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Críticas de Cinemagavia
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1.992 críticas
6
10 de abril de 2021
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*El David de Goliat

No creo que exista prácticamente nadie en el mundo que no conozca a los superhéroes de Marvel o DC. Son por antonomasia las producciones que lideran este género, y que después de una gran cantidad de años, siguen atrayendo a cualquier tipo de público.

A pesar de que nos guste la fórmula de este tipo de producciones y ya estemos familiarizados con sus mundos, nunca viene mal retroceder un poco y empezar a tener una perspectiva nueva del género. Es por ello, por lo que resulta muy valiente lo que hace Adam Egypt Mortimer en Archenemy. Una nueva idea fresca y desconocida que se quiere abrir paso entre un mundo ya conquistado, la cual acaba siendo una pequeña metáfora de lo que le ocurre al propio protagonista.

*Lo que hace que sea una buena película

En Archenemy se ve un denominador común con el resto de las películas de Adam Egypt Mortimer, su estética plástica y neónica. Supone una ventaja inteligente, pues separa la fantasía de la realidad, mediante una estética y gráficos que invaden a la narración como si de un comic se tratara.

No solo este relato corto del mundo fantástico tiene como protagonista esos colores saturados y fluorescentes, sino que estos se pueden ver reflejados en la vida mundana y en los propios personajes. Predominan el rojo y el azul como reflejo de los sentimientos y enfrentamientos de los personajes, creando así diversas metáforas narrativas y artísticas.

Todo ello sumado a una fotografía gris que deja ver la decadencia de la ciudad. Resulta ser una idea verdaderamente inteligente creando una visión estética llamativa al ojo del espectador.

*Caer en la misma piedra

Si bien es cierto que Archenemy quiere no repetir patrones y, aunque se esfuerza en crear una historia diferente, lo que más la distingue del resto es la estética. Aún así, pocas veces se ve como protagonista a un héroe derrotado que se mimetiza en los barrios por los que se mueve. Provocándole así la incapacidad de exhibir aquello que más le distingue del resto de humanos.

El exceso de información tampoco es un factor beneficioso en el primer contacto. Adentrarnos en un mundo irreal puede resultar muy complicado pues siempre se suelen necesitar más minutos, por ello hay que tener cuidado con aquello que se quiere contar y lo que se quiere omitir.

Archenemy no falla vertiginosamente en este aspecto, sobre todo gracias a su inteligente montaje que hace que no se atasque la historia en ese punto. Pero tampoco acaba siendo una historia que aporte emotividad o conflicto. Factor que sucede en cantidad de películas del género de superhéroes y que se verá reflejado en el clímax de esta. De alguna manera, acaba importando más la vida de los chicos y sus numerosos contratiempos que la amenaza mortal que mantiene preocupado al protagonista.

*Cuidado con correr

Archenemy comienza con fuerza mostrando esa animación super saturada de colores y adentrándonos poco a poco en la vida de los personajes. Una vez llegado al segundo acto, pierde un poco toda esa credibilidad que se había ganado hasta el momento, coge un ritmo demasiado rápido y descompensado, además de sumarle las incongruencias de algunos de sus personajes. Pero, en el tercer acto se recupera para darle un final acorde con aquello que se había ganado en un principio.

*Conclusión

Archenemy tiene muy buenas intenciones, y aunque flaquea en algunos aspectos, en otros aprueba con bastante nota. Tiene un estilo singular y sobre todo posee la valentía de pertenecer a un género ya muy moldeado. A pesar de ello, sale a flote y lucha por hacerse un hueco anteponiendo su maravillosa estética como su verdadero poder.

Escrito por Jimena Boiza
Cinemagavia
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6
10 de abril de 2021
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*Una fábula de actualidad

De amor y monstruos parte de unas premisas clásicas: una catástrofe mundial que deja muy pocos supervivientes y el posterior conflicto interno entre enfrentarse al miedo o silenciarlo. En este universo, los seres humanos se han encerrado bajo tierra, en colonias, atreviéndose a salir a la superficie solo para recolectar suministros y ahuyentar a los monstruos invasores.

