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Críticas de Cinemagavia
Críticas 3.943
Críticas ordenadas por fecha (desc.)
4
21 de abril de 2024
3 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
*Una continuación previsible

Todos conocemos el cine de Zack Snyder. Sabemos que su trabajo con los personajes no es especialmente bueno. Sin embargo tiene elementos que pueden llegar a gustar al espectador. Pero en la segunda parte de Rebel Moon eso no sucede. Si bien la primera parte era una visión personal del director de la saga original de Star Wars, que sin ser original era defendible y, hasta cierto punto, disfrutable, Rebel Moon Parte 2: La guerrera que deja marcas es insoportablemente soporífera.

En el caso de la secuela los paralelismos con Los siete samuráis (1954) son evidentes. Pero el hecho de construir el vasto mundo planteado en la primera parte, que en manos de un buen director seria muy interesante, y luego trasladar toda la trama de la película a un pueblo con poca gente reduce el conflicto a una pelea vecinal.

El hecho de que las dos horas de película transcurran en una aldea alejada donde viven poquísimas personas hace que el clímax de un conflicto universal se vea reducido a una broma absurda. Si además los personajes son planos y sirven al guion, para que seguir hablando.

*21Grandes esperanzas

Podríamos estar delante de una franquicia con potencial. Eso lo reconozco. Y más, con el estreno de la segunda parte de Dune. Pero la secuela de Denis Villeneuve es todo lo que no es Rebel Moon Parte 2: La guerrera que deja marcas.

Los efectos especiales no destacan demasiado. El diseño de vestuario es peor que en la anterior entrega. Y el escenario está mucho menos trabajado que en la primera parte. Y además, parece que a Zack Snyder se le acabaron las ganas de trabajar a medio guion y decidió acabar la película de la manera más convencional y vaga posible. Antes de empezarla puedes describir escena por escena, lo que vas a ver.

No hay mucho más que decir. Disfruté la primera parte siendo lo que era. Pero en el caso de esta segunda entrega no puedo decir lo mismo. Se me ha hecho tediosa. Y, como siempre, revivir al villano es una mala idea (también va para ti, por la parte que te toca, Star Wars).

*Conclusión

Rebel Moon Parte 2: La guerrera que deja marcas pierde enteros por momentos. Reduce a su antecesora, que presentaba un interesante y vasto mundo que requería una mejor dirección (entre otras muchas cosas) a una pelea entre granjeros y un imperio que da risa por su ridiculez de efectivos y de capacidad de lucha. Si además la estética de videoclip de Snyder también es peor, nos quedamos sin nada. Eso sí, la puerta a una tercera parte está abierta. Habrá que verla.

Escrito por Guillem Uceda i Oliver
Cinemagavia
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7
21 de abril de 2024
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
*Aparece el don

El día importante que da un giro en la vida de Holly y a la comunidad que la rodea, es un incendio que sucede en la escuela. Ella presiente que va a pasar algo malo y llama a la escuela diciendo que no puede ir porque se siente mal. Corte a: la escuela se prende fuego y mueren un montón de personas. A partir de ese hecho Holly empieza a manifestar un don que tiene que ver con dar paz a la gente y sanar.

*La atmósfera

La chica que sanaba (Holly) es una película con una gran dirección de actores y una puesta de cámara muy cuidadosa, muy detallista. A los actores no los deja casi moverse dentro del encuadre. Pero eso precisamente, nos mantiene viendo la película por momentos sin pestañear. Plagada de momentos, atmósferas y climas muy interesantes.

Holly tiene en su mirada misterio y eso es lo que lleva a donde va. Sobre todo con cuando se junta con su maestra Anna. Tanto la maestra Anna (Greet Verstraete) que descubre el don que tiene Holly de ¨Sanar¨o de ¨dar paz¨a las personas. Como la protagonista misma Holly (Cathalina Geeraerts) una adolescente que no tiene la menor idea de lo que está haciendo, pero la hace y espera. Esperan siempre, con la mirada fuera de campo, no sabiendo bien que está pasando, pero con la certeza de que algo está cambiando. Misterios constantemente.

*Holly

Cathalina Geeraerts (Holly) se pone la película al hombro. Interpretando a una adolescente con un don extraordinario (que no sabe bien el alcance que tiene) y que al no saberlo se equivoca como cualquier adolescente. Esta joven actriz nos regala una gran actuación gracias la minuciosa dirección Fien Troch creando momentos de tiempos internos y planos largos, bellísimos.

