Penny Marshall, director de Big o Los Chicos de mi Vida realiza Despertares, una obra para el recuerdo que fue nominada al oscar a mejor película, actor y guión adaptado. Año 190.

¿De qué va?
El tímido doctor Malcom Sayer, trabajando en la vertiente de neurología comienza a investigar en pacientes con problemas, descubriendo que todos aquellos que tuvieron encefalitis letárgica en los años veinte reaccionan de la misma forma. Así prueba con un nuevo producto químico y para ello hace la prueba con Leonard, un paciente que lleva mas de treinta años en estado catatónico.

Actores.
Robin Williams (Sra.Doubtfire, Good Morning Vietnam) es el Doctor Malcom Sayer
Robert De Niro (Uno de los Nuestros, El Cabo del Miedo) es Leonard Lowe
Max Von Sydow (El Exorcista) es el Doctor Peter Ingham
Penelope Ann Miller (The Relic) es Paula
Julie Kavner es Elleanor Costello

Impresiones.
Despertares es una cinta difícil de olvidar, entre otras cosas por las magistrales interpretaciones de ese dúo formado por Robin Williams y Robert De Niro. En éste caso es De Niro quien tiene el trabajo mas complicado al hacer de catatónico e ir respondiendo poco a poco a la medicación, aunque mas bien es su proceso en deterioro el que mas marca.

La cinta está basado en un caso real donde el auténtico doctor, Oliver Sacks (en el film, Malcom Sayer), probó una nueva medicación basada en la Levodopa, un producto químico relacionado con la dopamina y que actuaba favorablemente para los enfermos de parkinson.

La deducción del doctor es que tras haber pasado por un periodo de encefalitis letárgica, los pacientes tuvieron una especie de masificación en su cuerpo de la enfermedad que los acabó dejando casi petrificados, de una pieza, catatónicos. Así pues, tras el intento de separar por medio de la medicina esas afecciones, se consiguió una mejoría que resultó milagrosa.

Así pues, la primera escena en la que Sayer se despierta y encuentra la cama de Leonard vacía y lo halla escribiendo su nombre, sentado en una mesa, es inolvidable, al igual que las primeras palabras y miradas que se cruzan entre ellos. Ponen los vellos de punta.

Hay varias escenas que tocan la fibra sensible, pero lo mas triste para el espectador es ese deterioro sufrido por el personaje principal que tiempo después se vería reflejado en los demás pacientes, obteniendo como resultado que la Levodopa solo causaba una mejora temporal y que finalmente todo volvía a su estatus inicial.

Por ésto, Robert De Niro obtuvo una nominación al Oscar, aunque no consiguió premio porque Jeremy Irons se lo arrebató por El Misterio Von Bülow.

Y podríamos decir que es la típica nominación de un enfermo mental como muchos casos, al estilo Forrest Gump, Rainman y un largo etcétera Sin embargo, De Niro no hace de enfermo mental, sino de persona normal que ha estado sin responder durante treinta años y vuelve a la vida.

Aunque sin duda, es innegable encontrar ciertas semejanzas con respecto a la maravillosa obra de Milos Forman, Alguien Voló sobre el Nido del Cuco, sobretodo en esos paseos al exterior y la locura del retorno a la vida de los demás enfermos. Igualmente, la cinta posterior A Proposito de Henry, interpretada por Harrison Ford, estrenada un año después de ésta, tiene algunas semejanzas.

No obstante, la cinta, se alarga en demasía, se hace un poco pesada por momentos, lo cual no quita que sea una buena historia a tener en cuenta. Para mí, De Niro se merecía el Oscar, aunque finalmente no obtuvo ninguna de sus tres nominaciones y fue Bailando Con Lobos la vencedora en la ocasión, y muy merecidamente. (como curiosidad, De Niro tenía ese año dos películas que interpretaba a Oscar, ésta y Uno de los Nuestros)

Finalmente, hay que destacar el valor de la historia en sí. Comprobar que a diferencia de como decía el personaje de Max Von Sydow, ellos sí sienten aunque no lo expresen. Hay que mostrarles todo el sentimiento, acompañarlos, visitarlos, amarlos. Aunque no se muevan, son personas y sienten.