En De amor y monstruos, el protagonista, Joel, interpretado por Dylan O’Brien, es muy querido en su colonia, pero tiene una sensación constante de inutilidad en todo lo que hace; como si lo más importante estuviese sucediendo en otra parte. En un golpe de coraje, Joel decide irse para buscar a su amor, o lo que él cree que es amor, y arriesgar su vida, otorgándole a esta un valor superior que al propio miedo de hacerlo.

*La supervivencia del siglo XXI

Las películas sobre la supervivencia en un mundo hostil, con la crítica capitalista y lucha de clases incluidas, han proliferado en los últimos años. Por mencionar algunas de las más conocidas: Los juegos del hambre (2012), de Gary Ross, Divergente (2014), de Neil Burger o El corredor del laberinto (2014), de Wes Ball, más segundas y terceras partes correspondientes; o cintas más recientes como Un lugar tranquilo (2018), de John Krasinski y La caza (2020), de Craig Zobel.

De amor y monstruos compite en la categoría de mejores Efectos visuales de los Óscar con la última y discutible, (al menos para la crítica especializada) película de Christopher Nolan, Tenet. Entre el resto de nominados se encuentran: Cielo de medianoche, de George Clooney, Mulan, de Niki Caro y El magnífico Iván, de Thea Sharrock.

*Conclusiones

De amor y monstruos no deja de ser una cinta adolescente con un mensaje motivacional, pero sin la ambición de convertirse en la película de monstruos del siglo; el protagonista no es el clásico narcisista superheroico ni sus actos son grandilocuentes, de hecho, pocas veces está en verdadero peligro.

La historia apocalíptica resultante es, por lo tanto, inofensiva e inusualmente esperanzadora. De amor y monstruos finaliza con un emotivo mensaje: no hay que conformarse nunca, ni siquiera en el fin del mundo.

Escrito por Soraya Unión Álvarez
Cinemagavia
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6
9 de abril de 2021
1 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
*Topografía sentimental

Ons se adentra en la relación sentimental de Vicente y Mariña, que llegan a la isla de Ons para pasar el verano. Cada uno buscará en el entorno algo, Vicente la superación de un trauma y Mariña, el acercamiento a su pareja. Deciden quedarse en otoño, lo que sacará a la luz la oscuridad interior de cada personaje. Una película que interesa por su forma y fondo, pero en la que el exceso de sutileza deja algo vacío al espectador.

El film de Alfonso Zarauza trata temas como la superación de traumas personales, la evolución sentimental de las relaciones de pareja, la unión familiar y la locura social por encierro. El director realiza un exhaustivo detalle de las relaciones humanas en los entornos adversos, que asfixian al individuo convirtiéndolo en fruto de las constantes arremetidas de los elementos que lo forman.

Ons es una muestra de la búsqueda de estabilidad emocional en entornos complicados, a unos les convierte en seres más humanos, puesto que abrazan la soledad y se sienten a gusto en ella, pero otros, sin embargo, sufren física y mentalmente al no saber gestionarla. El entorno gallego es abrupto por naturaleza y a ello se le unen la magia y la belleza de sus paisajes. Esto puede incidir en la psique humana de forma problemática.

*Enmarcación de Galicia

Ons es una película construida con amor y cariño, apreciable en la sutileza de los diálogos, interesantes a la par que curiosos, sin ser directos. Después, de un primer acto bastante largo en el que se nos presenta una isla llena de magia, pero cálida y acogedora por sus colores, al contrario que en el segundo acto, al situarse en otoño el entorno se vuelve más abrupto y por último, un tercer acto pequeño en el que desgranamos los resultados de la cosecha narrativa.

Lo más reseñable de la cinta, es la dirección de Alfonso Zarauza, que ajusta a la perfección los parámetros de planificación, iluminación, actuación y sonorización. Una planificación sobria al emplear un plano por escena, permitiendo que los personajes se muevan por el entorno con perfecta sincronía y naturalidad. A ello se le suma un movimiento pausado y calmado de cámara en steady, que juega con las emociones de cada uno de los planos.