Los primerísimos primeros planos que la directora le hace a la protagonista (casi en el foco cada pestaña del ojo) y de cada reacción de Holly ante lo que los demás piensan del don que tiene, son algo para recordar de la película.

*La sanación

Aunque el misterio es algo importante en el cine, como espectador esperamos más. Una adolescente que tiene la sensibilidad, un poder, un don de presentir las cosas como le sucede a Holly, es un gran argumento. Como espectador uno espera otra cosa. Pero el entorno donde vive es como tirarle rosas a los chanchos. O sea, la única que ve lo que puede hacer es la maestra Anna, y lamentablemente ella tampoco sabe cómo guiarla en este maravilloso don que tiene. De manera que la paz y la sanación que tiene dentro, no sirven de mucho si el entorno no te acompaña.

*Conclusión

La chica que sanaba (Holly) tiene sobre todo grandes actuaciones y una atmósfera impresionante. Lo que logra la directora y la actriz es solo una buena excusa para verla. Fien Troch nos muestra la gran capacidad y sensibilidad que tiene al momento de filmar. Y aunque todo lo dicho anteriormente es muy interesante… A veces excelentes actuaciones, atmósferas misteriosas y buena música, no significa tener una película redonda y que los espectadores queden contentos. Pero no importa. Si te quedas con una buena sensación y puedes ver que es una película interesante, el fin cinematográfico está cumplido. Que cada espectador y espectadora saque sus conclusiones.

Escrito por Sabrina Odoguardio
Cinemagavia
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7
19 de abril de 2024
2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
*El qué sobre el cómo

La construcción de los personajes en El consentimiento es compleja. Vanessa (Kim Higelin) tiene unos 14 años. Su entorno familiar es inestable, viviendo con su madre alcohólica. Su grupo de amigas comienza a experimentar los cambios y las hormonas. De repente, todo lo que consideraba normal queda puesto en duda. Y es Gabriel (Jean-Paul Rouve) quien, en ese momento, hace goce de su poder e influencia para aprovecharse de la niña.

La actuación de Higelin está repleta de matices. Pero, en realidad, la de prácticamente todos los personajes lo está (la madre reticente pero consentidora, los medios de comunicación que justifican y critican a la vez, los compañeros de profesión que hacen la vista gorda...). La película se apoya en las interpretaciones, dándole más peso al fondo sobre la forma. De hecho, la obra peca en cierta manera de poseer una estética menos brillante que su discurso. Filho pisa sobre seguro y no arriesga ni con su puesta en escena ni con sus directrices técnicas.

En esta misma línea, es complicado no juzgar con la ceja levantada, inquisitivamente, cualquier escena sexual explícita entre una menor y un hombre adulto. La directora rehuye el tono lascivo para centrar todo en la construcción de la incomodidad. A través del paisaje sonoro y el enmarque constante del rostro de Higelin se denota una perversión oscura y aberrante. Solo los ojos más enfermos podrían hallar lugar para la duda en las escenas de la película.

*El derecho a la memoria

Gabriel, escritor de profesión, redacta continuamente sus pensamientos y reflexiones. En esta misma línea, Vanessa también tiene un diario. Si Matzneff pudo publicar sus experiencias autobiográficas como depredador sexual, pedófilo y abusador sin problema alguno, ¿por qué debería Springora resignarse y callarse? ¿Por qué no contarlo todo también?

«“if it isn’t a love story, then what is it?” I look to her glassy eyes, her face of wide open empathy. “It’s my life,” I say. “This has been my whole life.”» escribe Kate Elizabeth Russell en su libro My Dark Vanessa. De esta manera, expone una situación muy recurrente en víctimas de abusos sexuales. No es solo que no vean la violencia, sino que no pueden permitirse verla. En el caso de la Vanessa de Russell, se niega a admitirse como víctima para intentar ahorrarse el dolor de saberse herida toda su vida.

La Vanessa de El consentimiento pasa por un proceso similar. Se da cuenta de las conductas violentas y sádicas de Gabriel, pero le cuesta conseguir admitirlas. Al fin y al cabo, él es la única estabilidad que conoce, hecho que el escritor explota a su conveniencia. Se aprovecha de la inocencia y el miedo de los niños y las niñas, y de todos los silencios cómplices.

