Le Fils de Joseph

Eugène Green estrena Le fils de Joseph, su última obra y la primera que es estrenada en España. En 1960, Eugène Green, emigró desde Nueva York a Francia fundando en 1970 la compañía «Le théâtre de la Sapience», con la que busca revivir en el teatro la tradición barroca, haciendo uso de música y danzas propias de esta etapa y con una puesta en escena donde los actores se posicionan frente a frente. En el año 2001, dio su paso al cine con Toutes les nuits, obra que llamó la atención de Jean-Luc Godard que en 2004, la destacó en una entrevista entre las películas más interesantes de los últimos años. En su obra cinematográfica se manifiestan algunas características, que podrían tener cierta relación con su experiencia en el teatro como: la frontalidad de los planos, las interpretaciones recitadas (la ausencia de realismo interpretativo influencia que recibe de Robert Bresson), la inmovilidad de los actores (inspirado por el cine de Yasujiro Ozu) y las salidas y entradas en plano de los personajes. Aunque Green ha destacado en diferentes ocasiones que sus intenciones en el teatro y en el cine son muy distintas.

Su trayectoria cinematográfica conserva temas y características comunes como: los planos de manos y pies, la figura del burro, la importancia de la palabra y la maduración de los personajes a lo largo del camino. En su segundo largometraje Le monde vivant realizado en el año 2003, Eugène Green traslada al espectador a un cuento infantil donde encontramos caballero, princesas, leones y ogros. Un ogro que ha repudiado a su esposa por someterlo a una dieta vegetariana, pretende casarse con una doncella que tiene como prisionera. Dos caballeros se cruzan en el camino, un encuentro fortuito que marcara el resto de sus vidas (situación recurrente en otras de sus obras como Toutes les nuits y Le fils de Joseph), ambos tendrán que acabar con el malvado ogro y rescatar a la princesa para que esta les conceda su mano. De forma sencilla y humilde, sin necesidad de efectos especiales o grandes decorados, nos conduce por una historia cargada de imaginación y creatividad, recordando a la obra de Éric Rohmer Perceval le Gallois. Una idea queda clara, el cine no necesita de grandes presupuestos sino de creatividad, pequeños detalles que consiguen estimular la imaginación del espectador creando un mundo lleno de fantasía.

Su último largometraje Le fils de Joseph trata la historia de Vicent, un adolescente que no encuentra su lugar, en un mundo donde nadie se preocupa por nadie. Marcado por el hecho de no conocer a su padre. Vicent canaliza la ausencia de una figura paterna en el odio y la desconfianza hacia el exterior. Las continuas referencias bíblicas como el póster de su habitación «El sacrificio de Isaac» de Caravaggio, que influirán al personaje en su intento de llevar a cabo el sacrificio a la inversa, después de buscar a su padre y descubrir sus entresijos. Un momento de luz antes de verter la sangre, le hacen huir topándose por casualidad con una persona que marcará su vida, su tío, del que desconocerá su parentesco hasta el final de la película. La relación entre ambos llena el vacío de su existencia, dándole un sentido. De nuevo en esta obra, Eugène Green, manifiesta el poder de la palabra, que consigue transformar la realidad. El acto de pronunciar las palabras «soy el padre», transforma la realidad convirtiéndolo en el padre. La influencia de la palabra en el mundo material. La aceptación (el acto de creer) crea una realidad para el personaje, más importante que lo material. Una obra que muestra las emociones ocultas, que son reflejadas a través de los rostros y miradas de los personajes, sin necesidad de movimientos que serían obstaculizadores de estas.

Alejandro García
@notodoesusa
http://www.cinemaldito.com/eugene-green-a-examen/

Vincent (Victor Ezenfis) es un adolescente que vive con su madre (Natacha Régnier), no conoce a su padre, ella le oculta toda información al respecto. Un día descubre una carta que le aclara todas sus dudas, Oscar Pormenor (Mathieu Amalric) es su papá, un afamado y desinteresado editor parisino que piensa únicamente en sí mismo, este será el desencadenante de una gran película.