Soundtrack.
Randy Newman realiza un bellísimo soundtrack, inolvidable y de obra maestra. Con el uso de orquesta y haciendo al piano como principal estandarte en las melodías principales, el autor logra un magnífico trabajo que conjuga a la perfección las imágenes y sobretodo con la evolución y finalmente deterioro del protagonista, Leonard.

Lo Mejor: Sus magníficas interpretaciones. La escena en la que Leonard habla por primera vez a Seyer Su historia y su mensaje final.

Lo Peor: Se hace larga en algunos momentos.

Califiación : 7/10

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Steven Spielberg prueba suerte en los Oscars con Lincoln, la cinta mas nominada del 2012, con nada menos que doce candidaturas. Es Daniel Day-Lewis quien encarna al presidente de los Estados Unidos y sin duda será recordado no solo por su caracterización, sino por humanizar a un presidente que parece real, palpable para todos. Año 2012.

¿De que va?
En plena guerra civil, el presidente Lincoln trata de hacer lo posible porque se apruebe la XIII enmienda que liberará a los esclavos del yugo. El problema reside en el Sur, que puede optar por no acatarla si se aprueba antes de que acabe la guerra. Si es al contrario, seguirán muriendo, por lo que se pone a prueba en todo momento la vulnerabilidad del presidente y su sentir.

Actores.
Daniel Day-Lewis es Abraham Lincoln.
Sally Field es Mary Todd Lincoln
Joseph Gordon-Levitt es Robert Lincoln
Tommy Lee Jones es Thaddeus Stevens
James Spader es Bilbo
John Hawkes es Robert Latham
Tim Blake Nelson es Richard Schell
Jared Harris es Ulysses S. Grant
Jackie Earle Haley es Alexander Stephens.

Impresiones.
Lincoln es una cinta histórica de la mano de un grande como es Steven Spielberg. En ella repasamos la vida del presidente, pero solo en los momentos claves donde decretó la XIII enmienda y su cuestión moral para extinguir esa ley de esclavitud.
He ahí el primer error, el título del film. Aunque no es importante, pero hay que aclarar que la cinta no es sobre la vida de Lincoln, sino sobre ese hecho que a fin de cuentas fue histórico y probablemente sea lo mas importante en la vida del mítico presidente americano.

Por otra parte, hay que mencionar, también en contra, la manía que tiene Spielberg de recargar las películas históricas, no solo por duración, sino de hechos que finalmente tienden a rebajarla. Ya le pasó el año pasado con la fallida War Horse.
En ésta ocasión, al contar el suceso de la XIII enmienda, el film podría haber terminado con el regocijo de todos y con el rostro del presidente, incluso dando el discurso que muestra al final de la misma. Pero no, Spielberg tiene que mostrar lo que todos ya sabemos, el asesinato (aunque ni siquiera se ve). En ese momento me dije, Steven, ya has roto una película que aunque se hacía un poco pesada, iba bien.

No es una maravilla de película, ni es la mejor del director, pero se deja ver. Tiene momentos cumbres y su ambientación, como no suele ser menos, es brillante. Pero sin duda, lo mejor es la caracterización de Day-Lewis como Lincoln. Y no solo su parecido físico, también su actuación, por la que ha sido nominado al oscar y muy merecido. El actor se ha esforzado por crearnos a un Lincoln tan humano, que sin saber como hablaba realmente ni como trataba a los demás ha conseguido que lo viésemos real. El tono de su voz, su acento y entonación, son tan peculiares, que me lo he creído totalmente. Y es que Day-Lewis todo lo que hace, lo borda. No hay duda.