La película expone sin reparo el comportamiento pederasta del escritor Gabriel Matzneff con Vanessa Springora, aunque también comenta la existencia de otros casos similares. Filho muestra su proceder como un patrón sistemático en el que busca aprovecharse de jóvenes deslumbradas por su capacidad artística y en posición de desventaja frente a su poderosa figura para robarles su infancia. Son multitud las escenas y comentarios incómodos, fuera de lugar, sexuales y manipuladores que le dedica a la adolescente. El giro que se desarrolla en su personaje, además, explica buena parte del miedo a perderlo todo de Vanessa. Siempre es ella la que sale perdiendo, la que es juzgada, la que es castigada. Las técnicas de persuasión, aislamiento y control emocional del adulto son mostradas progresivamente de una manera perversa y creíble.

*Conclusión

El consentimiento es una película incómoda donde la construcción del mensaje tiene mayor voluntad que el tratamiento de las imágenes. Pone en evidencia el fallido sistema de protección de menores así como la hipocresía y crueldad de los adultos tanto en casos particulares como en general.

El abuso es consentido de manera social, se permite e incluso se aplaude. Vanessa Filho nos apela directamente como espectadores, cuestionando nuestra permisividad ante estas atrocidades. No podemos poner una mueca de disgusto cuando vemos a Gabriel penetrar a una Vanessa de 14 años y comentar que "se siente como una niña pequeña" si después justificamos el turismo sexual con menores de nuestros autores españoles, las violaciones de nuestros directores de cine y los gritos de nuestras vecinas.

Escrito por Ana Aliaga Díaz
Cinemagavia
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5
18 de abril de 2024
15 de 18 usuarios han encontrado esta crítica útil
*Mala ejecución para una buena premisa

Un entramado de conspiraciones y manipulación comienza a hilarse cuando dos banqueros son secuestrados y la policía recibe un vídeo donde van a ser asesinados. La jueza del caso, mientras intenta atrapar al secuestrador, ha de conseguir mantener a flote su vida personal, que se ve renovada cuando conoce a Mariana, una joven y atractiva gestora de capital. Los hilos que unen las tramas poco a poco van acercándose hasta entrelazarse completamente, siendo imposible distinguir entre ellos, habiéndose tejido así una red homogénea de debacle moral y violencia. La línea entre amigos y enemigos se va desdibujando hasta ser prácticamente invisible, llegando a ser sustituida por el interés y el rédito, dejando la justicia a un segundo plano.

Con una premisa interesante arranca Perverso, que no sabe llevarnos a nada que no hayamos visto, manejándose mal en el género de thriller e intentando saltar de este a un drama intrafamiliar que se relaciona bastante mal con las subtramas. Las historias no van más allá de nada que no hayamos visto, haciendo que el espectador sienta una repetición de tópicos y argumentos ya vistos en otras obras. Los sucesos aburren más que intrigan y se entremezclan con unos argumentos que rozan el ridículo, llegando a una extraña comicidad. Esto no significa que no haya momentos para ello, pero se le da demasiado tiempo en pantalla a nimiedades que roban desarrollo a la verdadera trama, entorpeciéndola constantemente. Si se hace la suma entre esto y que la historia central no llega a interesar, nos da como resultado una narrativa insípida y ya vista.

*Típica y tópica

El asesino hace jugar a juegos a sus víctimas para saber si viven o mueren. Un sociópata extremadamente inteligente y enigmático manipula a placer para conseguir lo que desea. Una femme fatale. Todo son paradigmas del género que llegan a resultar absurdos cuando su escritura no va más allá del calco del calco. Los personajes no son construidos en base a nada, sino que son movidos artificiosamente dentro de un mundo poco interesante y estéril para su desarrollo. La falta de carisma brilla por sí misma cuando ni siquiera resaltan los personajes más desequilibrados (Iván Massagué y Jan Cornet), a los que se desaprovecha por una simplificación incomprensible que llega a molestar.

Cuando una escritura simple se junta con una estructura que intenta ser compleja, el espectador recibe una combinación de intenciones donde ni siquiera la propia obra elige con cual quedarse. ¿Es un thriller financiero? ¿Es la caza a un perverso asesino? ¿Es una historia de ruptura familiar? Quizá si la se hubiese elegido encaminarse por alguna de ellas, no se sentiría tan incompleta y tendría espacio para desarrollarse mucho más. Cuando se abarca tanto, se ha de procurar no apretar poco.

*Conclusión

Perverso es un thriller que cae constantemente en el tópico fácil, en la repetición y por momentos en el absurdo. Se pierde entre sus ambiciones y se frena a sí misma, hecho que le impide llegar a conclusiones esclarecedoras, pues no se aclara respecto a sus personajes y su trama. Una buena premisa que sin lugar a dudas daba para mucho más.

