Usando videos familiares, María Silvia Esteve cuestiona la construcción de la feminidad en una familia de clase alta en Argentina y pone en evidencia la forma en que el modelo de linaje y transmisión vertical inherente al concepto de familia hereda a las nuevas generaciones maneras de actuar, reaccionar y vivir, en este caso con una división marcada entre hombres y mujeres en el sistema sexo/género. “Silvia” retrata la historia de su madre desde los testimonios de sus hijas, incluyendo a la directora, y su esposo.

La estabilización y el trabajo constante que requiere mantener la fachada del “hogar” deviene en situaciones de estrés mental y emocional que a su vez son patologizadas, tratadas y empeoradas en una espiral sin aparente salida, de la cual la directora quiere escapar. Las actitudes que en el papá de la directora son inherentes a la masculinidad, en su mamá derivan en un tratamiento psiquiátrico. La historia de la histeria femenina.

La película muestra también cómo los eventos políticos e históricos, más allá de la academia o de los periódicos, tienen efectos en los cuerpos, la intimidad y la privacidad de las personas; en este caso, ejemplificado con el caso del primer novio de Silvia, militante de izquierda.

Hay una preocupación permanente en “Silvia” por controvertir aquello que es representado en la imagen audiovisual y aquello que queda oculto. Las imágenes muestran una familia armónica y sonriente que la directora interroga desde la imagen—quedándose en minúsculos gestos que desestabilizan la armonía—y desde la narración. Cada vez que se oprime el botón de grabar se está decidiendo qué merece ser conservado y qué merece ser olvidado. Las mujeres en “Silvia” le piden a la cámara alejarse en repetidas ocasiones, temiendo que la mirada se ponga sobre sus cuerpos en proceso de envejecimiento.

Si se asume que lo que se graba es lo aceptable, lo bueno, lo preferible, las representaciones audiovisuales terminan convirtiéndose en una guía de vida, unas educadoras emocionales de cómo comportarse, una forma social adicional de heredar esas maneras de habitar el mundo, aparte de la transmisión cara-a-cara. En el caso de “Silvia”, la figura de Scarlett en “Gone with the Wind” se convierte en el referente por excelencia de lo que es una mujer.

Las voces en la narración de la película no solo desenhebran una historia de violencia psicológica y física sino que reflejan la multiplicidad de lecturas del pasado y la constante disputa que emerge por narrarlo, una disputa tan viva en el seno de una familia como en la discusión pública de un país. Esta multiplicidad se refleja visualmente por imágenes superpuestas, como si se generaran distintas realidades alternas simultáneas por cada persona que habla.

El ejercicio de la directora y el escapismo de su madre en acciones aparentemente inocentes como soñar con vivir en casas ajenas (este episodio recuerda la inestabilidad del cuento “Nada de todo esto” de Samanta Schweblin”) muestran que aún en medio de la opresión hay una voluntad dispuesta a romper con todo.

Una forma de cartografía visual del terror y de lo mundano del mismo, recorriendo Argentina para encontrar las fábricas, algunas abandonadas pero muchas activas, cuyos dueños fueron responsables, y no cómplices, en la dictadura. Grabado con imágenes herméticas, usando una cámara oculta, casi temerosa, que graba las fábricas desde lejos, mostrando el aparato de vigilancia que se mantiene hasta hoy en día y que recuerda la impunidad que esta película, y el documento en el que se basa, buscan deshacer.

Se debería ver junto con "Las cruces" (Teresa Arredondo, Carlos Vásquez Méndez, 2018). Tienen planteamientos similares y un abordaje estético muy parecido, enfocándose en los vestigios contemporáneos observables en el paisaje de la acción demoledora de las dictaduras del Cono Sur, en los documentos legales, y en la presencia fantasmagórica de las víctimas.

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“¿El mal existe?”. Hernán Blanco, un desprevenido presidente de Argentina, que lleva apenas un par de meses en el cargo y del que poco se sabe, es tomado por sorpresa por esta pregunta, durante una entrevista privada con una periodista experimentada. Su respuesta, por primera vez, no es calculada ni diplomática. Existe, y no se llega a presidente sin haber visto el mal–y no solo en los otros. Es quizás el primer momento en “La cordillera” en donde se revela algo real en el personaje de Blanco, quien ha sido descrito por periodistas como poco más que un idiota útil.

