Como un abnegado maitre que sabe que para la plena satisfacción del cliente es imprescindible cuidar tanto el fondo como las formas, el veterano realizador checo Jirí Menzel nos sirve un exquisito plato en forma de fábula humorística en torno a las andanzas de un pícaro con pretensiones en la Checoslovaquia de los años 30. Así pues, asistimos de su mano al ascenso y caída del regímen nazi, del mismo modo que presenciamos las vicisitudes amorosas y profesionales del personaje protagonista que a modo de flash-backs, va relatando su ajetreada vida que le lleva a acabar con sus huesos en la cárcel.

Con un estilo visual atractivo e impecable, Menzel acierta de pleno en su adaptación a la pantalla de la novela de Bohumil Hrabal, al envolver cada una de sus imágenes de una sensualidad y un sentido del humor que nos transporta por momentos a la época del cine mudo, al que se homenajea en no pocas escenas, en parte también gracias a una selección musical justa y acertada. Cierto que no todos los gags acaban de funcionar y que Menzel abusa de la “sal gorda” en la resolución de algunos pasajes, pero sería injusto no reconocer el tacto pero también el sarcasmo y la mala leche con el que el director checo realiza un ajustado retrato de una sociedad y de unos tiempos revueltos.

No exenta de suficientes dosis de emotividad y elementos para la reflexión, “Yo serví al rey de Inglaterra” se presenta como una sólida candidata para ser la película sorpresa y la revelación de este año.

Lo mejor: su impecable factura.

Lo peor: que por momentos pueda parecer algo repetitiva.

AMQE

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A veces suele pasar que contar con una buena historia y unos buenos actores no garantiza que el producto final responda a las expectativas que tan buenos mimbres parecían presagiar. En esta ocasión, el director Paolo Barzman hace de “Aritmética emocional” una película bastante menor de lo que podía haber sido. Un film que gira en torno a la memoria más o menos reciente, que plantea dilemas existenciales (¿es mejor no olvidar, o es más conveniente no recordar para salir adelante?) y que sobre todo cuenta con un reparto de lujo, que raya a una altura notable sin excepciones, no se puede convertir en algo tan anodino y plano como acaba siendo esta película.
Con una estructura teatral, construida en base a los diálogos que se van sucediendo entre dos personajes, la película va adquiriendo a lo largo del metraje un tono parsimonioso, sin mostrar en ningún momento la fuerza dramática que precisaría para conseguir transmitir las emociones soterradas que se intuyen pero que no acaban de salir a la superficie. Y aunque es cierto que “Aritmética emocional” contiene algunas ideas afortunadas que desembocan en momentos de gran cine, sobre todo en su desenlace, un final algo frío y precipitado acaba por malograr un film que merecía un mejor acabado.

Lo mejor: el plano de la lluvia cayendo sobre la libreta, perfecta metáfora de toda la película.

Lo peor: que se haya desaprovechado el potencial de una historia como esta.

AMQE

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Tenía un servidor muchas esperanzas en esta película. Tras su brillante debut con “Tapas”, el duo Corbacho-Cruz prometía otro acertado retrato social con el “bullyng” como tema de fondo en su nuevo proyecto, “Cobardes”. Lamentablemente las expectativas no se han cumplido y he salido muy decepcionado del cine tras presenciar una historia que patina de principio a fin. Y es que, incomprensiblemente, los directores caen en el peor de los errores que se pueden cometer al abordar un film de temática social. Este es el de no insuflar credibilidad en la historia ni en ninguno de sus personajes. Todo suena a falso en “Cobardes”. Todo está demasiado pulcro y ordenado. Desde los almuerzos y las comidas (sobran zumos de naranja, faltan “bollycaos”, bocatas y televisión con el volumen alto) hasta las habitaciones de los adolescentes (¿alguien se puede imaginar tanto orden en una real?) pasando por las aulas (en la vida real hay niñas gordas, inmigrantes, etc.). En resumen, falta realismo, todo es demasiado bonito, a pesar del drama. Es como un retrato hecho por encargo, en el cual el pintor cuida de disimular los defectos del retratado, aun con el riesgo de que el resultado final no se ajuste del todo a la realidad. Si a todo ello añadimos un cásting que no por las conocidas dificultades de trabajar con adolescentes deja de ser desacertado (y no solo por los actores juveniles, Paz Padilla parece tan preocupada por no dejar ir su vis cómica que termina echando a perder su personaje) y algún error de guión más que evidente (¿que pinta el hijo del concejal estudiando en el mismo colegio que el protagonista?) o alguna subtrama que no acaba de entenderse a qué obedece (la historia del pizzero concretamente), nos daremos cuenta que estamos ante una película que chirría por todos lados y en la que es díficil salvar algún aspecto. Ni siquiera la historia de amor que nos intentan colar (vaya diálogos de vergüenza ajena se marcan la nena y el nene) sirve para amenizar una película con muy buenos propósitos y pocos resultados. Una lástima que lo prometía tanto se haya acabado convirtiendo en algo parecido al capítulo piloto de algún serial juvenil.