Escrito por Mario Peña Pérez
Cinemagavia
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9
15 de abril de 2024
81 de 116 usuarios han encontrado esta crítica útil
*Periodismo de guerra

Viendo los avances e imágenes de Civil War algunos podrían pensar que Alex Garland nos iba a entregar una película bélica. O directamente, que al tratar una segunda guerra civil estadounidense, podría llegar a alguna posición política (teniendo en cuenta la crispación que vive Estados Unidos desde hace años). Por suerte, Garland nos entrega algo muy alejado de todo lo que podríamos pensar de entrada.

Civil War se centra en cuatro fotoperiodistas encabezados por Lee (Kristen Dunst), que deberán recorrer un país sumido en el caos para retratarlo con sus cámaras. Partiendo de esta premisa Garland radiografía de una forma brillante el oficio y algunos de los debates que siempre han acompañado a los periodistas de guerra. Lo hace sin juicios morales, con una experiencia totalmente inmersiva y que se siente muy real.

Siguiendo al grupo de protagonistas Alex Garland examina la pasividad ante la violencia, aunque la tengamos delante. Aquí solo importa la foto, y sobre todo el que se sepa que tú estuviste ahí para inmortalizarlo. Con esto es inevitable pensar en las cuestiones éticas del periodista, en anteponer nuestra humanidad al supuesto cometido de informar ante todo. Civil War hace que pensemos en todo esto y más, recordando por momentos a la también terrorífica Nightcrawler.

*Road movie a través del horror

Además de girar en torno al periodismo Civil War ofrece una de las road movie más tensas y llenas de ansiedad que nos ha dado el cine en los últimos años. Aún con sus diferencias vienen a la cabeza títulos como Hijos de los hombres, donde la incertidumbre constante eran parte de la identidad de la propia película.

Desde que el grupo comienza su viaje por carretera somos testigos de diversas secuencias que nos ponen en un incesante nerviosismo. Al mismo tiempo somos testigos de un magnífico retrato de lo que sería un Estados Unidos moderno en guerra.

Alex Garland ofrece diversos escenarios que se quedan en la retina, siendo la carretera un personaje más de la cinta (cierta escena justifica esta afirmación, creedme). Todo ello culmina en una tercer acto que engrandece aún más el conjunto de la película, con una precisión en todos y cada uno de los departamentos que es apabullante.

Y es que desde el sonido, montaje o la propia dirección de Garland, Civil War muestra una sobriedad apabullante. No es de extrañar su factura, teniendo en cuenta que es la película más cara de la historia de A24 (50 millones de presupuesto). El director británico ya demostró lo que es capaz de hacer con semejante inversión con la excelente Aniquilación. Aquí vuelve a deslumbrar. Ojalá reconsidere retirarse de la dirección, porque 4 películas saben a poco tras este último trabajo.

*Apolítica

Llegamos al que seguramente sea el gran acierto de Civil War. Y es que además de todo lo comentado anteriormente, la última cinta de Alex Garland no tiene ninguna intención de meterse en líos políticos o lanzar ningún tipo de mensaje partidista.

Es de sobra conocida la crispada situación social y política que vive Estados Unidos desde la llegada de Donald Trump a la presidencia en 2016. Para cualquier otro director habría sido fácil posicionarse o adentrarse de lleno en las causas de esta guerra civil. En cambio, Garland decide que ciertas cuestiones queden a la imaginación del espectador, sin necesidad de decirle lo que debe o no pensar sobre lo que vemos en pantalla.

Dentro de esto encontramos a un reparto en estado de gracia, destacando a una Kristen Dunst que se sigue reafirmando como una de las mejores actrices de su generación. Su interpretación no necesita de palabras para impresionar. Tampoco se quedan atrás Cailee Spaeny, que sigue maravillando tras Priscilla, Stephen McKinley, en una maravilla de papel, o Jesse Plemons, que seguramente tenga ya no solo la escena más terrorífica de la cinta, sino de los últimos tiempos.

Conclusión

Es una pena que un cineasta como Alex Garland haya decidido retirarse, pero al menos nos queda el consuelo de que lo ha hecho con Civil War. A través del interminable debate sobre la moralidad del periodismo de guerra el británico construye una tremenda road movie llena de horror e incesante ansiedad. Sin lugar a dudas, estamos ante una de las películas del año.

Escrito por Víctor Pérez Cañete
Cinemagavia
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