Desde el inicio de “La cordillera”, el presidente de Argentina es presentado como un enigma. Vemos a sus colaboradores hablando de él pero él permanece oculto, en medio de su primer reto internacional como presidente, una cumbre de países latinoamericanos donde se definiría el futuro petrolero de la región. Verlo, encarnado en Ricardo Darín, no cambiará mucho el asunto. Su carácter tenue nos genera la misma duda que acecha al país que lo eligió: ¿es realmente un “hombre del pueblo”, un trabajador nato que casi por azar llegó a lo más alto, o está esperando el momento preciso para sacar las garras?

La película de Santiago Mitre, conocido por “El estudiante” y la excelente “Paulina” (La Patota) de 2015, se desenvuelve como un estilizado y atrapante thriller político enfocado en el personaje de Blanco hasta que la hija del presidente se sienta frente a un psiquiatra, y una extraña y larga secuencia de hipnosis le da a la película un giro inesperado.

Estas dos mitades de la película, que por momentos parecen irreconciliables, están tejidas por el enigma del personaje principal. Blanco se convierte en la clave para las negociaciones en la cumbre, y en la clave para entender la crisis de su hija. Y mientras unos y otros–periodistas, presidentes, cancilleres y psiquiatras–intentan desentrañar el misterio del presidente, nosotros lo iremos descubriendo poco a poco.

Lo que parece interesar a Mitre es desconstruir un personaje que se presenta como el epítome de la “figura pública” en el mundo contemporáneo. Una figura donde cada gesto, cada palabra y cada imagen está sumamente cuidada, en la era donde un tweet o una fotografía puede derrumbar, a veces justamente, una carrera. Una figura para la que no existe el bien o el mal, sino lo que se ve bien, o mal.

La fotografía de Javier Julia acentúa el enfriamiento en las relaciones del protagonista hasta el punto de congelamiento, con unos tonos azules y blancos que se endurecen a medida que aumenta la tensión, especialmente entre padre e hija. Y cuando Blanco se ve enredado en una maraña de intereses políticos y económicos, la cámara lo sigue por los sinuosos caminos que suben y bajan de la cordillera de los Andes. Y Alberto Iglesias demuestra, una vez más, que merece su lugar en el podio de los grandes compositores para cine. La inteligente dirección de Mitre es evidente también en el manejo de los actores, una suerte de all-stars del cine reciente latinoamericano que, a pesar de ser numerosos, logran brillar en sus propios momentos: a Ricardo Darín lo acompañan Érica Rivas (Relatos Salvajes), Paulina García (Gloria), Daniel Giménez Cacho (La mala educación), Dolores Fonzi (Paulina), Alfredo Castro (Desde allá), Elena Anaya (La piel que habito) y una participación breve pero precisa de Christian Slater.

“La cordillera” es, en su base, un estudio psicológico del poder, disfrazado de intriga política y de thriller psicológico. Y aunque por momentos el disfraz sea más llamativo de lo que le conviene, Mitre demuestra que tiene el control sobre cada aspecto de su película.

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Un experimento único en su especie. Lucas Maldonado, hijo de la directora Camila Loboguerrero, convoca a distintas personas de su vida para hablar sobre su larga relación con el alcohol, cinco años después de haber logrado estar sobrio durante un año. Con un humor de auto-desprecio y acompañado de unas simples ilustraciones, “Yo, Lucas” demuestra un cineasta que no teme exponerse por completo al público, y destila verdad en cada palabra. Pequeña pero atrapante y, como dirían en EEUU, “dolorosamente graciosa”.

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Desde la primera escena, una serie de entrevistas a mujeres para un trabajo como empleada doméstica, “Los decentes” atrapa. El director Lukas Valenta Rinner anuncia que su estilo será ruidoso, grandioso, colorido. Una de estas mujeres es lanzada en medio de un conjunto residencial, entre una madre y su hijo, y se verá cada vez más atraída por un complejo vecino, un utópico lugar de nudismo y hedonismo. La tensión se acrecenta de situación en situación en la casa, con la mujer siendo privada de su libertad mientras, en sus ratos libres, se ve acogida con brazos abiertos en la excéntrica comunidad.

Aunque la historia de “Los decentes” es sin duda interesante, a medida que avanza empieza a agotarse en recursos que se repiten, aunque se agradece el humor con que maneja algunas situaciones que, filmadas con más compostura, serían solamente absurdas. La controversia en “Los decentes” llegó, y llegará para quien la vea, con el final. Para algunos, será un final merecido en que las tensiones confluyen en un estallido inevitable. Para otros, el final habrá llevado lo absurdo un paso más allá de lo que la historia lo permitía. Uno mi voz al segundo grupo.