"Sevmek zamani" es una película bastante interesante, ya que reúne dos estéticas bastante diferentes; por un lado tiene una historia y tono bastante amable, casi inocente hasta cierto punto, en donde todo está bañado por una música muy turca, música que quizás para los turcos sea más trágica pero que para mi al menos tiene una sensibilidad liviana y bella.
Por otro lado, la influencia de Antonioni es evidente, rasgo que no se hace pesado ni forzado, no es una copia de Antonioni sino que a partir de esa influencia el director hace una cosa propia, hay muchas escenas en donde personajes miran muy quietos hacia el paisaje y otro montón de imágenes del bosque y la ciudad que parecen estar al lado. Esta influencia de Antonioni está trabajada con una hermosa fotografía, elemento central en la película y que resulta ser lo más destacable, prácticamente todos los planos son bellos y tienen encuadres sugerentes, siempre hay algo interesante de ver.
Lamentablemente la película nunca va más lejos de su bella presentación, el dramatismo de la película se queda corto y el toque Antonioni no termina de salir porque el ritmo de la película es extraño, cada escena pareciera estar pensada por separado, en el montaje final hay unos saltos en el ritmo que sacan al espectador de ese aspecto "contemplativo" que busca construir la película. En síntesis estos dos tonos, lo "Anotnioniesco" y extraño de la historia nunca terminan de mezclarse muy bien.

Esta es una película difícil de clasificar para mi, aunque es una película bastante desconocida a mi me gusta mucho, hay algo extrañamente hipnótico en ella y creo que es una versión más lograda de otras película más exitosas que también buscan crear este clima melancólico y urbano de personajes solitarios, como las de los asiáticos Wong Kar-wai, Tsai Ming-Liang o Hou Hsiao-Hsien.
La mayor parte de "In den tag hinein" ocurre en esa extraña hora en que está amaneciendo o está anocheciendo y todo está cubierto por una luz azulada, esta iluminación es precisamente uno de los elementos centrales del mágico e hipnótico efecto de la película, la directora filma la ciudad y a los personajes con un cuidado que resulta francamente cautivador ya que mezcla muy convincentemente un naturalismo radical y está estética muy cuidada y evocadora.

La película sigue a una mujer joven, Lynn, quien dentro de una vida estable no parece situarse cómodamente en ningún lado, parece aburrida por su novio y tiene problemas domésticos con su hermano y cuñada con quienes vive, conoce casualmente a Koji, un joven japonés que apenas habla alemán ya pesar de casi no poder comunicarse empiezan una amistad en la que ambos se sienten libres.
Pero esta no es una historia triste, tampoco es una historia construida sobre la nostalgia o sobre un esteticismo vacío, aquí todo es más ambiguo, más distante de alguna manera, pero que no por eso es menos humana ni emocionante, un momento que expresa maravillosamente este clima que la directora busca es cuando Koji se encuentra sentado al lado de la ventana de su habitación, escucha una canción que oímos junto a él, la canción es "The big ship" de Brian Eno, esa misma pieza suena en la última escena y da el paso hacia los créditos finales en un momento que conecta estos dos momentos muy bellamente, al igual que está película "The big ship" es de una emoción contenida, que resulta casi catártica en su simpleza.

Hay otras sutilezas muy bellas en varios momentos, por ejemplo hay diversas escenas con agua, vemos peces en una pecera, a la protagonista Lynn refrescando sus pies en fuente en medio del tránsito al comenzar el día y vemos también a ella nadando junto a su novio en una piscina, es como si toda la ciudad en la que transcurre la película estuviera cubierta por agua. La cámara también se ubica con un tremendo cuidado, cuando esta se mueve parece flotar y cuando se queda quieta es en un encuadre que sitúa a los personajes bellamente entre su espacio, hay momentos que resultan casi mágicos por la precisión con la que están filmados y que nos transmiten lo que sienten los personajes, como un bello momento en que los dos personajes centrales miran un avión volando sobre sus cabezas.

Como notarán me es difícil decir algo muy sustancial, al final del día es una simple historia de amor, un trío amoroso pero en donde la directora logra construir emociones como pocas veces he logrado encontrar en una película. La magia está en que todo en este filme desborda sentimiento pero a la vez es todo muy recatado, la directora no pretenda producirnos una emoción particular, a diferencia de filmes como "In the mood for love" aquí no se subraya nada, no se fuerza la atmósfera, sino que se construye un universo totalmente coherente para el espectador en donde podemos sumergirnos una y otra vez para nadar en él.

