*Un debut sorprendente

Dirigida por Iris Kaltenbäck, The Rapture es una ópera prima que ha sido nominada a dos Premios César. La película destaca por su narrativa cautivadora y su exploración de las consecuencias de una pequeña mentira que puede cambiarlo todo. Kaltenbäck demuestra un sorprendente talento en su debut, manejando con destreza una historia compleja y emocionalmente cargada.

*Interpretaciones convincentes y emotivas

Hafsia Herzi, que interpreta a Lydia, ofrece una interpretación convincente y emotiva. Su papel como una comadrona comprometida que se ve atrapada en una red de engaños es profundo y matizado. La actriz captura perfectamente la mezcla de desesperación, esperanza y arrepentimiento de su personaje.

El elenco de apoyo, incluyendo a la mejor amiga Salomé, interpretada por Nina Meurisse, y la aventura de una noche Milo, interpretado por Alexis Manenti, aporta actuaciones sólidas que complementan la narrativa principal. Sus interacciones con Lydia añaden capas de complejidad y realismo a la historia.

*Una mentira que desencadena consecuencias inesperadas

La trama sigue a Lydia, una comadrona que se encuentra en medio de una ruptura. Su mejor amiga, Salomé, le pide que controle su embarazo. Un día, Lydia se encuentra con Milo, una aventura de una noche, mientras lleva en brazos al bebé de su amiga. En un momento de debilidad, Lydia deja que Milo crea que el bebé es suyo, embarcándose en una mentira que amenaza con destruir su vida y su carrera.

La narrativa de The Rapture explora las consecuencias de este engaño y cómo una decisión impulsiva puede tener repercusiones devastadoras. La historia se desarrolla con una tensión creciente, mostrando cómo Lydia lucha por mantener su mentira mientras las circunstancias se complican cada vez más.

*Elegancia visual y sonora

La cinematografía de The Rapture es elegante y efectiva, capturando tanto los momentos íntimos como los paisajes urbanos de manera visualmente atractiva. Las tomas bien compuestas y la iluminación naturalista contribuyen a la atmósfera realista de la película.

La banda sonora complementa adecuadamente la narrativa, utilizando música que subraya las emociones de los personajes y la tensión de la trama. El diseño de sonido es sutil pero efectivo, ayudando a sumergir al espectador en la experiencia de Lydia.

*Conclusión

The Rapture es una pequeña joya del cine francés que destaca por su narrativa intensa y sus actuaciones convincentes. La dirección de Iris Kaltenbäck, en su sorprendente debut, maneja con destreza una historia sobre las consecuencias de una mentira y la lucha interna de una mujer atrapada en sus propios engaños.

Es una película que merece ser vista por su capacidad para combinar el drama emocional con una narrativa cautivadora.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*Profunda y reflexiva

Dirigido por Elan Golod, Nathan-ism es un documental biográfico que ofrece un retrato íntimo y profundo de Nathan Hilu, un vigilante de criminales de guerra nazis durante los juicios de Núremberg que se convirtió en uno de los pintores judíos más reconocidos de los últimos años. Golod maneja la narrativa con una combinación de sensibilidad y admiración, destacando tanto la vida extraordinaria de Hilu como su impacto en el mundo del arte.

*Una historia de vida y arte

El documental explora la vida de Nathan Hilu, hijo de inmigrantes judíos sirios en Nueva York, cuya misión de vigilar a los principales criminales de guerra nazis en los juicios de Núremberg lo marcó profundamente. Esta experiencia se convirtió en una fuente de inspiración artística que definió su carrera como pintor. A través de entrevistas, imágenes de archivo y muestras de su obra, el documental traza el viaje de Hilu desde sus inicios hasta su reconocimiento en el mundo del arte.

Nathan-ism profundiza en el impacto de los juicios en Hilu, mostrando cómo sus vivencias durante este periodo formativo influyeron en su arte. Las descripciones detalladas de su trabajo como vigilante aportan un contexto histórico importante y resaltan el peso emocional que llevó consigo.

Nathan-ism destaca el desarrollo artístico de Hilu, presentando sus obras que capturan tanto sus experiencias personales como su perspectiva sobre el Holocausto y la justicia. La narrativa visual del documental permite al espectador apreciar la evolución de su estilo y la profundidad de su visión artística.

*Testimonios conmovedores

Las entrevistas y los testimonios en el documental son esenciales para comprender la figura de Nathan Hilu.

Las propias palabras de Hilu, llenas de sabiduría y humildad, proporcionan una visión directa de su mente y su corazón. Sus relatos sobre los juicios de Núremberg y su proceso creativo son tanto inspiradores como conmovedores.

Las entrevistas con expertos en arte, familiares y amigos de Hilu añaden capas de comprensión y contexto, destacando su legado y la influencia de su trabajo en la comunidad artística y más allá.