Junto a el, otras buenas actuaciones como la de Tommy Lee Jones, que está nominado también, y secundarios de lujo, donde destaco a ese trío que se esfuerza por conseguir los veinte votos que le faltan al presidente para obtener el sí de la enmienda, interpretados por un cambiado James Spader, John Hawkes y Tim Blake Nelson, aunque éste último no sabemos muy bien para que sale realmente.En cambio,a Sally Field se la ve demasiado artificial y teatral, probablemente se haya equivocado de película. Y Joseph Gordon-Levitt, que llevamos tiempo poniéndolo de punta en blanco, en ésta ocasión no hay mucho que destacar pues tiene un papel minúsculo como hijo rebelde del presidente. Eso sí, el bigote no le pega para nada.

Música.
John Williams realiza un score pasable, con un tema a piano bonito, pero no es para su nominación al Oscar en ningún momento. En esta ocasión, tampoco resalta en demasía.

Lo Mejor: Daniel Day-Lewis, caracterizado como Lincoln y actuando como tal. El monólogo del cuadro de George Washington

Lo Peor: Es muy recargada. La innecesaria escena del final de Licoln. No es una película de su vida sino de un hecho en cuestión. Sobrevalorada, sobretodo siendo la mas nominada en los oscars 2012 con 12 candidaturas.

Calificación: 6/10

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Ang Lee (Brokeback Mountain), director que cada vez que hace una película se hace notar, dirige La Vida de Pi, una cinta que estuvo en mente hacerla años antes, pero en vista de su dificultad a la hora de filmar se omitió hasta el día de hoy que podemos disfrutar de una de las cintas mas hermosas del 2012 y probablemente, una de las mejores del año.

¿De que va?
Pi narra a un periodista su vida e historia, que según el, le hará creer en Dios. En su transcurso, vivirá una experiencia sobrecogedora cuando su barco sufra un naufragio y logre salvar la vida en un bote. Sin embargo, no estará solo pues descubrirá que su viaje lo compartirá con un tigre de bengala.

Actores.
El personaje principal de Pi Patel es interpretado por cinco personas ya que hay varias etapas de su vida reflejadas en la cinta, sin embargo las importantes son la de Irrfan Khan, el adulto, y Suraj Sharma, el joven que vive la experiencia en el mar. Ambos, brillantes. Uno con una carga emocional al contar la historia y el otro al sufrirla.

De los demas actores destacaremos el cameo de Gérard Depardieu como cocinero del barco y mas cameo aún de apenas segundos, el del propio director, Ang Lee, que sale justo cuando va a recibir comida del cocinero.

Impresiones.
La Vida de Pi nos presenta un relato lleno de misticismo, espiritualidad y aventura. Es una cinta, que aunque su libro, por lo que dicen, es bastante simple y casi actúa de cuento, es en la película donde vemos todo un despliegue de artificio visual que afianza a Ang Lee como prodigio, pero no solo por el espectáculo, sino también por el contenido.

Aunque pueda parecer simple de argumento, e incluso a veces monótona (a mi no me lo pareció), es en sus últimos cinco minutos cuando encontramos un mensaje y un ejercicio profundo sobre la verdad de la historia y la propia vida.


A continuación, la crítica contendrá algunos spoilers con relación al final de la historia:

Peter Ramsey, director de el cortometraje Monstruos contra Alienígenas: Las Calabazas Mutantes del Espacio Exterior, realiza Rise of the Guardians, una cinta no hace mas que confirmar que 2012 ha sido un año intenso en relación a la animación.

¿De qué va?
Sombra ha regresado para sembrar de terror los dulces sueños de los niños. La luna reclama a los Guardianes para combatirlo pero para ello deberán reclutar a uno mas, a Jack Escarcha, uno que no es precisamente muy recordado por los mas pequeños.

Impresiones.
Con voces de la talla de Hugh Jackman, Chris Pine, Alec Baldwin, Jude Law e Isla Fisher, El Origen de los Guardianes cuenta con una de las historias mas creativas en cuanto a animación del año 2012. La cinta que ha obtenido numerosas nominaciones entre Globos de Oro, Satellite Awards y Premios Annie no logró estar entre las nominadas al Oscar, pero sí que hay que destacar que ha estado a un muy buen nivel en cuanto al apartado técnico.