Ons también presenta una importante factura visual, al enseñar la majestuosidad de los entornos. Alfonso Zarauza también ha centrado sus esfuerzos en que los actores realicen su papel de la forma más sobria, para que cada mínimo detalle gestual aporte significado al texto. Por último, señalar la banda sonora que acompaña al entorno y a los sentimientos de los personajes con la presencia de un faro misterioso.

*Conclusión

Ons es la última película que ha dirigido Alfonso Zarauza, un director detallista y cuidadoso con lo que pone en pantalla, pero demasiado sutil. Al final podemos comprender lo que sucede tras haber realizado una reflexión sobre lo visto, pero a simple vista no se verbaliza nada. Del mismo modo, es un largometraje de paisajes y personajes, pero no por ello solo debemos quedarnos obnubilados por la belleza que aparece ante nuestros ojos.

Ons es un film que nos acerca a la sociedad gallega de forma cuidadosa. El Nuevo Cine Gallego y el Nuevo Cine Vasco están trayendo al panorama nacional películas que analizan entornos hasta ahora nunca vistos.

Escrito por Santiago Varela Antúnez
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6
9 de abril de 2021
2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
*No es fácil ser Jordan Peele

Solo hace falta ver el tráiler e incluso la tipología del póster de Them para ver lo mucho que se parece a la obra de Jordan Peele. Tanto visualmente como temáticamente. Them es una serie que habla del racismo sufrido por parte de la comunidad negra que emigró a las zonas con más población blanca de los Estados Unidos, en este caso al barrio de East Compton de Los Ángeles.

Them recuerda a Peele no solo por el racismo sino porque lo trata des del punto de vista del terror, algo con lo que el director sorprendió en los Oscars con su película “Déjame Salir” y que le premió con un Oscar a mejor guion.

Pero el problema de la serie viene con las comparaciones. Jordan Peele utiliza el terror como un elemento más en la historia, sobre todo para darle el giro sobrenatural. Aquí el terror sobrenatural está para representar los traumas personales de la familia protagonista y en esto Them falla estrepitosamente.

*Racismo bien, terror mal

Mi problema principal en Them no es el trato que se le hace al racismo. Creo que es un acierto presentarte una comunidad de suburbio perfecta de los años 50 como los villanos de la serie. Estoy absolutamente seguro de que este caso es solo uno de los muchos casos que se dieron en situaciones parecidas. La gente de bien cuando se ve amenazada puede ser muy mala. Eso es fantástico, es maravilloso. El problema lo tengo con el trato del terror.

Si bien es cierto que la fotografía de la serie es una maravilla creo que es cargante. Es un acierto utilizar los planos ligeramente torcidos para transmitir mal rollo constante, incluso los cambios de color hacen que algunas imágenes sean impactantes, pero es tremendamente cansino. No solo es algo que agote visualmente sino que es un recurso que pierde fuerza por abusión. En una película puedo estar constantemente nervioso pero en una serie de diez episodios al final me acabo relajando y aceptando ese mal rollo constante como algo “normal”. También es verdad que no soy ni de los años 50, ni afroamericano ni he sufrido racismo, así que puede que no empatice tanto con los protagonistas.

*Conclusión

Them podría haber sido la versión mejorada de una serie ya fallida como Territorio Lovecraft. Funciona como crítica social pero falla estrepitosamente en el enfoque del terror. Lo que hace muy bien es saber que es una serie para una plataforma y darle a cada episodio exactamente el minutaje que necesita.

Escrito por Daniel Burón
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8
9 de abril de 2021
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*La mentira que desató el fuego

Lo primera impresión destacable que deja Exterminad a todos los salvajes, es la visión tan manifiesta y tan rigurosa del director. Se nota mucho el trabajo de investigación y el gran conocimiento que tiene Raoul Peck sobre la materia, otorgándole cierta valía para hilar y condensar un relato tan denso y tan complejo. Exterminad a todos los salvajes es un proyecto que llevaba tiempo intentando sacar adelante Raoul Peck, no solo por el mero interés personal de Peck sino también por la estrecha relación que tenía con el escritor y amigo fallecido Sven Lindqvist.

