter, con un buen grado de suspicacia, y sobre todo, dispuesta a hacer con su vida exactamente lo que se le antoje. Y en este sentido, el filme es francamente edificante.

Son cosas como éstas, las que me hacen sonreír cuando oigo a ciertas personas sostener con firmeza que “todo tiempo pasado fue mejor”. Pónle el freno a tu vida y bota la llave, y te perderás los nuevos y hermosos caminos que se abren cada día.
Luis Guillermo Cardona
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8
19 de octubre de 2013
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un vagón de tren llamado Miss Alva… una carrilera visible en una larga perspectiva… y la presencia de un forastero con el que podría ser posible llegar a Nueva Orleáns (la tierra deseada), se convierten en símbolos, y en razones, para que Alva Starr piense reiteradamente en que, quizás, sea posible escapar de aquel lugar donde solo es una chica bonita y provocativa que, estimulada incluso –y deplorablemente- por su propia madre, alimenta los deseos lascivos de los obreros ferroviarios… y de uno que otro ricachón (como el señor Johnson) dispuesto a pagarla a muy buen precio para que sea suya.

Es su hermana menor, Willie (llamada así porque sus padres deseaban ya a un hijo hombre), quien nos recordará lo padecido por la preciosa Alva, al lado de esa madre que solo la veía como recurso para acceder al dinero de los inquilinos de su particular hotelucho. Y una nueva metáfora se nos dará en anticipo: aquella casona desvencijada que ahora exhibe un letrero del Estado donde se advierte que “This property is condemned” (Esta propiedad está condenada). Pero el sentido de esta frase solo lo comprenderemos al final, cuando hayamos visto las ligerezas, las contenciones, y el ansia que resuena en aquella magnífica muchacha que, sin tenerlo muy claro, siente muy dentro suyo que el verdadero significado de la vida solo podrá encontrarlo en amor y en libertad.

Será Owen Legate quien, con la desesperanza que trae para los trabajadores ferroviarios, traerá en contradicción la esperanza para Alva, y con él, quizás se abra el camino para que la joven pueda llegar a vivir con aquello que le viene siendo vedado.

“PROPIEDAD CONDENADA”, está inspirada en la pieza teatral de un solo acto, escrita en 1946 por el atormentado y estimable dramaturgo Tennessee Williams. Los guionistas, Francis Coppola, Fred Coe y Edith Sommer, incluyeron la recreación de los hechos que vive el amplio y relevante personaje de Alva Starr, con lo que, un largo flashback, tendrá lugar al interior de lo que pertenece a Williams.

La historia está ambientada en tiempos de la Gran Depresión (década de 1930), en un lugar de Mississippi llamado Dodson, donde los obreros ferroviarios no parecen tener demasiadas preocupaciones hasta que llega Legate para comenzar a dárselas, incluso despertando el interés de la muy coqueta Alva.

Natalie Wood se posesiona con sumo encanto y credibilidad de ese personaje frágil y esperanzado que ya había representado en otras ocasiones, haciendo que sobre ella pese la mayor importancia de este filme, que demuestra cómo, en ocasiones, son seres de los que uno solo esperaría seguridad, respeto y amor, los que se encargan de conducirte al infierno como si la sangre no tuviera peso alguno a la hora de complacer caprichos y ambiciones.

Como aquella memorable Alma de “Verano y Humo” (que Williams escribiera casi simultáneamente con “Propiedad Condenada”) también Alva es una suerte de dolorosa remembranza de su hermana Rose, víctima de la incomprensión de sus padres y de la sociedad, como tantísimas mujeres.

Pequeñas fallas técnicas (un micrófono visible, una falla de continuidad...) apenas demeritan un filme de fuerte psicología, estupenda fotografía e inmejorable banda sonora (incluida la canción “Wish me a rainbow”), y sobre todo, con unos personajes que te envuelven irremediablemente, en ese fuerte choque de caracteres.

Título para Latinoamérica: “UNA MUJER SIN HORIZONTE”
Luis Guillermo Cardona
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9
14 de octubre de 2013
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cuatro significativos cuentos, impredecibles, aleccionadores, y donde su autor W. Somerset Maugham desfoga su gran virtuosismo en la construcción de personajes, constituyen el libro “CUARTETO” que, los directores ingleses Ken Annakin, Arthur Crabtree, Harold French y Ralph Smart, llevaron al cine con bastante fidelidad a la obra.

El mismo Maugham es el encargado de introducir el filme, hablando de su estilo y de la forma como a través de los años lo han valorado los críticos, a los que no parece tomar demasiado en serio porque, indudablemente, para ciertos señores han primado sus osados e irresponsables prejuicios, sin permitirse un conocimiento y entendimiento amplio de su valiosísima obra literaria.

