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Críticas de Redrum
4 de mayo de 2011
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Kill Bill Vol. 2, es el gran salto de oriente a occidente. Ya dejamos atrás las mangas, las muertes en masa y el misticismo de las artes marciales, para adentrarnos en inteligentes diálogos y profundidad en los personajes principales, y un argumento mejor desarrollado. Es Tarantino en estado puro.
Factor Carradine
Sin lugar a dudas, la entrada del desparecido actor David Carradine, le da un cambio radical a la saga, se nota el peso del protagonista de la mítica serie Kung Fu. Por fin conocemos el rostro de Bill, epicentro de la historia, con un espléndido Carradine, quien hasta ahora era un personaje anónimo, que no había mostrado su rostro.
Si la voz de Carradine en la primera entrega, daba un toque de misterio y elegancia a la historia. En la segunda, su presencia llena la pantalla por completo, para brindarnos quizás, dos de las mejores escenas de toda la cinta (en la capilla del paso y el monólogo de superman).
Caber mencionar, que en una entrevista, el propio Carradine, confesó que la escena de la capilla, era quizás una de las mejores de la película y que incluso era una de las mejores de su carrera.
De todas formas aquella escena y sus diálogos, son una verdadera joya. La breve composición de Ennio Morricone, se funde con las bellas actuaciones de ese mágico encuentro entre Thurman y Carradine. A eso, sí le sumamos una preciosa fotografía a cargo de Robert Richardson, nos encontramos con aquellos aciertos cinematográficos, que se quedan en la retina. La puedes ver una docena de veces y definitivamente es un cuadro perfecto.
Reconciliación
En resumen, creo que Tarantino quiso darse un gusto con la primera parte, quiso atrapar a todo el público posible, con un cine autocomplaciente. De todas formas, nadie se iba a negar a ver la segunda parte, donde nos encontramos con el sello personal del director de Perros de la calle.
Creo que Quentin se reconcilio con sus fans más radicales y les dio en el gusto, sólo tenían que tener un poco de paciencia. Buena y entretenida película. Salu2!!
Factor Carradine
Sin lugar a dudas, la entrada del desparecido actor David Carradine, le da un cambio radical a la saga, se nota el peso del protagonista de la mítica serie Kung Fu. Por fin conocemos el rostro de Bill, epicentro de la historia, con un espléndido Carradine, quien hasta ahora era un personaje anónimo, que no había mostrado su rostro.
Si la voz de Carradine en la primera entrega, daba un toque de misterio y elegancia a la historia. En la segunda, su presencia llena la pantalla por completo, para brindarnos quizás, dos de las mejores escenas de toda la cinta (en la capilla del paso y el monólogo de superman).
Caber mencionar, que en una entrevista, el propio Carradine, confesó que la escena de la capilla, era quizás una de las mejores de la película y que incluso era una de las mejores de su carrera.
De todas formas aquella escena y sus diálogos, son una verdadera joya. La breve composición de Ennio Morricone, se funde con las bellas actuaciones de ese mágico encuentro entre Thurman y Carradine. A eso, sí le sumamos una preciosa fotografía a cargo de Robert Richardson, nos encontramos con aquellos aciertos cinematográficos, que se quedan en la retina. La puedes ver una docena de veces y definitivamente es un cuadro perfecto.
Reconciliación
En resumen, creo que Tarantino quiso darse un gusto con la primera parte, quiso atrapar a todo el público posible, con un cine autocomplaciente. De todas formas, nadie se iba a negar a ver la segunda parte, donde nos encontramos con el sello personal del director de Perros de la calle.
Creo que Quentin se reconcilio con sus fans más radicales y les dio en el gusto, sólo tenían que tener un poco de paciencia. Buena y entretenida película. Salu2!!
26 de marzo de 2010
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Es increíble como algunas películas te marcan para siempre, seas espectador o él creador de estas obras. Es lo que pasa con el odiado y amado director norteamericano Quentin Tarantino, quien sin querer se dejó la vara muy alta con el clásico Perros de la Calle (1992) y la aplaudida Pulp Fiction (1994), filmes con los cuales se hizo famoso en todo el mundo por lo original de sus guiones. Pasaron muchos años para que pudiéramos decir, tenemos a Tarantino de vuelta. Si bien Jackie Brown (1997) y las dos entregas de Kill Bill fueron un buen intento, las cintas no fueron capaces de superar lo antes hecho, y quedaron como un signo que a Tarantino, ya lo habíamos perdido y por ende sería difícil disfrutar una vez más de algunas de sus joyitas.
