No vi en su momento Annabelle, debido a que el tráiler me daba a entender que estaba frente a una remake de Chuckie, el muñeco diabólico.
Hace un par de semanas atrás constaté que no sólo me había equivocado sino que, encuentro el último producto de James Wan (aunque figura tercero en la producción), tanto igual como que, me animaría a decir respecto de Annabelle, ésta se posiciona un escalón por encima de, El conjuro.
Siguiendo la traza ambientalista de los setenta (fascinante caldo para narrar historias terroríficas), John R. Leonetti - iluminador excepcional de Insidious 2 y Sentencia de muerte-, toma esta historia de la muñeca brava, para contarnos cómo llegó a la vitrina de los Warren. Y para causar sugestión en el público a lo largo de la precuela, sólo le basta a Leonetti cambiar la apariencia del muñeco, no obstante, este hecho sucede por una inteligente indicación del guión (incendio pochoclero); no como derivación oportunista del mal que pasó a habitar al muñeco, y que trasciende a espantajo. Y me parece un punto valioso a la hora de degustar el filme porque, son detalles que dan cuenta de la elaboración precisa del guión, cuyo rédito irreductible redunda en la credibilidad de aquello que se nos está refiriendo.
El gran acierto de Leonetti/Dauberman, resulta ser precisamente el plus místico que le imprimen al fantoche en cuestión, cuyas derivaciones podrían conducir al film a posicionarlo como un clásico del género (¡no!, no es una exageración).
La puesta en escena de John R. Leonetti, resulta ser soberbia a través de los sucesivos planos que le confiere a la muñeca, y la prueba sobrada de la sabia decisión que tomó el director, es que cuanto más imperturbable la fotografía, más crece nuestra ansiedad conforme pasan los minutos. Tal quietud espolea nuestra fantasía; así funciona siempre desde que Fritz Lang lo postuló magistralmente en M, el vampiro.
Encuentro puntos más que interesantes, tanto en la estética como en la rigurosa puesta en escena, que me recuerdan a Rosemarie Baby, y que me llevan a pensar que los ejecutores de esta joyita se nutrieron del filme de Román Polanski. Por ejemplo cuando la cámara toma el punto de la subjetiva del personaje de Annabelle Wallis, que, herida y en el piso de la habitación, registra lo que sucede al ingresar la policía. La secuencia, de un refinamiento visual contundente, se emparenta con aquella en que Rosemarie, es narcotizada para luego ser poseída por el anticristo en persona.
El otro momento remite a la secuencia del ascensor (in)quieto, en donde luego de que sus puertas se abren un par de veces, vemos desde los ojos de Mia, el cochecito de bebé de color negro al fondo del pasillo, junto a la silueta diabólica (ésta última, me la habría ahorrado).
En suma, a Annabelle, hay que degustarla pero antes, desentiéndanse de cualquier muñequito que haya en la repisa.

Honeymoon, remite a esos cuentos de anticipación narrados a partir de mediados de 1950. Sin ir más lejos hace poco leí, Más que humano (Theodore Sturgeon), y lo menciono porque en un punto de la visión del filme, de manera inconsciente tracé un paralelo con cierto momento de la novela, en donde la sugestión que genera el relato hacia el lector (espectador) es excluyente.
Aquí sentí lo mismo… ¡Y es sumamente interesante esta novel directora!, ya que apuesta por el público; quiero decir, estimula nuestra imaginación. Creo que el filme de Janiak homenajea al cine, dejándonos con más incertidumbre que certezas: Acaso ésa luz cegadora, parece cualquier cosa menos algo terrenal. ¿Recuerdan Los elegidos?
No puedo reprocharle absolutamente nada a Leigh Janiak; es más, contrario a algunas opiniones, considero que si Janiak hubiera saciado a la audiencia con algún golpe bajo a los pocos minutos de la película, ésta habría sido tal vez una más. Pero no, confió en su instinto y nos obsequió una primera parte extraordinaria en donde, precisamente esa carencia de efectismos nos lleva a pensar que esto va en serio, ergo nos enderezados en la butaca porque estamos en presencia de un artesano. Ésa forma de encaminar el relato, habla de alguien que ya tenía definida claramente la película en su cabeza. Veremos más adelante con el próximo proyecto, si esto no fue una casualidad.

