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Críticas de kikemorey
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Críticas 60
Críticas ordenadas por utilidad
4
10 de diciembre de 2016
41 de 63 usuarios han encontrado esta crítica útil
No me gusta la poesía. Puedo apreciar algunos versos, alguna rima, y mejor si están musicalizadas. Pero me falta sensibilidad para comprender y disfrutar de poemas completos. Soy más de “presentación, nudo y desenlace”. Y me equivoqué con está película que iba mucho más de lo primero que de lo último.

Paterson, además de ser un suburbio de New Jersey -con la comunidad peruana más grande de los EE.UU.- es el nombre del protagonista, un tranquilo conductor de autobús que vive con su novia y su perro, y que en sus ratos libres se dedica a escribir poesía, inspirándose para ello de las cosas más sencillas como unas cerillas o el despertar luminoso de su pareja.

“Inteligente y emocionante” dice Vanity Fair. ¿Inteligente? Se trata de una semana convencional en la vida de un tipo convencional. ¿Emocionante? No la sentí en ningún momento a excepción de una escena que es tangencial a la vida del personaje principal. “Adam Driver es uno de los mejores actores de la actualidad” según Time. Puede ser. Pero su contenida actuación -mejor que el olvidable chiquillo malcriado de Kylo Ren- tampoco es para reventarle tantos cohetes -me hizo acordar al anodino papel de Bill Murray en otra aburrida película de Jarmusch, “Flores rotas”-.

Lo cierto es que hace mucho tiempo que no bostezaba tanto en una película. Me pareció que se quedó solo en la fase de presentación de la clásica estructura argumental. Una larga presentación de casi dos horas. De ritmo muy pero muy lento, tampoco es que hubiera mucha poesía en su interior -“La gran belleza”, por ejemplo, no me gustó pero le reconozco la intención de mostrar algo que a mí me tiene muy distante-. Aquí todo muy cotidiano, demasiado mundano, sin metáforas, bastante comprensible. Solo es la semana de un tipo que lo ves pasar, rutinario y sin mayor trascendencia.

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kikemorey
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Amy (La chica detrás del nombre)
Documental
Reino Unido2015
7,3
12.689
Documental, Intervenciones de: Amy Winehouse, Mitch Winehouse, Salaam Remi, Mos Def ...
7
10 de agosto de 2015
8 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
La facilidad de estos tiempos para grabar en video cualquier situación -por más insustancial que puede parecer en ese instante- permite contar con una gran cantidad de archivo documental para sostener la biografía visual de cualquier personaje contemporáneo. La principal virtud de Asif Kapadia –el director de este documental sobre la vida de Amy Winehouse- es extraer de ese cúmulo de imágenes, lo más revelador y trascendente para contarnos, de una manera cruda, la trágica historia del mito más reciente de la escena musical.

Kapadia contó con el apoyo de la familia de Amy Winehouse para hacerse de material inédito y conseguir un centenar de entrevistas con personas que estuvieron relacionadas de manera cercana con la malograda cantante. El resultado es un compendio cronológico que abarca desde los primeros años de su anónima adolescencia hasta su prematura muerte ya como una artista de fama mundial.

El documental narra la transformación que sufre el personaje en su rápido, duro y, de alguna forma, involuntario camino hacia el estrellato. Destinada a convertirse en la mejor voz de su generación, los pasos que daba la cantante no estaban exentos de excesos, escándalos y de relaciones tóxicas como la que tuvo con quien finalmente llegó a ser su esposo. Todo ello era lo que le servía para componer las canciones que se convertirían éxitos de venta, aunque luego le pasara factura a nivel personal. Su primer manager en una escena de la película lo resume con una frase lapidaria: “Back to black fue un disco que nunca debió existir".

La edición se asemeja al rockumental sobre Kurt Cobain “About a son” -en el que es el propio Cobain quien va contando la historia a partir de grabaciones caseras y entrevistas- y se complementa con el audio de las conversaciones a su entorno más intimo. La música de Winehouse tiene la relevancia esperada y sus letras toman más sentido cuando se enlaza con las secuencias de su vida. En términos generales, es una muy buena producción que deja al final una sensación de desolación y cuestiona el papel que tuvo la familia, los medios y hasta su público más fiel en la desaparición de una de las mejores cantantes del siglo XXI.

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kikemorey
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8
5 de agosto de 2014
8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Pero no basta con que sólo escuches música. Debes tener la capacidad de sentirla y de poder separar los sonidos de los instrumentos que la componen. Que te levante el ánimo cuando más lo necesitas o que te lleve al desastre con una inoportuna frase. Que te lance por mundos imaginarios y que te recuerde situaciones en las que nunca has estado. Sólo así disfrutaras de todo el potencial que tiene esta gran película del intermitente director John Carney, quien además escribe y compone algunas de las canciones de su excelente banda sonora.

Mal catalogada como comedia romántica, se trata de un musical de los nuevos tiempos en el que los temas se infiltran de manera subrepticia, como parte de la propia historia. El subtítulo en ingles, “Can a song save your life?”, da una idea más completa del argumento: Gretta –una esplendida Keira Knightley- es una cantautora británica que acaba de ser abandonada por su novio de toda la vida –el solvente Adam Levine, el cantante de Maroon 5- una vez que este se convierte en el ídolo musical del momento. Un amigo la convence para tocar una noche en un bar de Nueva York y es cuando la escucha un productor de discos en ruina –Dan, un buen papel para un convincente Mark Ruffalo- quien le propone hacer un disco teniendo como fondo el sonido de la propia Gran Manzana.

La realización del disco es toda una aventura, desde la convocatoria de los músicos que los acompañan, hasta la propia grabación en exteriores, con niños jugando por las calles, vecinos que se quejan del ruido a deshora y coches que no dejan de transitar. En medio de este proceso, Gretta y Dan van dejando atrás sus propias penurias y se enfrentan con renovados ánimos al reto de sacar adelante el proyecto.