Afortunadamente como en la vida, el cine también te da nuevas oportunidades para quienes tienen la habilidad artística de reinventarse y la voluntad para comenzar de nuevo. Lo que pasa con Bastardos sin Gloria, es que es simplemente un milagro de la cinematografía, sobre todo para aquellos que somos seguidores del trabajo de Quentin.
Bastardos sin gloria comienza con los clásicos capítulos Tarantianos, como sin se tratara de pequeños cortos, enlazados, por su puesto, en una sola historia central. Es así como nos encontramos en primera instancia con Había una vez en la Francia ocupada por los alemanes, con unos bellos planos generales de la granja del campesino francés, sacados perfectamente de algún cuadro paisajista de la época.
La intensidad de la primera secuencia, es un recurso que ya conocemos de Tarantino como amante de los mejor del Spaghetti Western, donde los ambientes tensos y el suspenso son invitados de piedra antes de la acción. Se trata de preámbulo de la violencia, tantas veces manejada por el maestro Sergio Leone, (mayor influencia de Tarantino, junto a Kurosawa) no la violencia en sí misma. Como, muestra un botón, el dilatado diálogo que va subiendo de intensidad entre el campesino y el calculador, frío y excéntrico coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz) quien definitivamente se come la pantalla, con un dialogo que te destripa, con una tortura psicología, que haría caer hasta el mas fuerte (merecidísimo oscar a mejor actor de reparto).
Es un inicio magnético el cual te cautiva y te pone a disposición para lo que viene lo cual es entretención pura, con un toque de venganza más elaborada y no tan efectista como en Kill Bill, pero con momentos de extrema violencia, diálogos y secuencias de calculado suspenso.
Afortunadamente como en la vida, el cine también te da nuevas oportunidades para quienes tienen la habilidad artística de reinventarse y la voluntad para comenzar de nuevo. Lo que pasa con Bastardos sin Gloria, es que es simplemente un milagro de la cinematografía, sobre todo para aquellos que somos seguidores del trabajo de Quentin.
Bastardos sin gloria comienza con los clásicos capítulos Tarantianos, como sin se tratara de pequeños cortos, enlazados, por su puesto, en una sola historia central. Es así como nos encontramos en primera instancia con Había una vez en la Francia ocupada por los alemanes, con unos bellos planos generales de la granja del campesino francés, sacados perfectamente de algún cuadro paisajista de la época.
La intensidad de la primera secuencia, es un recurso que ya conocemos de Tarantino como amante de los mejor del Spaghetti Western, donde los ambientes tensos y el suspenso son invitados de piedra antes de la acción. Se trata de preámbulo de la violencia, tantas veces manejada por el maestro Sergio Leone, (mayor influencia de Tarantino, junto a Kurosawa) no la violencia en sí misma. Como, muestra un botón, el dilatado diálogo que va subiendo de intensidad entre el campesino y el calculador, frío y excéntrico coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz) quien definitivamente se come la pantalla, con un dialogo que te destripa, con una tortura psicología, que haría caer hasta el mas fuerte (merecidísimo oscar a mejor actor de reparto).
Es un inicio magnético el cual te cautiva y te pone a disposición para lo que viene lo cual es entretención pura, con un toque de venganza más elaborada y no tan efectista como en Kill Bill, pero con momentos de extrema violencia, diálogos y secuencias de calculado suspenso.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
La Biblia de Clarence
15 de diciembre de 2006
11 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
Emotiva, hermosa fotografía y banda sonora, te transporta aquel paraíso perdido. Interpretaciones impecables. Robert De Niro, es el único actor capaz de emocionarme, hasta las lágrimas, ojo con aquella escena, es un mensaje espiritual para todos. Jeremy Irons, sin palabras, en un papel inolvidable. La calidad de este actor, no tiene limites. También con escenas con mucha carga de emotividad. Voy a ver más películas de Roland Joffé, ya que “La Misión”, no quiero rallarla, tantas veces que la he visto, no dejen de verla, les hará bien para el espíritu.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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22 de noviembre de 2009
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
De “La última tentación de Cristo” (1988) y “La pasión de Cristo” se han escrito ríos de tinta. Sin embargo, la cinta de Mel Gibson supero todas las expectativas, en cuanto a la discusión de su tenebroso mensaje y lo violento de sus imágenes.