*Una estética que resalta la vida y el arte

La cinematografía del documental es efectiva y bien lograda, utilizando una combinación de imágenes de archivo, entrevistas y tomas de las obras de Nathan Hilu. La visualización de su arte en detalle permite al espectador conectar profundamente con su trabajo.

La banda sonora complementa adecuadamente la atmósfera del documental, utilizando música que resalta tanto los momentos de reflexión como los de celebración. El diseño de sonido ayuda a sumergir al espectador en la experiencia narrativa.

*Conclusión

Nathan-ism es un documental que destaca por su capacidad para combinar una narrativa biográfica conmovedora con una profunda exploración del arte y la historia. La dirección de Elan Golod, junto con los testimonios y las impresionantes obras de Nathan Hilu, crea una experiencia cinematográfica que es tanto inspiradora como educativa.

Es una obra que merece ser vista por su habilidad para capturar la esencia de una vida marcada por la historia y transformada en arte. Es una recomendación destacada para aquellos interesados en biografías, historia del arte y los relatos personales que reflejan grandes momentos históricos y su impacto en el individuo. Nathan-ism invita a la reflexión sobre el poder del arte como medio de expresión y testimonio de experiencias humanas profundas y significativas.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*A Ken Russell le da igual todo

Al cineasta británico le da igual todo. Y lo podríamos decir de otra manera menos suave, pero la realidad es que La guarida del gusano blanco es una película en la que la marca Ken Russell se encuentra en cada fotograma. Tenemos una película que sin pudor se adentra en la comedia de terror vista desde un punto de vista más refinado, más británico, pero pasando a la vez por la psicodelia más hippie posible.

La guarida del gusano blanco, vagamente nos presenta una leyenda local británica de un pueblo rural, en la que se cuenta que un caballero hace siglos derrotó a un gusano gigante (tampoco queda claro si es eso o un dragón), motivo por el cual se festeja una fiesta en la cuál participan nuestros protagonistas, uno de ellos el mismismo Hugh Grant, que interpreta precisamente al heredero del caballero. Sin embargo, no todo anda bien en dicha localidad, porque pronto volverá a instaurarse el mal.

*El diablo, San Jorge y el cristianismo

Entre diferentes secuencias psicodélicas, se pueden entrever retazos del discurso principal de Ken Russell. La maldad, encarnada por Amanda Donohoe adopta las numerosas formas que el diablo ha tenido a lo largo de la humanidad, desde la serpiente hasta el dragón (recordemos a San Jorge, como el cuadro de Paolo Ucello que se menciona visualmente en la película) pasando por la polémica figura de la mujer con un apetito sexual voraz. Esta forma de femineidad, parecida a la de Lilith, es la que capitaliza toda la imaginería sobre la que versa La guarida del gusano blanco. Las secuencias en las que actúa como una femme fatale son deslumbrantes, mezclando el cliché de la mujer fatal del cine negro con la literatura vampírica. Gran parte de la magia de la película también residen en saber jugar con el misterio que representa este personaje.

*Visiones alucinadas

La guarida del gusano blanco tiene numerosos detalles de genialidad, solo propios de Ken Russell. Eso sí, hay que advertir que la mezcla de comedia, horror, violencia y significados religiosos pueden ocasionar indigestión a más de uno. Entre las secuencias más destacables nos encontramos con esas visiones que tienen los protagonistas y que les transporta a un mundo de pesadillas. Secuencias hechas con un muy primitivo sistema digital que a la vez mezcla la imaginería propia del director (Cristo siendo crucificado mientras es devorado por una serpiente y a la vez unas monjas violadas por soldados romanos), que en definitiva, seguía siendo el enfant terrible del cine británico.

Quizá La guarida del gusano blanco no alcanza la perfección por la propia idiosincrasia del filme. Al tratarse de una comedia de terror, Russell abandona el guion en pos de sus propios delirios, lo que acaba lastrando una estructura que en realidad carece de sentido alguno, más allá de ver la siguiente locura que presenta el cineasta.

*Conclusión

La guarida del gusano blanco no es magnífica y a más de uno le puede parecer una obra infame. Lo cierto es que Ken Russell es un director polarizante y esta es una de esas obras que o amas o odias. En todo caso, para los amantes del cine más excéntrico, se trata de una parada obligatoria.

Escrito por Guillermo Sánchez Ferrer

*Aguda y reveladora

Dirigida por Anna Kazejak, Fucking Bornholm es un drama psicológico que utiliza el humor negro para explorar las dinámicas complejas de la amistad y la familia. Ambientada en la isla danesa de Bornholm, la película se centra en un grupo de amigos y sus hijos que, durante sus tradicionales vacaciones de fin de semana, enfrentan secretos ocultos y rencillas que emergen a la superficie tras un incidente entre los niños. La dirección de Kazejak es aguda y reveladora, manejando con destreza los cambios de tono entre el drama y el humor.

