Al ver las primeras imágenes de Serbis, me vino a la mente otra película muy próxima geográficamente aunque no tanto en lo conceptual. Estoy hablando de Good Bye, Dragon Inn de Tsai Ming-liang. En ambos casos, un cine grande, laberíntico, sucio y triste se convierte en el protagonista principal. Ambos establecen en él sus microcosmos, pero mientras Tsai lo hace desde el minimalismo más radical (dilatando los planos, explotando el silencio, el fuera de campo y la ausencia de luz), Mendoza opta por algo más activo, verbal y narrativo –no por ello menos digno-. Mendoza parece querer crear un lugar lleno de miseria y falta de oportunidades donde la prostitución y el sexo, parecen las únicas formas de evasión, y cuyo hedor a semen llega hasta el espectador. Para deshilachar el film y llegar hasta el verdadero mensaje que quiere transmitirnos, deberíamos fijarnos en las siguientes cinco momentos…

Atrevido planteamiento, tanto formal como conceptual, sobre el “nacimiento” (como sugiere el título) de la sexualidad en la adolescencia.
La película consigue transmitir la fragilidad y la inocencia de la adolescencia, momento en el que irrumpe la sexualidad y todo lo que lleva consigo: inseguridades, inquietudes, complejos y frustraciones. ¿Como lo consigue? Mediante dos aciertos. En primer lugar, la naturalidad de las interpretaciones -soberbias las tres pero especialmente Marie, rostro que personifica la inocencia-. En segundo lugar, la apuesta de Céline Sciamma por un cine contemplativo (donde los planos fijos y el uso sugerente del silencio y la música prevalecen sobre el aspecto verbal) que ensalza la fotogenicidad y frescura de las jóvenes actrices.
El film empieza magníficamente con la actuación del equipo de natación sincronizada - preciosas las imágenes posteriores desde el interior de la piscina- y con la presentación de los tres personajes. Marie es el eje en torno al que gira todo el film. Sus relaciones con Anne y Floriane establecen un triángulo en el que cada una siente necesidades distintas aunque todas ellas sobre la sexualidad, pues quieren crecer demasiado rápido pero a la vez tienen un terrible miedo a hacerlo.

Cuando uno lee el argumento de la película sin conocer el director, se imagina algo convencional, lineal, sencillo, donde todo se entiende. Esto sería posible si no fuera porque su director es Apichatpong Weerasethakul, alguien cuya radicalidad y vanguardia fílmica, le han convertido en uno de los directores más arriesgados del panorama actual.
El autor de este fascinante film, construye, a partir de sus recuerdos de la infancia, una historia con dos partes simétricas casi idénticas. En ellas, se cuenta como se conocieron sus padres, mientras, contrapone lo antiguo (la religión budista y los monjes) con lo moderno (estatuas de ministros o monarcas, la planta industrial, el sótano para militares en el hospital), y lo rural (esos paisajes selváticos vírgenes, el vendedor de orquídeas) con lo urbano (los edificios de la ciudad). Todo ello impregnado de humor (el sueño del monje, el protagonista que representa el futuro padre), poesía, abstracción y misticismo. La poesía que emana de la película no es explícita, uniforme ni satura las imágenes, sino sutil e intermitente, apareciendo en ciertos detalles. Respecto al misticismo, probablemente el aspecto más atractivo de la obra, se podría decir que la envuelve como un halo invisible que se intuye y se deja ver en determinadas escenas: los planos fijos o en secuencia mostrando los paisajes, las estatuas, el eclipse y la aspiración del humo contaminante (uno de los momentos más sugerentes y metafóricos).
En definitiva, un film interesante y sugerente para los acostumbrados a este cine y aburrida y vacía para el resto.

Una de las características más importantes del cine moderno europeo es la búsqueda formal, la forma por encima del contenido. Bresson construye una "trama" minimalista sobre la introspección, el miedo a la muerte y la esperanza en uno mismo, a partir de la reiteración de rituales cotidianos muy sistematizados.
La existencia de Fontaine en el penitenciario se limita a un sinfín de acciones que se repiten día tras día, bien marcadas por la música que las termina por identificar. Hay una clara evolución del personaje desde el colapso inicial por el miedo a morir, a la esperanza basada en la confianza en su intelecto, perfeccionismo, meticulosidad y paciencia.
Para los no acostumbrados a ritmos lentos, pausados y contemplativos, la primera parte de la película (la mayor parte de ésta) puede parecer infumable (no lo es). No desistan. Dicho ritmo consigue desarrollar la psíque del pesonaje y lo más importante, hacernos empatizar con él. Este proceso permite ponernos en la "piel del personaje" en el clímax final y experimentar la tensión que emana de la voz en off del protagonista en medio de la oscuridad silenciosa de la noche, solo interrumpida por el silbido del tren y las pisadas del centinela. En ese preciso momento tenemos la sensación de estar jugandonos la vida. Se trata por tanto, de uno de esos finales que deja a uno abrumado por la experiencia vivida.

Después de ver El topo, la única certeza que le queda a uno, es la de haber visto una especie de subgénero del western, el resto son puras conjeturas. En este sentido, el western le sirve a Jodorowsky para plasmar en imágenes su personal y particular visión del mundo y de los seres humanos. Una cosmovisión donde se mezcla lo psicótico (los grotescos y desequilibrados bandidos parecen psicópatas del desierto) con lo surrealista y lo bíblico (aparecen varias referencias, inclusive la estructura argumentativa) con lo erótico (escenas sexuales, lesbianismo, sadomasoquismo).
Para aquellos que piensen verla, el topo puede ser tan fascinante como despreciable, tan lúcida como ominosa pero imprescindible para aquellos amantes de un cine sin parangón, indomable por naturaleza.