Hay comedia, drama, romance y mucha, mucha música compuesta por Gregg Alexander -quien fuera líder de los New Radicals- que son interpretadas con brillo por el reconocido Levine y la sorprendente Knightley. Con varias escenas rodadas con cámara en mano, la edición cuenta con acertados flash-backs que nos ayudan a comprender el pasado de los personajes. La cinematografía de Yaron Orbach nos regala hermosas imágenes de Nueva York, tanto de día como de noche, que las convierte casi en un personaje más de la cinta.

No tendrás carcajadas pero sí muchas sonrisas. No tendrás llanto pero sí una buena melancolía. No serán las canciones de tu vida, pero no dejarás de tenerlas en mente durante unos días. Un oasis de buen gusto dentro de la mediocre cartelera del verano español.

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Serrat y Sabina: El símbolo y el cuate
Documental
España2013
6,5
706
Documental, Intervenciones de: Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina
7
6 de octubre de 2013
8 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Es innegable que la segunda gira en conjunto de Sabina y Serrat tuvo más éxito en Latinoamérica que en España. Mientras que por aquí las expectativas fueron menores al anterior tour “Dos pájaros de un tiro”, del otro lado del Atlántico la gente acudió en masa y abarrotó las más de ochenta funciones de “Dos pájaros contraatacan”.

Como quizás sea la última oportunidad de ver juntos a dos de los mejores cantautores de nuestro tiempo, la inversión debe rentabilizarse al máximo: disco con nuevas canciones compuestas al alimón, DVD con conciertos en el Luna Park de Buenos Aires, diccionario de Luis García Gil explicando el universo de ambos artistas y ahora este documental de Francesc Relea, presentado en el último Festival de San Sebastián, que busca inmortalizar en el cine el paso del “símbolo” (Serrat) y el “cuate” (Sabina) por territorios americanos.

Menos mal que el guión, del propio Relea, se enfoca más en la relación especial que tanto Sabina como Serrat tienen con México, Argentina, Perú, Uruguay y Chile antes que en la vivencia de la propia gira. Los kilómetros recorridos sirven como base para explicar su participación y relevancia en la vida política y social de esos países en los últimos cuarenta y cinco años.

Luego de un falso y forzado travelling inicial que intenta mostrar el proceso de composición de los nuevos temas, el documental muestra imágenes de archivo y entrevistas con periodistas, artistas e intelectuales acerca de sucesos tan trascendentales como las manifestaciones sociales, las dictaduras militares y la vuelta a la democracia. Todo ello salpicado de imágenes y canciones que marcaron la vida de una generación y que ahora se interpretan en auditorios colmados de gente de todas las edades.

La edición transmite emoción y un ritmo narrativo que en general no decae, a pesar de un par de secuencias: hay alguna inexactitud cuando se dice que Serrat estuvo prohibido, aunque no manera manifiesta, por la dictadura de Fujimori en al Perú con la intención de presentar similitudes a lo que sí está registrado en países como Argentina y Chile. Y en segundo lugar, las escenas del hospital de Buenos Aires, en las que se intenta conseguir la consternación de los espectadores, es un recurso innecesario para quienes somos de lágrima fácil de sólo escuchar las canciones que forman parte de nuestra propia historia.

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kikemorey
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7
8 de abril de 2014
6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Antes de saber que mi destino me llevaría a tierras vascas, descubrí haciendo zapping en Lima un programa de humor en el Canal Vasco en el que se hacía mofa de sus propios tópicos: la exageración, el acento, el culto por la comida y la buena bebida, el mal tiempo y hasta temas más “delicados” como la independencia y el terrorismo etarra. “Vaya Semanita” se convirtió en el programa más visto en Euskadi durante muchos años gracias a un equipo que basó su comedia en lo más sano y terapéutico: reírse de uno mismo.

Borja Cobeaga y Diego San José formaron parte de ese éxito televisivo y este año son los guionistas del, sorpresivo, mayor taquillazo español de los últimos años. La historia del andaluz que se enamora de una vasca en un fin de semana en Sevilla y que viaja a la Euskadi profunda en busca de su amor ha sido lo más visto en las últimas tres semanas. El gracioso Dani Rovira cumple haciendo de Rafa, el protagonista que tiene que imitar el acento vasco para evitar enfrentarse con el padre de la guapa Clara Lago: un enorme Karra Elejalde. Su actuación como “Koldo” es lo mejor de la película. Es un pescador con más de mil batallas, tosco, bruto de formas, que abandonó a su hija por irse a la mar hace algunos años y que quiere recuperar el tiempo perdido ahora que se han vuelto a encontrar.

Completa el cuadro actoral Carmen Machi como la viuda que ayuda a Rafa para conseguir a la chica. Además se acompañan de un grupo de personajes secundarios que hacen la trama mucho más divertida: los amigos sevillanos del protagonista –llenos de prejuicios contra las “vascongadas”-, los abertzales radicales que convierten a Rafa en su líder borroka y el cameo de algunos de los actores de “Vaya Semanita”.

Filmado en los bellos paisajes de Zumaia y el puerto de Getaria (Guipúzcoa) es una cinta entretenida, con divertidos diálogos y gags que producen sonoras y largas carcajadas –la llegada de Rafa en el autobús a Euskadi o la referencias al peinado de las chicas vascas-. Fuera del debate político que haya podido generar, “Ocho apellidos vascos” es una película que demuestra que los tiempos del terror han pasado y que vivimos en una nueva etapa donde se puede hablar de cualquier tema con tolerancia y sin complejos.

http://kikemorey.wordpress.com/
kikemorey
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