Con un protagonista que observa desde su puesto de control es como el director presenta la historia a desarrollar. La labor que desempeña este personaje en su trabajo será la misma que la del espectador, una apreciación pausada y minuciosa de los hechos. Aquellas acciones marcan el ritmo que maneja la película, un ritmo lento y contemplativo, donde la cuidadosa fotografía transforma lugares y acciones comunes en imágenes que parecen congeladas, como si el tiempo allí transcurriera a una velocidad inferior y no importara lo ocurrido dentro del cuadro, sino mas bien la forma en la que se presentan los elementos que componen aquel cuadro, pues la mayoría de las veces no resulta relevante para el argumento tanta atención en los detalles o en las escenas en las que se enfatiza una especial atención, este recurso se convierte mas es una marca estética del director.
Tras aquella cuidadosa fotografía existen elementos claves para la construcción de la película. El claro oscuro, la sombra y los altos contrastes cuentan la parte que no se ve, ocultan información y generan el misterio que debe resolverse con el desarrollo de la historia.

Aunque la película surja como una adaptación literaria, la historia parece no importar, esta es mas bien una excusa para, a través del cine generar un discurso de libre interpretación en cada espectador. Esto no quiere decir que El hombre de Londres sea una película vacía o carente de argumento, mas bien puede entenderse como una obra que se apoya en una historia ya construida desde la literatura que se re-interpreta a través de una estética propia del director.

Película marcada por el contraste entre música, movimientos de cámara y cortes abruptos entre planos, una fragmentación detallada que indican y resaltan elementos relevantes en la historia. Una puntuación detallada que generan un ritmo contrapuesto a la velocidad de la música, la cual no se rige por una estructura determinada, sino que opta por la improvisación. De esta misma manera responde la construcción y la presentación de la historia que se cuenta. No de manera improvisada, sino mas bien de un gran dinamismo, llena de pequeños saltos temporales que yuxtapone escenas de diversas cargas dramáticas entre si con una cuidadosa composición fotográfica, la cual a través del plano general, que como limite frecuente, enmarca la historia y desarrolla las acciones a través del movimiento de la cámara.

La película, al igual que en la mayor parte de la filmografía de Tony Gatlif retrata la cultura gitana, que en este caso se desarrolla en Francia, al igual que lo ha hecho en España o Rumania, mostrando diversas comunidades gitanas, sus diferencias y similitudes. Swing mezcla una gran diversidad cultural, añadiendo elementos árabes y judíos, los cuales realizan sus aportes a dicha cultura.

Este retrato etnográfico es presentado de un modo que limita con los realísimos creados a través de la historia del cine, y a modo documental presenta testimonios y situaciones que evidencian la historia de aquella comunidad, vistos desde una perspectiva infantil.

Película dirigida por el español Jaime Rosales. La historia se centra en la vida de dos mujeres, Adela, madre soltera en busca de cambios en su vida y Antonia, personajes que se construyen a través de los seres que las rodean, su familia, entorno y circulo social.

Al mejor estilo de Kieslowski en ¨La doble vida de Veronica¨ la historia de Adela es contada por separado de la de Antonia, sin encontrar una relación de la una con la otra, por lo menos al inicio, caso visto también en ¨Código desconocido¨ de Michael Haneke o en el que para mi resulta ser el mayor referente a esta obra, ¨71 Fragmentos de una Cronología del Azar¨, también de Michael Haneke.

El titulo da por entrada un acercamiento sobre lo que tratara la historia, la soledad, idea que se enfatiza en la forma como se construye el espacio en la película, que toma el recurso de la pantalla dividida y crea una ilusión de continuidad espacio-temporal, ilusión pasajera que se desvanece rápidamente, pues los movimientos que realizan los personajes dentro de este espacio transgrede la misma temporalidad espacial. Es decir, en estas pantallas se recrea un lugar, donde aparentemente la segunda es el complemento y la continuación de la primera, pero al interferir el movimiento esta ilusión desaparece.

Esta construcción del espacio permite separar de una forma tangente a los personajes, pues aunque aparentemente se encuentra uno muy cerca del otro la distancia entre ellos no es medida en términos físicos, enfatizando así en la idea de soledad.

Mientras la historia avanza se revelan hechos que la hacen cada vez mas compleja, esto no se debe a su estructura o a la forma en la que esta contada, sino por el enlace de los diferentes personajes que van haciendo su aparición, al igual que en los referentes mencionado anteriormente, aquellos personajes que aparentemente no poseían conexión alguna comienzan a involucrarse entre si resaltando diferentes grados de incomunicación aislamiento y soledad.

Si la dirección de una película comienza con el momento de la elección del argumento y si por dirección se entiende la construcción plena de la obra, la cual afecta ritmo, armonía y unificación de una serie de elementos provenientes de diferentes fuentes, la cual por supuesto no es la única definición para este concepto, pero que sin embrago será la utilizada para este caso, ¨La Soledad¨ podría ser un gran ejemplo de como un director compone e interpreta una obra solida unificada en términos conceptuales, la cual se complementa a si misma mediante el uso de los diferentes recursos narrativos, pues la elección de encuadre, el poco o nulo movimiento de cámara , la pantalla dividida y su construcción espacial ,la dirección actoral y el ritmo apuntan hacia un mismo objetivo.