James Benning desde hace ya décadas se mantiene en la periferia del cine independiente persistiendo en un cine de estilo radical que roza con el arte contemporáneo, sus películas básicamente consisten en series de planos fijos naturalistas, casi siempre mostrando la naturaleza y en donde casi nunca hay alguna persona en la imagen, suele elegir encuadres muy proporcionados y rígidos, los cuales en muchos casos tienen una duración predeterminada, como por ejemplo su película "Ten skies" consiste en planos de diez minutos cada uno en donde vemos nubes, esto supongo que logra despersonalizar su cine, la mirada del mismo Benning se desvanece y no hay nada que destaque especialmente.
Lo que me resulta interesante de su cine y que creo que se expresa especialmente bien en esta película "Small Roads" es que este resulta extrañamente cautivante, como una suerte de "cine ambient" si eso tiene sentido. Pero sobre todo me gusta que la propuesta de Benning va más allá de la calma de la imagen, sino que nos invita a ver mejor, un elemento central en esta propuesta es la dialéctica constante que hay entre esta imagen fría y el sonido, en la misma "Ten skies" por ejemplo, se escuchan disparos o aviones que interrumpen la calma del paisaje.

En este caso particular la fórmula de la película es bastante clara: vemos un pequeño sendero, empezamos a oír a lo lejos un vehículo acercándose hasta que cruza la imagen alejándose hasta que desaparece de nuestra vista y lo dejamos de oír. Una y otra vez se produce esta dinámica de contraste entre la calma de los sonidos del viento, de las aves y de otros elementos de la naturaleza y entre el bullicioso ruido del vehículo. Creo que Benning busca construir una suerte de microcosmos en donde la calma de la naturaleza es dominada e interrumpida completamente por un pequeño vehículo, es sólo cosa de imaginar esta dinámica en una escala mayor y nos queda clara la visión de Benning con respecto a la naturaleza, de alguna manera este es cine ecologista para artistas contemporáneos.
Dicho sea de paso, esta idea sobre la naturaleza queda más clara en la que es su película más lograda y más entretenida (dentro de todo): "Stemple Pass".

Siendo una película buena y entretenida que en algunos aspectos concentra lo mejor del cine de Nolan, se me escapa la genialidad que le ve mucha gente. En primer lugar el enfoque general de la película no me termina de hacer sentido, tanta chimuchina personal con la esposa y la amante no me parece importante para una película sobre el tipo que fabricó la primera bomba atómica. Luego, Nolan ocupa un considerable trozo de la película en el conflicto entre Oppenheimer y Strauss, conflicto que es básicamente el viejo cliché de "hombre mediocre vs genio despreciado", conflicto que está demasiado subrayado y que es básicamente un remake de "The fountainhead", la película de Vidor, gran pieza de propaganda capitalista.

Estas dos grandes historias se muestran a través del otro elemento que no entiendo, que es la estructura no lineal de la película con blanco y negro incluido, todo me parece arbitrario y caprichoso, no me parece que la contraposición entre cada parte agregue algo especial, porque más encima la alternancia no llega hasta el final, no se produce un clímax ni nada parecido. Además que me parece una mala decisión narrativa el querer cruzar a la fuerza estas dos secciones, una que efectivamente es la importante para la historia y la otra que es al final del día una mayor banalidad.

Por último, al ser una película tan explícitamente pro-Oppenheimer rechaza mostrar un par de cosas, omisión que achata la película. El primer ejemplo claro es que Nolan se niega mañosamente a mostrar las víctimas de la bomba atómica ¿como si estos fueran detalles que distraerían al público de poner la atención en nuestro héroe?. El otro ejemplo, y esto ya es una maña personal, es que no detalla la gran, grandísima escala del proyecto Manhattan, hay muchas personas corriendo de un lado a otro y diciendo cosas científicas, pero esto parece más un episodio de Dr. House que una muestra de cómo efectivamente se fabricó la bomba atómica y del gran proyecto que significó para los estados unidos.

Pero bueno, como señalé si es una buena película, sobre todo hasta la explosión de la bomba y el primer tercio en que se define al personaje de Oppenheimer, todo esto con una gran uso del sonido, que si bien se excede por mucho en el uso de la música, tiene otras ideas notables.

"Teenage Caveman" tiene todo para ser un desastre, malos actores, mal guion, presupuesto inexistente y un título francamente ridículo, todo parece indicar que es una película del estilo de "Robot Monster", "Eegah" o del querido Ed Wood. Pero contra todas las expectativas la película funciona, es más que la suma de sus partes, Corman logra darle un ritmo a la historia que te atrapa y entretiene hasta llevarte hacia un final que presenta un giro argumental en principio tan ridículo como todo lo que hemos visto hasta ese momento pero que logra ser totalmente convincente.
Sólo un grande como Corman es capaz de tomar todos esos malos elementos y transformarlos en una pequeña joya, que al final del día no es una obra maestra ni nada que se parezca pero que funciona infinitamente mejor de lo que debería.