De entrada comentar que no he visto nada anteriormente de su director, Daniel Sánchez Arévalo, y el primer film que veo de él me pareció una muy buena película. Al margen de la eterna discusión sobre el cine español/cine americano, creo que esta película merece ser comentada independientemente de este dilema.

Una vez vista, lo primero que me vino a la mente fue un comentario de John Ford, que hizo a propósito de una discusión que tuvo con uno de sus colaboradores sobre la posición de la cámara en el inicio de "El hombre tranquilo" cuando llegaba John Wayne en tren a la estación de Innisfree (creo que se escribe así); el director de fotografía le sugirió hacer una panorámica con el tren llegando, John Ford le respondió: "¿Tú cuando hablas con alguien le miras a los ojos o te subes a una silla?". Y eso es lo que me parece esta película, que más que estar viéndola parece que me la están contando de frente. Una historia muy cercana, emotiva a veces, dura en otras ocasiones y con una muy acertada descarga de la tensión dramática en la historia paralela que protagoniza el personaje de Sean/Andres que consigue un perfecto contrapunto a un film que tiene un tono general muy triste, y equilibra a la perfección el film.

A mi entender la película tienen un claro tema carcelario. No sólo de la cárcel donde donde están encerrados los personajes de Antonio y Paula y se conocen por casualidad en un taller (un medio de escapar de la dura realidad de la vida de la prisión), dos personajes encerrados por motivos diversos, incluso no llegamos a saber porqué está encerrado Antonio, algo que al final no importa para nada, y que intentan escapar por todos los medios posibles, sobretodo Paula, que busca desesperadamente quedarse embarazada para tener una vida mejor dentro de la cárcel. También es una cárcel la vida de Jorge, acentuada esta percepción con diversos planos de la entrada de la portería a través de unos barrotes. De hecho prácticamente todos los personajes del film son vistos a través de estos barrotes demostrando el encierro que sufren todos ellos: El padre encerrado en sí mismo, Jorge atrapado por unas circunstancias de las que intenta salir desesperadamente, Antonio que pasa de la cárcel a vivir en una casa de donde fue expulsado, Paula cuya vida pasó del cielo al infierno sin casi ni enterarse, Natalia atrapada por el cariño que siente por Jorge y que no acaba de aclarar sus sentimientos y Andres atrapado en su casa con un doble dilema sobre las inclinaciones sexuales de su padre y suyas própias.

En resumen una película hecha con mucho sentimiento, que sientes como muy cercana y próxima. Una película que no te deja indiferente y que una vez que empieza no puedes dejar de verla a ver que pasa a continuación. Un director a tener muy en cuenta en el futuro por mi parte.

manulynk

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“Thriller” dirigido por Tom Shankland, en la que una dispar pareja de detectives compuesta por el amargado y de vuelta de todo Eddie Argo (Stephan Skarsgard) y la novata Helen O’Mara (Melissa George) tienen que resolver una série de horribles crímenes que tienen como nexo común una curiosa ecuación (en realidad es W Delta Z) y un hecho ocurrido en el pasado.

El film tiene dos claros referentes imposibles de eludir: por un lado “Saw”, sobretodo en lo que se refiere a la estética del lugar donde se producen los crímenes y a lo retorcido de éstos, y por el otro “Seven”, ya que sigue un patrón bastante similar, en cuanto a los dos protagonistas que retrata en esta película, y un punto de partida basado en una ecuación (en la famosa obra de David Fincher eran los pecados capitales).

A pesar que el film se reviste de una cierta, estudiada y cuidada sordidez, y que a pesar de los paralelismos con las citadas obras intenta no parecerse a ellas, desmontando rápidamente la posible intriga de saber quien es el asesino, a favor de buscar una mirada desencantada hacia el mundo, lo cierto es que no lo consigue. Los personajes del film, incluso los protagonistas, son excesivamente planos y muy desdibujados, quedando absorbidos a favor de la tétrica y sórdida puesta en escena.

Sin apenas profundidad, ni en los personajes ni en el tema de fondo, el film deriva hacia su resolución de forma un tanto lánguida y excesivamente lenta, por cuanto el único interés que le quedaba al film era resolver los asesinatos y a pesar de algún que otro giro de guión, perdemos el interés por el film tan pronto conocemos la motivación del asesino.

manulynk

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El director Otto Preminger, responsable de alguna de las joyas del cine negro, volvía sobre sus pasos pero dándole una vuelta de tuerca a un tema detectivesco. El film, después de unos inquietantes títulos de crédito se abre con la desaparición de Bunny Lake, a la que el espectador no ha visto, pero que su madre busca infructuosamente, de tal forma que el director juega con el espectador a hacerle pensar que más que una trama detectivesca/policial, en realidad nos está mostrando un tema más bien psicológico.

