Dentro de lo que podemos llamar la “nueva ola japonesa”, llena de películas vanguardistas, extrañas, provocadoras y con intención crítica, Masao Adachi destaca por ser quizás el más radical de ese grupo, sus películas se relacionan constantemente con la política y con la moral de la época en ese Japón de posguerra, siempre con una creatividad formal única. Esta película en particular es una muestra de muchos de los intereses de Adachi pero en un tono más serio y reflexivo.
A partir de la captura de Norio Nagayama, asesino serial de 19 años que conmocionó al Japón de entonces, la película se propone contar su vida, pero lo hace de manera muy distinta a lo que podríamos esperar de una historia de asesinos seriales. Un narrador narra datos sobre su vida sin detallarlos, acontecimientos como lugares donde habitó o trabajó, al mismo tiempo, la película nos muestra esos lugares y las cosas que el asesino podría haber visto, como flores, edificios, calles o soldados.
Todo esto lo vemos junto a un raro y cautivante “free jazz”, música que a pesar de ser extraña e inquietante no es abrasiva, creando una sensación hipnótica. Esa música produce un constante sentimiento de inquietud y extrañeza, lo cual choca con la lentitud y quietud de las imágenes; así mismo podría ser la mente de un asesino serial, llena de voces y emociones que se superponen y chocan con la realidad monótona que no presenta vías de escape.
Dentro de todo lo que vemos se pueden destacar unos camareros, trabajo que también tuvo el asesino en algún momento. Ellos podrían ser eventuales víctimas como también eventuales victimarios, lo que abre la pregunta sobre qué es lo que hace detonar al asesino. También podemos ver soldados y diversos elementos de la cultura estadounidense que son una muestra de la represión política en el Japón de los 60. Adachi al mostrarnos esto pone la cámara generalmente cerca de los objetos, lo que junto al pausado ritmo produce una sensación de claustrofobia que más de alguno puede sentir en las grandes ciudades.
Las aproximaciones que se suelen hacer sobre las historias de asesinos seriales tienden a centrarse en las “pulsiones” del asesino, generalmente de forma amarillista y morbosa, en donde, sobre todo, las explicaciones sobre ese comportamiento recaen en ideas psicológicas o incluso biológicas, en donde el asesino es más bien presentado como alguien con una falla de nacimiento. Adachi se opone de forma radical a ese método, apenas nos habla de él, de sus emociones o de lo que podría pensar, sino que se centra en su entorno, reflexionando no sólo sobre la influencia que tiene la sociedad en el comportamiento de un asesino, sino que también el papel que puede tener ese asesino en la sociedad, como objeto del espectáculo.
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"Sevmek zamani" es una película bastante interesante, ya que reúne dos estéticas bastante diferentes; por un lado tiene una historia y tono bastante amable, casi inocente hasta cierto punto, en donde todo está bañado por una música muy turca, música que quizás para los turcos sea más trágica pero que para mi al menos tiene una sensibilidad liviana y bella.
Por otro lado, la influencia de Antonioni es evidente, rasgo que no se hace pesado ni forzado, no es una copia de Antonioni sino que a partir de esa influencia el director hace una cosa propia, hay muchas escenas en donde personajes miran muy quietos hacia el paisaje y otro montón de imágenes del bosque y la ciudad que parecen estar al lado. Esta influencia de Antonioni está trabajada con una hermosa fotografía, elemento central en la película y que resulta ser lo más destacable, prácticamente todos los planos son bellos y tienen encuadres sugerentes, siempre hay algo interesante de ver.
Lamentablemente la película nunca va más lejos de su bella presentación, el dramatismo de la película se queda corto y el toque Antonioni no termina de salir porque el ritmo de la película es extraño, cada escena pareciera estar pensada por separado, en el montaje final hay unos saltos en el ritmo que sacan al espectador de ese aspecto "contemplativo" que busca construir la película. En síntesis estos dos tonos, lo "Anotnioniesco" y extraño de la historia nunca terminan de mezclarse muy bien.

Esta es una película difícil de clasificar para mi, aunque es una película bastante desconocida a mi me gusta mucho, hay algo extrañamente hipnótico en ella y creo que es una versión más lograda de otras película más exitosas que también buscan crear este clima melancólico y urbano de personajes solitarios, como las de los asiáticos Wong Kar-wai, Tsai Ming-Liang o Hou Hsiao-Hsien.
La mayor parte de "In den tag hinein" ocurre en esa extraña hora en que está amaneciendo o está anocheciendo y todo está cubierto por una luz azulada, esta iluminación es precisamente uno de los elementos centrales del mágico e hipnótico efecto de la película, la directora filma la ciudad y a los personajes con un cuidado que resulta francamente cautivador ya que mezcla muy convincentemente un naturalismo radical y está estética muy cuidada y evocadora.

