El cine americano no es que tenga una larga tradición en la crítica mordaz a su propia sociedad, pero si que ha dado varias joyas que tomaban -ligeramente- este camino. Nomadland se queda suspendida entre esa crítica y cierta sensación de bonhomía que justifica un estado de la pobreza que es del todo inadmisible en una sociedad justa.
No la justifica por el sistema en sí, sino por un entramado social que lo sublima como algo aceptable y digno. No produce ira, rabia o desprecio, más al contrario, parece ser que estos nómadas nacieron para aceptar su situación, abrazarla y vivir en consecuencia. En este sentido puede pensarse que Nomadland es una película condenscendiente. Pero la impresión real es que es de esas cintas-espejo que te devolverá tus sensaciones en forma de emociones. Porque igual de aceptable es la argumentación que sostiene que el tono melancólico, solitario y vacío que de alguna forma subyace en los personajes, más perdidos de lo que reconocen, es suficiente manifiesto para posicionar la película en el lado de la crítica social.

En cuanto su propuesta formal, Nomadland es un film que destila lo mejor del indie condensado en una propuesta escénica que va de lo sobrio y formal a lo poético, con tomas largas y primeros planos que encuadran los ojos en busca del alma de los personajes. Alma que no siempre está donde se presupone.
Una propuesta valiente y acertada para traer la sensibilidad de casa.

Con una propuesta de puesta en escena potente y un ritmo de gran precisión en el montaje, 'La piel del volcán' se erige como la gran sorpresa del año y convierte a Armando Ravelo en el cineasta a seguir del archipiélago.
Las tres historias, ubicadas en 1483, 1940 y 2021, se mezclan en una especie de trenza a través del tiempo cuyo resultado son 90 minutos de pasión cinematográfica. Porque es la pasión lo que mueve a la historia en uno y otro sentido y es la pasión lo que transmite un equipo al que se adivina entregado a la historia. Es de esas películas.

Un mensaje universal en una historia local que transciende lo general y se adentra en lo personal a través del tiempo. El director demuestra destreza para contar una historia sencilla y compleja al tiempo, sustentada sobre un reparto que se revela como magistral. Cabe destacar la figura monumental de Yanely Hernéndez en sus tres encarnaciones (aborigen, posguerra y actualidad) y a un Mingo Ruano que, de no ser por lo desconocida que resulta la cinta en el resto de España, se merecería todos los premios que recibiera. Maykol Hernández, al que descubrí en la serie Hierro, y que aquí realiza una interpretación memorable, completa un trío protagonista de primer nivel. Todo el elenco realiza un trabajo brillante con personajes bien construidos y desarrollados que cumplen su función de manera precisa en la trama.

Una fotografía que baila entre lo académico, la cámara al hombro y algunos planos secuencia de gran ejecución técnica y artísticia, cambiando según la época que se narre en el momento, da un lustre que uno no espera de una película de tan bajo presupuesto.
La música merece una mención especial. La partitura a cargo de Navid Hejazi emociona y sobrecoge a antojo de su creador.

Todo lo dicho sumado a unos aspectos técnicos cuidados, con alguna deficiencia en el diseño sonoro perdonable, elevan la cinta por encima de cualquier estreno nacional de los últimos años y la encumbra como una cinta que está llamada a formar parte de la historia del cine español como la gran aportación del Archipiélago Canario a la filmografía nacional.
Armando Ravelo es, con hechos demostrados, la gran esperanza del cine canario.

El título de esta crítica no obedece a cuestiones técnicas o formales. Se refiere más bien a una narrativa que combina todo lo que emociona del arte del cine y lo despliega en un metraje listo para los que quieran disfrutar de un viaje a través de las emociones al servicio de lo audiovisual y viceversa. Porque no hay nada en la obra maestra de Iñárritu que no esté diseñado para introducirnos de cabeza y corazón a un relato que se despliega desde lo más profundo hasta lo más grande de la vida, desde el amor a la supervivencia.
El arquetípico viaje del héroe se viste de hombre primario, o más bien primigenio, que se ancla a la vida con el deseo ardiente de vengar un amor. El estiércol y la semilla conviven para germinar en una lucha continua hacia delante.

DiCaprio ocupa el espacio del personaje de una manera rotunda y definitiva y es ante el claroscuro que ofrece la figura de Tom Hardy como némesis, que se componen como un dúo para la Historia del cine.
La espectacular mano del director mejicano para aterrizar conceptos elevados en situaciones límite transita toda la cinta a través de increíbles planos pictóricos y seuencias de una sola toma con coreografías al alcance de los auténticos maestros del cine. Lubezki aporta toda su poética a la fotografía que se convierte en el personaje que dota de sentido a toda la metafísica de la historia a través de la imagen.

En definitiva, una obra cumbre del cine que abre un camino nuevo en el cine con la mezcla de emoción, sentimiento y virtuosismo que supongo, es el futuro.

Este retrato de una España que estaba a punto de morir deja un sabor de boca agridulce entre chistes propios de la época y una realización digna del genio de Berlanga. La puesta en escena es lo más interesante de un film que a veces marcha a la deriva con la zafiedad como compañía.

Se le reconocen varios aciertos, como cierta crítica mordaz y avezada a la sociedad burguesa del momento y un ritmo que no decae.

No es de las mejores de Berlanga, pero siendo de él ya merece la pena el visionado.