El primer cuento “The facts of life” (Los hechos de la vida) es la historia de un joven tenista que, ante un inminente viaje a Francia, es aleccionado por su padre, un veterano tahúr quien le da tres consejos: “No juegues. No prestes dinero bajo ninguna circunstancia. Y no confíes en las mujeres”. En un momento de descanso, el chico pasa con un amigo por Montecarlo… y entonces nos demostrará que, a veces, la vida es mucho más elocuente que las palabras. Grata presencia de la linda actriz y pronto directora sueca, Mai Zetterling, como Jeanne.

En “The alien corn” (La dureza ajena), Dirk Bogarde representa al joven pianista George, un chico esperanzado en realizarse como músico contra la objeción de sus padres que no creen que ser artista signifique nada. Convencido su padre por su enamorada Paula (Honor Blackman) de que le dé una oportunidad, comprobaremos luego el peso terrible que suelen tener en algunas personas los conceptos radicales.

Hemos tenido ya dos cuentos excelentes, y a éstos sigue otro de fuerte significado: “The kite” (La cometa) es la historia de un joven casado que ha ido a prisión por dejar a su esposa sin su ayuda económica. Preguntado: ¿por qué hace eso? Su respuesta dejará a todos alelados. Betty Baker (Susan Shaw) su esposa, tiene sus razones… pero Herbert también tiene las suyas, pues ocurre muchas veces que las apariencias engañan, y aquello que vemos con un vago significado, puede llegar a ser mucho más profundo de lo que parece.

Finalmente, “The colonnel’s Lady” (La Dama del coronel) –ligera alusión a “El amante de Lady Chatterley”-, nos habla de la esposa de un ex-militar, quien de la noche a la mañana se convierte en una renombrada poetisa, con un pequeño libro que se está vendiendo como el pan… y su marido pareciera ser el único que no lo ha leído. Dentro del librito muchos han adivinado una aventura extramatrimonial tan romántica como siniestra… y el marido, finalmente, intentará develarla. Una vez más, las apariencias pueden ocultar un algo más sensible y podría ser más impuro aquel que condena que quien resulta condenado.

“CUARTETO” reafirma el grandioso talento de William Somerset Maugham, y los directores ingleses quedarán tan encantados, que luego seguiría “Trío” y finalmente “Encore”.

No te las pierdas. Esto es literatura y cine en una conjunción perfecta.
Luis Guillermo Cardona
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10
9 de octubre de 2013
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
La discriminación es una actitud de rechazo, exclusión o incluso maltrato, contra cualquier persona en razón de su género, raza, nacionalidad, condición social, orientación sexual, religión, discapacidad o cualquiera otra condición que tan solo la haga diferente. En resumen, es toda violación que se asume contra la igualdad de derechos de las personas. En tal sentido, la discriminación es por sobre todo un acto de ignorancia e intemperancia, porque se tiende a meter en el mismo saco a todas las personas de cierta característica o pertenencia, por la improcedencia de unas cuantas. Pues tan absurdo es creer que todas las personas por el simple hecho de ser negras, judías, homosexuales o de tal o cual nacionalidad son malas o abominables, como creer que el simple hecho de ser blanco, cristiano o europeo te hace digno.
La razón reclama que, en ambos casos, se debe ver más allá de estas particularidades para poder reconocer las buenas cualidades que pueda haber en cada ser humano, pues bien factible es equivocarse con los primeros, como con los segundos.

Encuentro maravillosa la película “LA BARRERA INVISIBLE”, porque -partiendo del antisemitismo que seguía imperando en los propios EEUU, aunque tan solo dos años atrás se acababa de derrotar al fascismo que agitaba la misma bandera- habla con gran profundidad acerca de la discriminación en razón de una causal cualquiera. La historia, brillantemente adaptada por Moss Hart (“Vive como quieras”, “Aquí durmió George Washington”...), basada en el exitoso libro de Laura Z. Hobson (1900-1986) una socialista hija de inmigrantes judíos que sufrió en carne propia toda suerte de improperios, sirve con marcada altura y dignidad, al esclarecimiento de los falsos pilares sobre los que se apoya cualquier acto discriminatorio.

El director Elia Kazan -quien se llevaría consigo un merecidísimo premio Oscar-, hace un filme de gran sobriedad, sin espacio para el sensacionalismo de ningún tipo, sin despertar sentimientos de odio o de venganza contra persona alguna, y con los más simples detalles e intachables argumentos, deja profundamente sentado un álgido problema que sigue causando graves daños morales y muchas veces físicos a incontables personas.

Valientes y muy sobrias actuaciones de Gregory Peck y Dorothy McGuire, consolidan un filme que deja sentado que “la igualdad y la libertad son la única opción para conservar la integridad del hombre y de cualquier nación”.

Esto es cine con el sello de la trascendencia.

Título para Latinoamérica: “LA LUZ ES PARA TODOS”
Luis Guillermo Cardona
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