La película sigue a una mujer joven, Lynn, quien dentro de una vida estable no parece situarse cómodamente en ningún lado, parece aburrida por su novio y tiene problemas domésticos con su hermano y cuñada con quienes vive, conoce casualmente a Koji, un joven japonés que apenas habla alemán ya pesar de casi no poder comunicarse empiezan una amistad en la que ambos se sienten libres.
Pero esta no es una historia triste, tampoco es una historia construida sobre la nostalgia o sobre un esteticismo vacío, aquí todo es más ambiguo, más distante de alguna manera, pero que no por eso es menos humana ni emocionante, un momento que expresa maravillosamente este clima que la directora busca es cuando Koji se encuentra sentado al lado de la ventana de su habitación, escucha una canción que oímos junto a él, la canción es "The big ship" de Brian Eno, esa misma pieza suena en la última escena y da el paso hacia los créditos finales en un momento que conecta estos dos momentos muy bellamente, al igual que está película "The big ship" es de una emoción contenida, que resulta casi catártica en su simpleza.

Hay otras sutilezas muy bellas en varios momentos, por ejemplo hay diversas escenas con agua, vemos peces en una pecera, a la protagonista Lynn refrescando sus pies en fuente en medio del tránsito al comenzar el día y vemos también a ella nadando junto a su novio en una piscina, es como si toda la ciudad en la que transcurre la película estuviera cubierta por agua. La cámara también se ubica con un tremendo cuidado, cuando esta se mueve parece flotar y cuando se queda quieta es en un encuadre que sitúa a los personajes bellamente entre su espacio, hay momentos que resultan casi mágicos por la precisión con la que están filmados y que nos transmiten lo que sienten los personajes, como un bello momento en que los dos personajes centrales miran un avión volando sobre sus cabezas.

Como notarán me es difícil decir algo muy sustancial, al final del día es una simple historia de amor, un trío amoroso pero en donde la directora logra construir emociones como pocas veces he logrado encontrar en una película. La magia está en que todo en este filme desborda sentimiento pero a la vez es todo muy recatado, la directora no pretenda producirnos una emoción particular, a diferencia de filmes como "In the mood for love" aquí no se subraya nada, no se fuerza la atmósfera, sino que se construye un universo totalmente coherente para el espectador en donde podemos sumergirnos una y otra vez para nadar en él.

James Benning desde hace ya décadas se mantiene en la periferia del cine independiente persistiendo en un cine de estilo radical que roza con el arte contemporáneo, sus películas básicamente consisten en series de planos fijos naturalistas, casi siempre mostrando la naturaleza y en donde casi nunca hay alguna persona en la imagen, suele elegir encuadres muy proporcionados y rígidos, los cuales en muchos casos tienen una duración predeterminada, como por ejemplo su película "Ten skies" consiste en planos de diez minutos cada uno en donde vemos nubes, esto supongo que logra despersonalizar su cine, la mirada del mismo Benning se desvanece y no hay nada que destaque especialmente.
Lo que me resulta interesante de su cine y que creo que se expresa especialmente bien en esta película "Small Roads" es que este resulta extrañamente cautivante, como una suerte de "cine ambient" si eso tiene sentido. Pero sobre todo me gusta que la propuesta de Benning va más allá de la calma de la imagen, sino que nos invita a ver mejor, un elemento central en esta propuesta es la dialéctica constante que hay entre esta imagen fría y el sonido, en la misma "Ten skies" por ejemplo, se escuchan disparos o aviones que interrumpen la calma del paisaje.

En este caso particular la fórmula de la película es bastante clara: vemos un pequeño sendero, empezamos a oír a lo lejos un vehículo acercándose hasta que cruza la imagen alejándose hasta que desaparece de nuestra vista y lo dejamos de oír. Una y otra vez se produce esta dinámica de contraste entre la calma de los sonidos del viento, de las aves y de otros elementos de la naturaleza y entre el bullicioso ruido del vehículo. Creo que Benning busca construir una suerte de microcosmos en donde la calma de la naturaleza es dominada e interrumpida completamente por un pequeño vehículo, es sólo cosa de imaginar esta dinámica en una escala mayor y nos queda clara la visión de Benning con respecto a la naturaleza, de alguna manera este es cine ecologista para artistas contemporáneos.
Dicho sea de paso, esta idea sobre la naturaleza queda más clara en la que es su película más lograda y más entretenida (dentro de todo): "Stemple Pass".

"Teenage Caveman" tiene todo para ser un desastre, malos actores, mal guion, presupuesto inexistente y un título francamente ridículo, todo parece indicar que es una película del estilo de "Robot Monster", "Eegah" o del querido Ed Wood. Pero contra todas las expectativas la película funciona, es más que la suma de sus partes, Corman logra darle un ritmo a la historia que te atrapa y entretiene hasta llevarte hacia un final que presenta un giro argumental en principio tan ridículo como todo lo que hemos visto hasta ese momento pero que logra ser totalmente convincente.
Sólo un grande como Corman es capaz de tomar todos esos malos elementos y transformarlos en una pequeña joya, que al final del día no es una obra maestra ni nada que se parezca pero que funciona infinitamente mejor de lo que debería.