El comienzo de la película resulta enigmático, frío y complejo al ver hermosas escenas como cuando Jack Escarcha sale del agua rompiendo el hielo y comprobamos que es un ser transformado como alma en pena. Tras ésto, lo que podría parecer una historia triste, se refuerza con la suma de diversos personajes protagonistas que mezclan todas la creencias americanas en relación a la navidad u otros eventos como el hada de los dientes. Así junto a ella tenemos a Norte (Papá Noel), Bunny (El Conejo de Pascua) y a Sombra (El Coco). El protagonista, Jack Escarcha no nos resulta nuevo si conocemos obras anteriores para el cine como Jack Frost de Troy Miller donde Michael Keaton interpretaba a un cantante que al morir, se reencarnó en muñeco de nieve. Así de forma similar y dándole un toque aventurero tenemos El Origen de los Guardianes, una divertida cinta muy bien hecha.

Hay algunos referentes a destacar en cuanto a los diseños del reino de Norte, que cuenta con una estética que para los jugones, les recordará al mundo de los enanos en Warcraft, Ironforge o conocido en España como Forjaz. Un misticismo que guarda una armonía que se desenvuelve muy bien al viajar a los reinos de cada uno de los protagonistas. A esa ciudad colgante del hada de los dientes o al verdoso y florido lugar del conejo de Pascua, rodeado de huevos andantes.

De aplauso es sobretodo el haber recreado una historia que se remonta al misticismo infantil con esas leyendas sobre el coco y esa mezcla de personajes. Sin embargo se nos queda un poco largo para aquellos que somos del otro charco ya que aquí no se celebra (al menos no con tanto nervio aunque mas tarde o mas temprano llegaremos a ello) el festejo del conejo de pascua o incluso lo relacionado con el hada de los dientes, donde a modo aclaratorio, en el film aparece el ratóncito Pérez intentando llevarse un diente antes que ella y de forma irónica ella comenta que es la zona Europea.

Por eso la cinta pierde un poco el interés a nivel de historia porque a pesar de su creatividad y su intento de seriedad, se convierte en una de las cintas mas infantiles del año, simplemente por su historia. Así, a pesar de su alto nivel técnico no llega a estar a la altura de otras como Rompe Ralph, Brave o Frankenweenie.

Soundtrack.
Alexandre Desplat realiza una buena composición como nos tiene acostumbrado. Sin embargo, a diferencia de los filmes actuales de animación, éste cuenta con un tema vocal que nos recuerda al típico usado en las cintas ochenteras en las que firmaba Don Bluth y Gary Goldman. Un tema en éste caso, interpretado por Renee Fleming y que es de una belleza inmensa y que como digo, choca con los temas que nos ofrecen las películas animadas de ahora.


Lo Mejor: Su creatividad y diseño. La composición de Desplat

Lo Peor: Su historia con intentos de ser seria.

Calificación: 6.5/10

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Joe Wright, director de Expiación y Orgullo y Prejuicio vuelve a contar con Keira Knightley para una nueva versión de Anna Karenina de León Tolstói y que fue nominada a cuatro Oscars, consiguiendo el de mejor vestuario. Año 2012.

¿De qué va?
Anna Karenina es una mujer de la alta sociedad casada con un político. A pesar de tener un hijo, se enamora de un joven oficial llamado Vronsky y su vida se tuerce al ser señalada por todos por no tener el divorcio y vivir de esa manera.

Actores.
Keira Knightley (Expiación) es Anna Karenina
Jude Law (Inteligencia Artificial) es Karenin
Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass) es Vronsky
Domhnall Gleeson (Valor de Ley) es Levin
Matthew Macfadyen (Los tres Mosqueteros) es Oblonsky
Emily Watson (War Horse) es Lydia Ivanova

Impresiones.
Cerca de diez versiones de la obra de León Tolstói, ésta es sin lugar a dudas la mas extrema y selecta al mismo tiempo al ofrecer una visión de la novela mas teatral.