De esta forma, Preminger, consigue despistar al espectador, y con una excelente puesta en escena (sobretodo en la primera parte en la que no aparece la niña) crea un clima enrarecido y desasosegante en el que el espectador llega a no estar seguro de nada de lo que está viendo, en el que las apariencias engañan. Una vez consigue meter en el cuerpo del espectador el desasosiego y la incertidumbre, el film va alejándose cada vez más del aspecto policíaco y se va adentrando poco a poco en la senda de la instrospección psicológica, terreno donde evidentemente todas las apariencias engañan.

Film muy inteligente el que nos ofrece Preminger en que demuestra todo su buen hacer detrás de la cámara en una historia ambigua, llena de imágenes inquietantes que demuestran su buena planificación y mejor guión, y que de alguna manera se anticipa al "thriller psicológico".

manulynk

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Después de varios años asomando dráculas, hombres lobos y monstruos diversos, el género del terror necesitaba renovar sus contenidos. Fue por los años 70 cuando el género empezó a nutrirse de personajes corrientes y normales (la mayoría de ellos también literarios) que escondían un lado oscuro en su interior. Ya no eran seres fantásticos o malditos los que nos daban miedo sino nosotros mismos (¿Acaso no hay nada más terrorífico que un ser humano?).

De Palma enfoca el film como si fuera un itinerario circular sangriento (comienza con la primera menstruación de Carrie), aunque adoptando un tono de película dramática. En este sentido, no se trata de la típica película de terror de sobresaltos, gritos, muertes y mucha sangre. El terror del film es mucho más psicológico. Carrie es una persona inadaptada, diferente, que es marginada por sus propios compañeros de clase, viviendo a la sombra de su madre.

Las interpretaciones del film resultan notables, destacando la de Pipper Laurie por encima de todos, ofreciéndonos un registro un tanto excesivo e histriónico pero que realmente era el tratamiento que necesitaba el personaje. La joven Sissy Spaceck también realiza una interpretación meritoria, siendo su elección muy acertada por parte del director (o del que fuera responsable), al ofrecernos una intepretación realmente sensacional haciendo muy creibles su personaje.

La planificación que realiza De Palma en esta película es ejemplar. Manteniendo un tono de "película normal", sin ninguna concesión a mostrarnos algo más distendido. Desde el principio somos testigos del montaje, de cómo juegan con los sentimientos de Carrie sus propios compañeros (entre los que podemos reconocer a un jovencísimo John Travolta o a Nancy Allen), al mismo tiempo que sabemos que la joven es una bomba de relojeria que puede explotar en cualquier momento. Sin duda, De Palma le debe mucho a Hitchcock a la hora de construir este tramo de apariencia "normal", pero que prepara los acontecimientos posteriores.

Es al final del film donde De Palma condensa la "acción" del film, el desenlace, y donde realmente es él mismo: un director eminentemente visual, muy efectista y con un gusto estético muy personal y colorista. La secuencia del baile de graduación rompe bruscamente el devenir aparentemente normal del film, pero no sólo temáticamente sino también de forma estética, con un claro dominio del color rojo.

El gran mérito de De Palma es como pasamos de la escenificación de una broma de colegío a algo completamente diferente (en la línea de películas de Hitchcock como "Psicosis" o "Los Pájaros"), y como esa ruptura queda perfectamente integrada dentro de lo que nos están contando. De Palma nos había mostrado una nueva vía de hacernos pasar un mal rato, que posteriormente sería imitada hasta la saciedad.

manulynk

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En uno de los puntos más altos de la popularidad de Mel Gibson del final de la era de "Mad Max" y del comienzo de "Arma Letal", el actor parecía ser algo así como el rey midas de las taquillas de cine.

El film, dirigido por John Badham, intenta seguir la estela de las letales armas pero con un tono de comedia aún más marcado. Y ello a pesar del tono serio del argumento: Mel Gibson interpreta a un testigo protegido que es reconocido por su ex-novia (Goldie Hawn), con la mala fortuna que también se entera el criminal que envió a la cárcel y que ahora ve la oportunidad de vengarse.

El film de Badham, sin ser nada del otro jueves, consigue por lo menos entretener, aunque la química entre Goldie Hawn y Mel Gibson es más bien escasa, el intento de juntar a una habitual de cintas de comedias con un habitual de cintas de acción no acabó de cuajar adecuadamente. Sin embargo el ritmo del film es lo suficientemente ágil como para soslayar esa carencia, consiguiendo la finalidad última de la película: pasar un rato al menos agradable.

manulynk

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