Más que una simple crítica al Opus Dei, Camino resulta una película cristiana (y gratamente cristiana, para mi sorpresa), que reflexiona sobre Dios, sobre la vida y la muerte, sobre como nos enfrentamos a ella, y que está repleta de mensajes, de interpretaciones varias. Una curiosísima mezcla entre Wit, Bailar en la Oscuridad y Marcelino Pan y Vino, mejorando las anteriores. Una especie de Pasión de Cristo atea de lo más interesante. Es una película excelente por la cantidad de estratos de significación que posee, es difícil encontrar una película con capas, una película que dice tanto lo que se ve, como lo que quiere decir todo esto que se ve. Su ambivalencia es lo que más valor le da a este film, su doble e incluso triple interpretación de ciertas escenas. Unamos a todo esto, como no, las excelentes interpretaciones de los actores, los efectos especiales, y la banda sonora que, personalmente, me fascina.

En su contra, en cambio, juega el ansia de hacer un producto comercial, de jugar con las emociones del espectador de mala manera. Fesser hace uso de triquiñuelas para hacer llorar con la misma perversidad que pretende hacernos reir con películas como Mortadelo y Filemón, o el Milagro de P. Tinto, pero en este caso es peor, porque hacer llorar es mucho más sencillo que hacer reir. Su uso del dolor, de cebarse en la desgracia en un in crescedum, finalmente provoca desencanto al espectador avezado, que termina por no "creerse" la película. Es una pena que este drama tan interesante, Fesser lo haya convertido en un dramón digno de Marcelino Pan y Vino. Los espectadores saldremos llorando a moco tendido, rasgándonos las vestiduras pensando "pobrecita la niña", pero, ¿habremos entendido su mensaje? No cabe duda que sin embargo Fesser ha conseguido su cometido, llenarse los bolsillos y conseguir premios a punta pala, pero el San Benito de director comercial no se lo va a quitar. Lo que pudo ser un 10, y no lo es por su ansia monetaria. Y si no, ¿cómo una película que se supone que ocurre en una época anterior al Euro, está llena de anacronismos: pantallas planas de ordenador en las que se ve claramente la marca Dell, cabinas telefónicas modernas con el símbolo actual de Telefónica... Todo está lleno de publicidad por todas partes, ¡qué asco!, la última escena con el primerísimo plano de las zapatillas Converse, convierte un momento emblemático en un anuncio publicitario...

Voy a ser breve: ¿Pagarías 12€ por ir al cine a ver una película extranjera en versión original subtitulada? No, ¿verdad?

Esta película la vi en VOS (subtítulos en francés) en la ciudad francesa de Nancy. El cine estaba lleno. Totalmente lleno. Ni siquiera era el día del estreno, la película llevaba semanas en cartelera.

¿Será que nadie es profeta en su tierra? Será eso.

No olvidaré nunca la siguiente escena: La contemplé en el espectador del asiento de al lado. Era un anciano que lloraba emocionado mientras escuchaba "Volver" cantada por Estrella Morente.

La última película que vi de Woody Allen completa, debió ser El Dormilón... cuando tenía 6 años... Y me gustó, oye. Desde ese tiempo hasta hoy tanto el cine de Woody como yo hemos cambiado mucho, y nos hemos distanciado. La ventaja de todo esto es que pude ir a ver Vicky Cristina Barcelona, sin tener prácticamente ninguna idea preconcebida de las obras de Woody Allen.

El caso es que esperaba mucho más del famoso director. Para empezar, ha habido algo que he detestado, y no sé si Woody Allen tendrá costumbre de hacerlo, pero, es que no soporto el abuso en esta película de la voz en off. La mayor parte del tiempo es innecesaria porque nos expresa cosas que ya vemos a través de las imágenes, y otras veces cuenta otras que tendríamos que verlas. Para mí, usar una voz en off ¡¡es trampa!! El cine es imagen, no digo que no esté mal usar la voz en off alguna vez, especialmente con las adaptaciones de novelas (ej. Barry Lyndon de Kubrick), pero el abuso que se hace aquí me parece demasiado. Creo que la voz en off aquí nos hace pensar que estamos ante alguna clase de fábula, pero lo cierto es que si es una fábula, apenas le veo la moraleja (aunque la hay, es cierto).

