Esta es una de las más afortunadas adaptaciones dentro del ciclo que dedicó Roger Corman al inmortal Edgar Allan Poe. Es curioso cómo Corman, con escasos recursos y tomándose multitud de licencias con respecto a los textos originales, supo captar la esencia del universo del escritor de Boston como no lo ha hecho nadie. Esta "Máscara de la muerte roja" está basada libremente en el relato del mismo título, mezclado con otro cuento, "Hop-frog", que corresponde a la subtrama del enano y la bailarina. Parece que para esta película contó con mayores medios, y eso se nota especialmente en la dirección artística y en la delirante fotografía hiper colorida de Nicolas Roeg. Ésta dota al film de un tono casi surrealista, que unido al carácter casi metafórico del argumento da como resultado una película de terror muy atípica. Vincent Price borda su papel de malo malísimo, como no podía ser menos, y aunque pueda haber pasajes que vistos hoy hayan envejecido mal (por ejemplo, las pesadillas de Hazel Court), es una película muy disfrutable. Y más en estos tiempos de coronavirus.

Ahora que se reivindica la figura de Edgar G. Ulmer, conocido como el rey de la serie B (aunque lo mismo se podría decir de muchos otros), como autor en toda regla, es buen momento para revisitar extrañas pero interesantes obras como esta.
Digo extraña porque no es una película negra al uso, de hecho desde su inicio con ese sueño brumoso y premonitorio del protagonista ya notamos que aquí hay algo diferente. Y así es, pues nos encontramos con una transposición no declarada del Hamlet de Shakespeare, con bastante de thriller psicológico y más contenido de lo que podría esperarse en una producción de estas características. Porque las películas de Ulmer siempre sufrían de escasez y pobreza de recursos, pese a lo cual parece que la película que nos ocupa tuvo una mejor producción de lo que era habitual y eso se nota al verla.
La historia del hijo protector con su madre, alerta ante la intromisión de un pretendiente de esta que parece no tener muy buenas intenciones (interpretado muy bien por Warren William), como ya avisaba su sueño inicial, está muy bien narrada por Ulmer. Mantiene en todo momento el interés y la aparición de esa especie de doctor maligno y su clínica de confinamiento hace que el espectador no baje la guardia. Sigo en spoiler.

Debut como director de Jonah Hill, conocido principalmente como actor cómico pero que aquí se pone detrás de la cámara para facturar una película sencilla pero efectiva, con todos los ingredientes del cine independiente americano. Lo que vemos en Mid 90s ya lo hemos visto en muchas otras pelis indies, pero el caso es que todo funciona bien y en su justa medida. El tono es muy natural y creíble, y es fácil empatizar con ese chaval que, huyendo de su hostil hermano y un complicado entorno familiar, descubre el mundo (un coming of age en toda regla) gracias a sus nuevos amigos skaters. En ese sentido lo mejor de la película está en la descripción de ese grupo adolescente, sus conversaciones, peleas, primeros escarceos sexuales, borracheras y estupideces propias de la edad. Pero sobre todo ese sentimiento de amistad, de pertenencia a un grupo en el que Stevie por fin encuentra su hueco.
Además, para alguien que haya vivido su adolescencia en los 90 tiene un valor nostálgico añadido: la música, las tablas de skate, la ropa, los disc-man, los videojuegos...