*Interpretaciones naturales y matizadas

El elenco principal, compuesto por los amigos adultos y sus hijos, ofrece interpretaciones naturales y matizadas. Cada actor aporta profundidad a su personaje, reflejando las tensiones y las vulnerabilidades que surgen a medida que los secretos y rencillas se revelan.

La química entre los actores es convincente, especialmente en las escenas de conflicto y confrontación, lo que añade realismo a las dinámicas grupales y familiares.

*Crisis y revelaciones en unas vacaciones idílicas

La trama sigue a un grupo de amigos que se reúne con sus hijos para su tradicional viaje de fin de semana a la isla de Bornholm. Lo que comienza como unas vacaciones apacibles pronto se complica cuando un incidente entre los niños desencadena una crisis en las relaciones de los adultos. La narrativa de Fucking Bornholm explora cómo este evento pone de manifiesto tensiones subyacentes, secretos ocultos y rencillas entre los amigos.

La historia se desenvuelve con un equilibrio cuidadoso entre el drama y el humor negro, ofreciendo momentos de introspección y crítica social mientras mantiene al espectador comprometido con la evolución de los personajes y sus relaciones.

*Ambiente y estilo visual

La cinematografía captura la belleza natural de Bornholm, creando un contraste visual con las tensiones emocionales de los personajes. Las tomas amplias de paisajes idílicos se combinan con encuadres más íntimos durante los momentos de conflicto, subrayando la dualidad entre la apariencia de unas vacaciones perfectas y la realidad de las relaciones complicadas.

La banda sonora y el diseño de sonido complementan adecuadamente la atmósfera de la película. La música utiliza tonos sutiles para apoyar los cambios emocionales y de tono, mientras que el sonido ambiental realza la sensación de estar inmerso en las vacaciones.

*Conclusión

Fucking Bornholm destaca por su habilidad para combinar el drama psicológico con el humor negro, ofreciendo una visión crítica y reveladora de las relaciones humanas. La dirección de Anna Kazejak, junto con las interpretaciones naturales y la cinematografía cuidadosa, crea una experiencia cinematográfica que es tanto entretenida como reflexiva.

Fucking Bornholm invita a la reflexión sobre cómo los eventos aparentemente menores pueden desencadenar crisis profundas y revelar las verdades ocultas en nuestras relaciones más cercanas. Es una recomendación para quienes aprecian los dramas psicológicos que exploran la profundidad de las emociones humanas con un toque de humor oscuro.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*Basada en hechos reales

Como sucede en estos casos de películas deportivas, la cinta de Julio Quintana es una de aquellas películas que ya hemos visto mil veces. Un grupo de perdedores (Underdogs en inglés) que nadie da un duro por ellos pero que tienen un gran talento por pulir y que serán entrenados por una persona con más experiencia (en este caso el personaje que interpreta Jay Hernández). Entre medias, habrán de superar enormes trabas que les pondrán al borde del abandono, como es el racismo de los años cincuenta hacia la comunidad latina. ¿Les suena todo esto?

Lo cierto es que la esencia independiente de la que proviene el director se ha perdido en pos de una película prefabricada que ya hemos mil y una veces. Y claro, con otras películas deportivas sucede que por lo menos tenemos cierta tensión, momentos de interés o pura estética en pantalla. No es el caso de un deporte como el golf, que admitámoslo, muy cinematográfico no es. Las secuencias en las competiciones resultan como mínimo aburridas.

*Drama e inmigración

Así, The Long game tira también por la vía dramática, pero tampoco sin mostrarnos algo excesivamente escabroso, lo que en realidad sería más fiel a la veracidad teniendo en cuenta que los años cincuenta eran todavía más racistas hacia la comunidad latina que la actual. Sin embargo The Long game convierte todo este drama en algo muy secundario, faltándole mucho punch al filme. La sensación es que Julio Quintana ha tenido que hacer una película apta para todos los públicos, puliendo cualquier elemento que pudiera herir sensibilidades.

Se le suma una correcta puesta en escena y fotografía, cumplidoras en los aspectos técnicos, aunque sin dejarnos tampoco secuencias de relumbre, como si tenemos en otras películas deportivas como en Un Domingo cualquiera o Coach Carter, por citar algunas con las que además comparte ciertos elementos.

*Conclusión

The Long game solo es recomendable para fanáticos del golf. Para el resto es una película deportiva más, que cumple con todos los clichés vistos tantas veces en este subgénero cinematográfico.

Escrito por Guillermo Sánchez Ferrer