Muchos tacharon la tercera obra de Gibson de “antisemita”, “antiromana”, de película GORE, pornografía violenta y cinta de terror en tercera dimensión. Algunos la llamaron inmerecidamente “El linchamiento de Cristo”, “Las alucinaciones de un sádico”, entre otros creativos títulos. Incluso algunos católicos más acérrimos la tildaron de blasfemia, ante todos estos epítetos sólo puedo decir que me encuentro ante un análisis extremadamente modesto y superficial. Todos tienen derecho a realizar sus comentarios, incluso tienen derecho a construir sus seudos criticas. Sin embargo, lo que nadie tiene derecho bajo ningún punto de vista es a juzgar la obra de un artista.
Acá no se trata de defender al señor Gibson, ni mucho menos su película. Tampoco considero una hazaña que se haya atrevido a filmar las ultimas 12 horas del personaje más significativo de la historia, y de la forma que lo hizo, sino por sobre todo que se respete la libertad del artista, y no tener que convertirse en un director hipócrita para complacer a grupos de poder y al público en general.
Muchos tacharon la tercera obra de Gibson de “antisemita”, “antiromana”, de película GORE, pornografía violenta y cinta de terror en tercera dimensión. Algunos la llamaron inmerecidamente “El linchamiento de Cristo”, “Las alucinaciones de un sádico”, entre otros creativos títulos. Incluso algunos católicos más acérrimos la tildaron de blasfemia, ante todos estos epítetos sólo puedo decir que me encuentro ante un análisis extremadamente modesto y superficial. Todos tienen derecho a realizar sus comentarios, incluso tienen derecho a construir sus seudos criticas. Sin embargo, lo que nadie tiene derecho bajo ningún punto de vista es a juzgar la obra de un artista.
Acá no se trata de defender al señor Gibson, ni mucho menos su película. Tampoco considero una hazaña que se haya atrevido a filmar las ultimas 12 horas del personaje más significativo de la historia, y de la forma que lo hizo, sino por sobre todo que se respete la libertad del artista, y no tener que convertirse en un director hipócrita para complacer a grupos de poder y al público en general.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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13 de diciembre de 2006
5 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Las aventuras y vivencias de niños de 11 años. El despertar sexual, la amistad por sobre las diferencias sociales. Un niño y sus sentimientos encontrados, un país polarizado y que se esta cayendo a pedazos. Es la visión que experimenta, “Gonzalo”, “el cara de frutilla”. (natural acierto fílmico, aunque hubiese preferido a Trejo con bigotes de la época y con un poco más de pelo) En todo caso Gonzalo, no tuvo la culpa de haber nacido “pituco”. Es él voyerista y único observador de los hechos, aunque tampoco queda claro si es el protagonista.
Los acontecimientos, se pudieron haber dado en cualquier contexto histórico de esa envergadura y hubieran funcionado de igual forma, las teclas hubieran sonado igual. Sin embargo, la historia mantiene mi atención, lo cual no ocurría, hace algunos años, con películas nacionales. Experiencias similares, fueron “Julio comienza...” “Coronación”, “Taxi para tres” y para de contar. En todo caso, insisto, este filme, en vez de “Machuca”, debió haberse llamado “Gonzalo”. “Peter”, es sólo un elemento mas de la trama. Filme bien logrado!!
Además Wood está en la senda correcta y cerca de su obra que podría cambiar su carrera. Y lo que es mejor, dar una nueva dirección, al cine chileno, el cual había perdido la brújula.
Los acontecimientos, se pudieron haber dado en cualquier contexto histórico de esa envergadura y hubieran funcionado de igual forma, las teclas hubieran sonado igual. Sin embargo, la historia mantiene mi atención, lo cual no ocurría, hace algunos años, con películas nacionales. Experiencias similares, fueron “Julio comienza...” “Coronación”, “Taxi para tres” y para de contar. En todo caso, insisto, este filme, en vez de “Machuca”, debió haberse llamado “Gonzalo”. “Peter”, es sólo un elemento mas de la trama. Filme bien logrado!!
Además Wood está en la senda correcta y cerca de su obra que podría cambiar su carrera. Y lo que es mejor, dar una nueva dirección, al cine chileno, el cual había perdido la brújula.
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