Pero ese punto no se debe a que los actores sobreactuen como si estuviesen en una obra de teatro, mas bien, es que la cinta es rodada en un teatro que hace la función de la ciudad, la estación de tren, y las cercanías de Rusia. Cada casa, cada calle, es todo un teatro salvo algunos momentos campo abierto donde el personaje de Domhnall Gleeson regresa a su casa, cabizbajo.

Probablemente, éste sea el punto mas peculiar ya que como hemos dicho, versiones hay muchas, y de las últimas, la mas notoria probablemente sea la interpretada por Sophie Marceau y Sean Bean, del año 97, aunque sin duda, la mas importante de todas es la del año 67, de procedencia Rusa, como debe ser.

La cinta de dos horas de duración recoge con brevedad esas novecientas páginas de la obra, basando los puntos mas fuertes sobre la relación entre Anna y Vronsky y su vez la vivida por Levin y Kitty que siendo opuestas, transmiten al final un mensaje importante.

Mientras que en una, la de Anna, vemos una vida de tristeza en la que solo vive por momentos con la infidelidad entre bandas y finalmente siendo señalada por todos, acaba así viviendo amargada, hasta tal extremo de acabar de la misma forma que el hombre con el que se cruza al salir del tren, al principio de la historia.

El contrapunto lo pone Levin, un hombre humilde, enamorado de una chica que vive por encima de sus posibilidades pero que finalmente, se da cuenta de que la chiquilla no busca vivir por encima de sus posibilidades y se siente bien al llegar a la casa de él e incluso hace lo posible por cuidar a su hermano, porque sobretodo, lo quiere.

Dos historias que Tolstói quiso aunar para formar y dar a entender que no todo es la pasión del momento.
Anna era una mujer que si tuviésemos que definirla en términos profanos, la llamaríamos y tildaríamos de libertina (por no ser muy muy profano) y a su marido de cornudo integral.

Me encanta por otra parte el papel de Jude Law aunque ese peluquín trasero rompe con el pelo y las entradas originales suyas. Interpreta a un hombre que a pesar de ser puesto en evidencia por su mujer, decide no darle la nulidad matrimonial, probablemente para hacerle la vida mas dura y que así sienta la vergüenza al ser repudiada por su entorno. Sus escenas cuando se confiesa con Vronsky son geniales.

Igualmente, el joven actor de Kick-Ass, Aaron Taylor-Johnson, aunque su bigote rechina, realiza una muy buena interpretación, mejor de la que pensaba.

Así pues, tanto el como Keira Knightley que está brillante tienen en su haber algunas de las escenas mas hermosas del cine como el primer baile que realizan juntos mientras todos los demás a su alrededor se quedan congelados hasta llegar a quedarse solos. Esa escena es preciosa.

Igualmente, os he de confesar que esos cambios de paneles en el teatro de forma continua, me estaba hastiando un poco al principio, sin embargo, el film está tan bien desarrollado que se vuelve interesante por momentos, sobretodo por las magistrales actuaciones. Sí, con otros actores, a lo mejor no habría funcionado el invento.

No obstante, la cinta no ha recibido críticas tan positivas como parece, probablemente por el experimento realizado en ésta ocasión por Wright, al fundir teatro y cine. Y no, no es como decían, una cinta shakespiriana al estilo de Kenneth Branagh, pero el resultado es mejor de lo que me esperaba.

Soundtrack.
Dario Marianelli quien ha trabado en las cintas mas clásicas de Joe Wright recrea con su música la Rusia de aquellos tiempos y realiza una obra fantástica la cual fue nominada al Oscar. Así pues podemos apreciar momentos brillantes como el cambio magistral que hace la cámara mientras rodea el teatro para salir de un sitio de trabajo a un restaurante mientras a su paso se cuelan personas tocando el trombón o el acordeón.

Lo Mejor: El montaje, vestuario, actuaciones. Escenas como la del primer baile entre Anna y Vronsky y otros juegos de cámara y teatro. Su arriesgada apuesta

Lo Peor: Que no será una cinta para todos los gustos a pesar de ser una obra clásica.

Calificación: 7/10

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