El maestro Darío Argento, destapa el sarcófago del vampiro más famoso de la literatura y el cine, para entregarnos una obra desopilante.
Argento nos mete de lleno en la ficción, para desencantarnos automáticamente a pocos segundos de iniciado el film.
El director realiza una declaración de principios en la primera escena de la película. En ella queda claro que, no hay historia, no hay actuaciones; sólo jolgorio y desenfado.
Darío Argento pervierte deliberadamente el cuento gótico del inmortal chupasangre, saboteando el mismo tanto como puede. En contraste nos concede una clase gratuita de cine.
Resulta admirable el minucioso estudio del espacio tiempo que realiza el director, para reemplazar la falta absoluta de guión; suprimiendo por completo los tópicos verbales.
El italiano se toma todo a la chacota y nos conduce al delirio cuando inunda la pantalla con moscas digitales, llegando al borde de la alucinación con la mantis religiosa. Aquí Darío Argento realiza un guiño a uno de sus ídolos, Alfred Hitchcock:
En la onírica escena del insecto, el verde es esencial como lo es en el film Vértigo. En aquel, Scottie completa la transformación de Judy. La vemos a transformada en Madeleine e iluminada por el verde de neón que ingresa por la ventana de la habitación del hotel.

Un indicativo que evidencia la deliberación existente en Argento por realizar una versión decididamente trash de Drácula, se halla en el desenfreno que manifiesta el director por echar por tierra cualquier atisbo de seriedad que exprese el no-guión.
El genial director nos recompensa tales dislates, por intermedio de la utilización de la cámara y el trabajo de montaje; luciéndose en el refinamiento visual que ostenta en secuencias como la del establo.
El gran maestro deja indicios inequívocos que indican que no está de vuelta para llevar a cabo una bufonada que no sea meditada. Como resulta ser a modo de muestra, la banda de sonido. En momentos suena marcadamente trash; parece extrapolada de films de Ed Wood, en otros, alcanza ribetes que la enlazan al film de Coppola. Un ejemplo es la escena en la que el conde le arrebata a Tania su presa, para bebérselo él.
Darío Argento homenajea al cine basura como lo hacen los grandes: haciendo gala de un consumado oficio.

SALVAJES, intenta ser provocativa y en cambio es aburrida, que es lo mismo que decir mala para el caso.
Chicos lindos con menos carisma que una tortuga, al servicio de un guión carente de estructura dramática y que Oliver Stone siguió al pie de la letra, a juzgar por algunas resoluciones dignas de un director amateur televisivo.
Stone vituperó una historia que en manos de otro artesano pudo haber derivado en un producto digno.
Definitivamente esta película se aleja del otrora director de ASESINOS POR NATURALEZA. Aquí se entremezclan personajes mal bordados y alentados por un hilo conductor que ejerce su poderío a modo de una fuerza centrípeta, para hacer desbarrancar, insisto, una historia que daba para realizar un gran film noir.
Poco sirve señalar que la elección de los protagónicos no fue acertada, o que hay personajes caricaturescos, cuando no impresentables (Hayek), porque de todos modos el film es tan aburrido como insustancial.
Lo mejor de la película es el tema musical de George Harrison. Una pena que el resto no acompañe.

El ambicioso proyecto de Pablo Trapero, no genera empatía con el espectador.
El film se encarama en un guión inconsistente, causando un notorio perjuicio en la puesta en escena. Esto traslada la coexistencia de diálogos deficientes y digresiones en la trama; llevando a que este caro producto se diluya con mucha pena y poca gloria.
En ese sentido, se pretende de manera excluyente el supuesto por parte del espectador, aquí donde el guión debió ahondar más exhaustivamente. En el caso que nos ocupa, se percibe la ausencia de acciones preliminares para involucrar al público en la odisea. Si bien hay esbozos en las imágenes, estas funcionan de manera inter dependientes, como cámaras estancas. Produciendo fisuras que subsisten de manera más antojadiza, que en el correlato dramático.
Otra cuestión, es que hay demasiada explicación acompañada con una cámara que sigue a los personajes inexorablemente; constituyéndose este artilugio como un tópico manierista. En consecuencia; observamos travellings elaborados y, en contrapartida, planos generales estáticos. En medio de esto, nada. La narración se hubiese beneficiado con otras variantes, resultando para ello primordial, el estudio minucioso respecto del espacio temporal* en la sucesión de planos, que aquí pervierte su significación revelando un montaje ramplón. Hallamos secuencias que desde lo formal resultan reiterativas, prorrogando la inercia del travelling para acompañar al personaje pertinente, en sus constantes explicaciones de cuanto sucede.
Enfatizo: la película se niega a emplear un lenguaje visual que pudiera conferir excelencia a las acciones, causando un daño mayúsculo, por no existir un vehículo catalizador que acompañe al relato. Una pena.