Sólido thriller rodado con una portentosa fotografía en blanco y negro de Robert Burks, "Extraños en un tren" permanece en la memoria como uno de los mejores films del señor Hitchcock. Después del fracaso de sus anteriores películas y de su productora Transatlantic, el director británico volvió a territorio seguro con la adaptación de la novela homónima de Patricia Highsmith. El guión se lo encargó al fantástico autor de novela negra Raymond Chandler, si bien su relación con Hitchcock no fue nada buena, debiendo terminar el trabajo Czenzi Ormonde, ayudante de Ben Hecht. El orondo director no quedó muy satisfecho con el guión, tal y como relató a Truffaut en su famoso libro. Y es precisamente ahí donde la película no es del todo redonda, ya que la historia, después de un arranque expositivo portentoso, presenta algunos agujeros e incoherencias, sobre todo en el tramo final. Sin embargo, es tal la maestría de la narrativa, la sucesión de escenas visualmente impactantes y el suspense a lo largo de todo el metraje, que el espectador, atrapado en su butaca, se ve empujado a la suspensión de la incredulidad. Esto es algo muy recomendable para disfrutar del cine de sir Alfred, porque es bien conocido que, incluso en sus mejores películas, siempre hay situaciones que no resistirían un análisis lógico pormenorizado. Y es aquí donde entran los llamados "amigos de la verosimilitud", que tal y como se ve en ciertas críticas, son capaces de tirar por tierra todos los aciertos y hallazgos cinematográficos de una obra como esta por el mero hecho de que la historia no siga las leyes de la lógica. Refiriéndonos a las propias palabras del realizador, otros autores aspiraban a rodar trozos de vida, mientras que él rodaba trozos de pastel.
Y menudo festín nos legó a los cinéfilos. Ya desde el inicio, con esa magnífica presentación de los dos protagonistas a través de sus zapatos, hasta su fortuito encuentro, acompañado con ese bello plano metafórico de las vías que convergen y se separan. Por no hablar de la muy comentada escena del asesinato, con ese plano inverosímil. Cine en estado puro. Y este es otro punto importante, ya que a Hitchcock también se le acusa de aligerar la profundidad de la historia en beneficio del espectáculo. Pero no hay que olvidar que lo que más le interesa siempre al director es el aspecto visual de la obra y mantener en tensión al espectador, algo que queda claro en escenas como el tour de force del clímax en el tiovivo, o el magistral montaje en paralelo del partido de tenis de Guy y el extravío de Bruno del mechero, donde juega con el tiempo a su antojo. Y es que el lenguaje cinematográfico es muy distinto al literario, ya que, volviendo a citar a Hitchcock, el trabajo del novelista consiste en llenar las páginas de palabras, mientras que el cineasta tiene que rellenar el encuadre de imágenes.
No obstante, pese a los recortes que sufrió el material literario de base y a los estrictos códigos que regían en el Hollywood de los años 50, nos encontramos ante una historia muy oscura (no en vano estuvo censurada en España durante más de diez años). Es especialmente brillante el retrato del villano, Bruno, interpretado por un Robert Walker apabullante, y la dualidad existente con Guy Haines. Bruno es un demente, pero también representa el lado oscuro del protagonista. Guy no se atreve a asesinar a su mujer, porque es moralmente reprobable, pero si pudiera lo haría, y de hecho se beneficia de la acción de Bruno. Por lo tanto es un asesino en potencia, pero cobarde, pues es su doble demoníaco quien le resuelve la papeleta. En ese sentido la elección de un actor como Farley Granger, que parece demasiado débil para su papel, en mi opinión ahonda en esa dirección. Da la impresión en efecto de que Hitchcock retrata a este personaje arribista con cierto desprecio. No cae especialmente simpático al espectador, y su relación con la hija del senador parece una herramienta más para ascender en la escala social. Por tanto, los dilemas morales que presenta la película y la ambigua relación entre Guy y Bruno dotan al film de unos parámetros cercanos al cine negro, y lo hacen más rico si cabe.
En definitiva, pese a sus imperfecciones (especialmente su precipitado final), se puede decir que "Extraños en un tren" es uno de los thrillers más potentes de Hitchcock, que no es decir poco. Comento un detalle en spoiler.

Aunque el talento de Edgar G. Ulmer era más que evidente, y en muchas ocasiones supo sobreponerse a la escasez de medios de los que disponía para crear obras más que notables (en especial ese clásico del cine negro que es "Detour"), en otras la pobreza económica de las producciones se imponía. Este es uno de esos casos, ya que en casi todos los apartados el film se ve lastrado por la escasez de lo que entonces se conocía como la Poverty Row (conjunto de estudios y productoras que realizaban películas de muy bajo coste, de serie B o casi Z). El único punto realmente destacable de "Moon over Harlem" es el hecho de que se trata de una película de cine negro interpretada íntegramente por actores de raza negra, algo que en 1939 muy frecuente no era. Ello le da credibilidad a esta historia de gangsters ambientada en Harlem, con el tema recurrente en Ulmer del intruso que usurpa el lugar del padre de familia con dudosas intenciones, ante la resistencia de su hijastra (hay que recordar que luego en "Extraña Ilusión" volvería a este tema, aunque entonces el hijo era el protagonista). Lástima que los actores no den la talla, se trata sin duda de amateurs, y que el desarrollo de la historia sea bastante plano y previsible. Además, siendo una película de cine negro, las escenas de violencia brillan por su ausencia y las que hay son bastante pobres, con una cámara muy estática. La factura técnica del film tampoco llega a unos mínimos de calidad.
En definitiva, solo para fanáticos y completistas de la filmografía de Ulmer. Esta película viene como extra en la edición de Versus en DVD de "Extraña Ilusión", una película, esta sí, mucho más interesante.