Luego el desarrollo, es muy lento. Normalmente esto no me molesta. Pero el problema aquí es que la historia comienza tan insustancial, tan frívola, con esas americanitas pijas que deben estar pensando "oh qué guay es todo, soy tan cool de estar en Barcelona", qué te hace pensar ¿qué diablos hago viendo esta película? Menos mal que la cosa mejora.

Con Terry Gilliam tengo una relación de amor-odio: por un lado tiene películas tan geniales como Asco y Miedo en Las Vegas, y por otro hay otras más flojitas. Después de ver Brazil, muy recomendada por mis almas gemelas, y que me pareció terriblemente tediosa, ya iba yo viendo Tideland con un ojo más chico que otro, como mosqueado, y con el dedo cerca del botón del STOP del mando del dvd. Sin embargo, oh, ocurrió el milagro, la película me atrapó desde el primer instante.

Lo cierto es que entiendo que es una película que necesita colaboración del espectador, si no consigues la empatía con la protagonista, la peli está perdida. Hay que meterse un poco en la cabeza de la chica, porque si te pones a ver esta película con cierto desapego no sólo te vas aburrir, te va a parecer desagradable, y en ciertos momentos totalmente absurda (ir a spoiler)

Una vez le hemos cogido el punto, es una película que tiene dos lecturas. Por un lado estás viendo la realidad objetiva y durísima, y por otro estás viendo el mundo mágico de Alicia en el que vive Jeliza Rose. La película se puede ver de las dos formas y al mismo tiempo, y provoca en el espectador muchos reacciones y muchas emociones distintas, que hacen que la película se salga de todo género.

Me parece una joya por eso, porque los personajes tan pronto son siniestros como encantadores, de repente tienes miedo y de repente te ríes.

Mientras que normalmente Gilliam es acusable de exceso de metraje, de giros argumentales que no merecen la pena, de escenas que no vienen a cuento (la verdad que hablo de Brazil), esta me ha parecido totalmente correcta, por fin bien contada, el espectador no se pierde (no yo desde luego), y yo creo que esta es La Película de Gilliam. ¡Bravo!

Aquellos que no le encuentran sentido a esta obra, comprendo que les desagrade y que consideren que es una tomadura de pelo. A mí personalmente me encanta, y es simplemente porque la entiendo muy bien. Todo tiene sentido de manera simbólica, lo que la aleja del surrealismo en la que se le encuadra. Todas las imágenes que nos parecen grotescas, tienen en realidad un mensaje subyacente. Básicamente, la película critica nuestra sociedad desde sus cimientos: la familia. El interés del hombre (como hombre de género masculino) por lograr el éxito y cumplir sus sueños, y como estos se ven destruidos cuando llega el momento de asentar la cabeza. Eraserhead convierte en una auténtica pesadilla el constituir una familia, el terror de convertirse en padre: el terror de que los horrores de su hijo sean una parte de uno mismo, de que el hijo termine por sustituirle, la desconfianza que produce el hecho de no poder estar seguro de que tu hijo sea tu hijo; el terror de que el matrimonio acabe con las esperanzas y los sueños de uno (representados en la chica del radiador), y porsupuesto el sempiterno mito de Salomé: el terror de que la esposa devore la cabeza del marido.
Lynch narra todas esas fobias a la perfección, utilizando además una estética opresiva, oscura e inquietante, con una banda sonora que le acompaña a la perfección, y unos actores excelentes.

Cabeza Borradora puede estar en principio emparentada con "Un perro andaluz", pero sería simplemente en su aspecto, a partir de ahí, hay poco más, básicamente porque mientras la obra de Buñuel no es narrativa, esta es perfectamente narrativa, si bien utiliza recursos "oníricos", simbólicos, para desarrollar la trama (estos simbolismos entroncan con teorías psicoanalíticas, lo cual también entronca con el surrealismo más tardío).

Me gusta Eraserhead porque me alucina deducir todos esos símbolos, y porque cuando no los deduces, son capaces de llegarte directamente al subconsciente y causarte una reacción emocional, puede ser risa, puede ser asco, puede ser miedo, pero el caso es que tiene una fuerza expresiva imparable, que va directamente al inconsciente. Tu cerebro, sus pensamientos más ocultos, llegará a entender esta película mejor que tú mismo.