P.D.: ¿Por qué Corbacho y Cruz no hacen ninguna refencia a L´Hospitalet de Llobregat a pesar de estar filmada en sus calles?

Lo mejor: el plano final.

Lo peor: esa canción a mitad de película, ¡qué horror!

AMQE

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Lo confieso. Siempre me gustaron las canciones de Abba. Forman parte de la banda sonora de mi niñez y aunque hace muchos años que las tenía olvidadas, han vuelto con fuerza a raíz del estreno de esta fiesta con forma de película que es “Mamma mia!”. Basándose en el éxito del musical del mismo nombre, Phyllida Lloyd dirige una historia en la que encontramos los elementos básicos del musical de toda la vida. Amor, humor, canciones, bailes y mucho ritmo dan color a un film que sabe suplir su (voluntaria) falta de glamour con acertadas dosis de auto-parodia y mucha, mucha falta de prejuicios. Así pues, Meryl Streep (quien le iba a decir que acabaría protagonizando un musical de estas características) se erige con una sanísima falta del sentido del ridículo y con toda la dignidad del mundo en la “dancing queen” de la película, bien secundada por sus compañeras Julie Walters y Christine Baranski en un trío que de paso reivindica el derecho a pasarlo bien y seguir gozando de los placeres de la vida cuando la juventud ha quedado ya lejos.

Hay evidentemente un ejercicio de nostalgia escondido entre el festival de canciones y coreografías que presenta “Mamma mia”. El cruce ideológico entre distintas generaciones se muestra personificado en los personajes de madre e hija. Y de esa paradoja, que la hija pertenezca a una generación más conservadora que la de su madre nace uno de los aspectos más interesantes del film. Pero como no podía ser de otra manera, “Mamma mia” es ante todo una fiesta a la que el espectador está invitado a participar. Una historia totalmente puesta al servicio de la discografía del grupo sueco. Pero que funciona estupendamente, gracias a la habilidad de saber adaptar la trama a unas canciones que en principio no fueron creadas con la idea de servir de hilo conductor de una película. Y este pienso que es el gran mérito que hay que otorgarle a sus responsables, en especial a su guionista Catherine Johnson que junta a la directora han sabido captar perfectamente el espíritu del cine musical y adaptarlo a los tiempos que corren.

Alegre, divertida, entretenida, “Mamma mia!” gustará a todo seguidor de la música de Abba y sobre todo a cualquier persona que siga prefiriendo el cine como la mejor forma de evasión de una realidad que por desgracia sigue dando motivos de sobra para que “Chiquitita” siga llorando.

Lo mejor: las “Dynamos”.

Lo peor: que no suene “Fernando”.

AMQE

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“Una palabra tuya”, la última película de la directora Ángeles González-Sinde, tiene un inicio algo desconcertante. Por momentos uno cree haber viajado a través del tiempo y estar viendo una típica película española de la transición, con un sentido del humor bastante casposo y unos personajes pasados de moda, con Antonio de la Torre ejerciendo de “José Sacristán” y Malena Alterio metiéndose en la piel de pobre chica abnegada y reprimida. Faltaría para completar el cuadro, un “Óscar Ladoire” en forma de amiguete de Antonio de la Torre, para poder reirse tomándose unas birras, de las lesbianas, las vírgenes y otros especímenes pasto de las burlas del “macho hispano”. En este primer tramo del film, en el cual domina el tono cómico y desenfadado, podemos ya darnos cuenta de por donde van a ir los tiros. Y es una lástima que una historia que a priori tenía sus puntos atractivos, sea desaprovechada por un sinfín de tópicos, situaciones vistas una y mil veces, diálogos irrisorios y a veces ininteligibles debido a la mala dicción (eterno problema del cine español)de sus actores, en especial una Esperanza Pedreño que se pasa de graciosa para convertir a su personaje en una grotesca caricatura.

Cierto es que el film crece conforme se acerca a su final, cuando el drama se va apoderando de la historia para dejarnos alguna escena digna para el recuerdo (la intensa discusión tras el descubrimiento del bebé en el container, por ejemplo), pero es ya demasiado tarde para que la película logre levantar el vuelo y nos redima de unas tres cuartas partes del metraje anodinas y con poca gracia.

En definitiva, “Una palabra tuya” me ha parecido una película desequilibrada, que no funciona como comedia y a la cual su parte más aprovechable queda estropeada por un final postizo y feliz, digno de novela rosa.

Lo mejor: cuando se pone seria.

Lo peor: su poca capacidad de sorpresa.

AMQE

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