No es algo bonito de ver lo que presenta Exterminad a todos los salvajes y lo que es más importante , es que es una historia en la que todos estamos involucrados por igual; de hecho es un viaje que trasciende a la propia mortalidad del hombre, como si de un eco eterno se tratase. Todo comienza con una mentira o más bien una excusa como lo deja ver Raoul Peck; una excusa, para justificar lo inhumano y la violencia irracional ante lo diferente y ante lo que acabamos por repudiar. Esto es algo que se ha alimentado durante siglos y de lo que aun a día de hoy no nos hemos podido desprender.

Exterminad a todos los salvajes nos habla del despotismo enfundado contra las clases más minoritarias, por parte de la clase imperante del momento. Una barbarie justificada en base a una mentira mil veces contada, que ha abrasado y mancillado nuestro pasado común.

-Civilizado, semicivilizado y salvaje

Esta serie documental es también muy atrayente por su ambivalencia en el tono con el que enfoca sus cuatro capítulos. Por un lado, Exterminad a todos los salvajes mantiene una constante seriedad y rigurosidad por el tema tan delicado que intenta abordar, pero también no tiene reparos en tirar de sátira para condensar de mejor forma el relato. La edición es muy particular, porque recaba mucha información nutriéndose de diferentes fuentes; es decir, está construida a partir de una infinidad de archivos fotográficos y cinematográficos, presentando una heterogeneidad en su conjunto bastante interesante.

No es muy fácil tampoco de clasificar a esta docuserie, porque por un lado presenta una trama que se va paseando por distintas épocas y luego tiene partes que son más propias de un tipo de documental más tradicional; teniendo en casi todo su transcurso, al propio Raoul Peck como narrador.

Volviendo un poco a lo referente al tono que presenta Exterminad a todos los salvajes, se podría decir que Raoul Peck se vale de la sátira para evidenciar el ridículo de algunos de los comportamientos y mentalidades que han predominado a lo largo de nuestra historia. Consigue imbuir a la narrativa de cierta frescura y dinamismo, evitando que resulte muy pesada o intensa para el espectador.

*De Hitler a Abascal

En la parte final de Exterminad a todos los salvajes, se intenta reflexionar sobre todo lo que nos ha precedido como civilización, para entender de mejor modo el contexto social actual. No es una serie documental que pretenda dar una lección moralista, sino más bien intenta constatar que la historia no puede ser interpretable; es decir, la sangre y violencia desmedida del pasado no se puede ocultar ni mucho menos blanquearla. Raoul Peck no solo cree que no debe de caer en el olvido nuestro pasado común, sino que también reivindica que si seguimos negándolo, acabaremos cometiendo los mismos errores una y otra vez.

En pleno siglo XXI no estamos faltos de información, ya que en un solo click podemos saber lo que está pasando en Damasco (por poner un ejemplo) en tiempo real. El problema no es ese y se deja muy claro en el documental, el problema es que seguimos cegados por los propios prejuicios que venimos arrastrando desde generaciones como seres humanos. Las problemáticas que ya había desde el descubrimiento de América siguen estando latentes hoy en día; como tan bien siguen latentes los discursos de odio y xenofobia vertidos por gente como Hitler o Mussolini en su momento.

El tiempo parece poner todo en perspectiva y es por ello que la gran mayoría de nosotros al echar la vista atrás, vemos a figuras como las de Hitler con una total repulsión. Sin embargo, Hitler consiguió ser amado por un país entero, por el mismo medio que hizo que Trump llegase al poder en Estados Unidos o que el partido de Santiago Abascal este teniendo un mayor poder parlamentario en nuestro país.

*Conclusión

Exterminad a todos los salvajes es una serie documental de HBO, que mira de frente a la cruda realidad en la que se ha vertebrado la historia de occidente en estos últimos siglos de colonialismo. Una docuserie que ha sido posible gracias a una exhaustiva investigación de la materia por parte de director y su equipo, y de la que ahora podremos disfrutar como espectadores.

Una travesía dura, incomoda y rigurosa la que nos sumerge esta serie documental, exponiéndonos sin atisbos ni contemplaciones la realidad del imperialismo occidental. Una obra audiovisual más necesaria que nunca, que presenta una mirada muy interesante como es la de Raoul Peck.

Escrito por Daniel Jiménez
Cinemagavia
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