Sexto largometraje de ficción de este particular realizador francés nacido en New York, con guion propio como es su costumbre, divide su argumento en cinco capítulos claramente presentados, todos con algún nombre que haga referencia a algún evento bíblico. Durante su desarrollo, el afamado cuadro “El sacrificio de Isaac” de Caravaggio, toma una importancia enorme en el relato.

Green consigue una construcción sublime de su historia, la forma en cómo logra mezclar estas ideas bíblicas con la ficción que construye es soberbia. El filme es un drama que contiene una gran dosis de humor negro y que bordea lo absurdo, a tal punto que en muchos pasajes recuerde la etapa francesa de Luis Buñuel. Se construye toda una parábola respecto a la paternidad, la ausencia de esta figura para un joven, el amor y la futilidad con que puede llegar a ser tratado, todo esto con una dosis hiriente y sarcástica genial.

Le fils de Joseph es una joya, casi un milagro, de parte de un realizador que sigue una línea de trabajo muy evidente, una marca propia donde los personajes hablan de frente a la cámara, sin importarle que se vea antinatural, y sin temor de mostrarse anticuado, teatralizado o falso. A fin de cuentas es ficción lo que se observa, y con un argumento que genera mucho interés, se consigue un trabajo tan bueno como el presente.

Excelente film francés, que aborda una historia muy dura pero con el prisma la esperanza y utilizando incluso elementos humorísticos de fina y sutil elegancia (algunos secos diálogos, Mathieu Amalric invocando a Satanás para que le proteja contra los que le quieren joder (sic), o el burro mirando al mar en la parte final). Detalles a veces mínimos, pero que logran sacar la sonrisa del espectador.
Muy bien realizada e interpretada y con estupenda fotografía y sonido, amén de una banda sonora que mezcla modernidad con música barroca incluso, logra poco a poco que el espectador, un tanto escéptico al comienzo, se llega a involucrar de lleno en la historia, emocionándole incluso.
Un film muy bonito, inteligente en su desarrollo modélico, con un ritmo tranquilo, que no lento, y con un final precioso.
Una cinta en verdad conmovedora que al principio parece (lo reconozco) será un poco rollete, y que minuto a minuto va ganando en intensidad, emotividad y humanismo hasta llegar a ser un placer para los sentidos.
Recomendable cien por cien.

http://filmsencajatonta.blogspot.com.es

La grandilocuencia no se sirve en frío. Falta de carisma interpretativo, teatralidad exacerbada que daña a un espectador descolocado. Referencias sin sutileza que empalagan al más entendido. Una distorsión de la realidad que empaña la sensibilidad y a veces no transparenta para ver su fondo. La incompatibilidad de gestualidad e intencionalidad interpretativa puede llenar un fotograma, pero si los tempos, la realidad ficcionada y la musicalidad secuencial no forman una unidad nos vemos avocados al fracaso. Pinchazo en la salida de una carrera de fondo que no deja pasar de la primera curva a un director y acompañantes poco frescos y apabullados por las ganas de diferenciación.

Lo primero y de tono anecdótico tuve la suerte de tener un coloquio con Green post película en la que hablo sobre diversos temas que nos asaltaban a muchos despues del visionado.

La primera y es que al contrario que como suele apuntar la critica para Green esto no es una revisión moderna de la natividad, ese toque es un aderezo mas del medio, pero no el fin. El lo definió como un "plus" para el film.
También comentó que los tres cuadros que aparecen los eligió además de por el tema, por ser del barroco, una época en la que estaba presente una ambiguedad sobre el bien y el mal que quería incluir en la pelicula.
Y hablo sobre el importante tempo de las conversación y los cambios de plano. Al tomar importancia la conversación, el tempo es fundamental para complementarla.

El sabe que es Bressiano. el y todos, y se nota en TODAS y cada una de las conversaciones, donde la palabra toma, sin rodeos en su estructura toda la importancia, intentando que el resto del cuerpo no absorba la atención del espectador. A esto sumas que es un director que proviene del teatro y el resultado es obvio, a algunos le puede parecer exagerado, pero creo que limpia el lenguaje y lo hace mas claro.

En mi opinión la rabia esta presente en cada uno de los protagonistas, tomando diferentes formas en cada uno de ellos y creo que como obra introspectiva es un factor importante que añade valor al filme.