Este año en el 16º Festival de Cine de Alicante, tuve la gran suerte de descubrir la ópera prima del director Xavi Sala: El ombligo de Guie’dani. La película explora la realidad social indígena de México a través de la mirada de Guie’dani, una niña zapoteca de doce años que acompaña a su madre a la ciudad de México, donde ésta trabajará en la casa de una familia acomodada.

Este filme me ha recordado en algunos aspectos a la recientemente oscarizada Roma de Alfonso Cuarón. En ambas historias se refleja claramente el racismo y clasismo que hay hacia las sociedades indígenas mexicanas. Sin embargo, Xavi Sala, en esta película, retrata de una manera más cruda el choque sociocultural que hay entre las dos familias, en donde se observa una clara discriminación hacia la lengua indígena.

Me gusta mucho como la cocina se convierte en el pequeño refugio de madre e hija, donde su comida y su lengua simbolizan su fuerza identitaria y al mismo tiempo, sus silencios permiten que el espectador/a pueda escuchar las conversaciones de la familia acomodada descubriendo así cuales son sus problemas.

Lo mejor: la explosión de rabia contenida a través de la rebeldía de Guie’dani.

El cine reflexivo y pausado, las historias cotidianas y el paisaje de medio-oeste americano (escenario donde se crio Kelly Reichardt) son elementos comunes a toda su filmografía.
Esta poética y deliciosa película retrata el silencio femenino, a través del cual, cuatro mujeres sufren el peso de una mochila cargada de prejuicios, soledad, machismo…

La traducción oficial del título es: “Ciertas mujeres”, sin embargo, en España en los Festivales de Cine se tradujo como: “Vidas de mujer”. A mí personalmente, me parece más acertado utilizar mujeres en plural como en el título en inglés que mujer en singular como en el título en español, pues Reichardt es una directora feminista que aboga por la diversidad e intenta mostrarnos que existen muchas clases de mujeres. De esta forma, huye del concepto mujer como individuo único, que es lo que el sistema patriarcal fomenta. Al fin y al cabo, que nosotras las mujeres busquemos la igualdad no significa que seamos idénticas y, por ende, sustituibles las unas por las otras.

Ninguna de las películas de esta cineasta se ha estrenado en los cines comerciales españoles, lo cual es una pena, pues en EE. UU en los círculos de cine independiente es muy conocida y reconocida, habiendo incluso ganado varios premios.

Este filme se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en el 2016 y está basada en tres cuentos de la autora Maile Meloy, que según he leído, tiene un estilo muy parecido al de Reichadt.

«La locura es el refugio que inventamos cuando la irrealidad del mundo pesa mucho sobre nuestras cabezas» (Martha)

Cuatro años después de “Cleopatra” (1963), uno de los míticos clásicos de Hollywood, se vuelven a reencontrar Elizabeth Taylor y Richard Burton en esta película basada en la obra de teatro homónima de Edward Albee. La historia trata sobre las relaciones humanas, donde poco a poco se va generando una atmósfera de tensión, que lleva a las dos parejas, a través de unos diálogos e interpretaciones magistrales, a experimentar donde están sus límites. A lo largo del filme, se tocarán temas como: la historia, la ciencia, la religión, la maternidad, la muerte… que serán el reflejo de la frustración existencial de los personajes, y al mismo tiempo nos sirve a los espectadores/as como espejo de la complejidad de la naturaleza humana.
Me gustaría resaltar el trabajo de maquillaje, pues Lyz Taylor representa la edad de su personaje, 52 años, sin embargo tiene 33, solo dos más que George Segal, en el papel del joven Nick.

Me encanta cuando voy al cine y descubro una buena película que trata un tema silenciado, como es el caso de esta; «En busca de la felicidad». Dirigida por Dominic Savage e interpretada por Gemma Artenton.

Tara es una mujer casada y con hijos aparentemente feliz, pero la realidad es que está muerta en vida. Es curioso porque de esto hoy no se habla, parece que es algo que quedó en aquellas mujeres norteamericanas de los años cincuenta, amas de casa que lo tenían todo: una buena casa con su jardín, una cocina con todos los electrodomésticos que había en el mercado, un marido con un buen trabajo, unos hijos maravillosos y sin embargo no eran felices. Y nadie entendía que les ocurría, sufrían la enfermedad que no tenía nombre. Parece que aquello quedó muy lejos, pero no es así, lo que ocurre es que no se habla de ello. ¿Cómo una madre va a decir que se arrepiente de ser madre?, la sociedad la crucificaría. Pero es una realidad como tantas otras. Muchas mujeres se ven forzadas a fingir ser buenas esposas y madres, sintiéndose atrapadas y completamente vacías.Añadiré que me encantó la increíble interpretación de la protagonista.

Como crítica la traducción al español del título, el original es «The Escape», mucho más acertado, al fin y al cabo, trata de eso, de encontrar una salida, pero claro, un título de libro de autoayuda siempre vende más.

Hace unos años descubrí a la directora saudí Haifaa al-Mansour en su película, La bicicleta verde (2012). Cuatro años después apareció el estreno de Mery Shelley (2017) de esta misma cineasta, por lo que supe de inmediato que la película no podía decepcionar, y no me equivoqué.

Coincido con algunas críticas en que esta historia no ahonda demasiando en el mundo interior de Mery y la construcción de su criatura, pero pienso que para eso ya tenemos la cinta de Remando al viento (1998) de Gonzalo Suárez, que de manera muy lograda nos adentra en ese espacio. Creo que la fusión de ambos filmes es un buen reflejo de la vida y obra de esta literata.

Haiffa, quiso mostrarnos otros territorios de esta escritora que indudablemente también influyeron en el nacimiento de Frankenstein:
Por un lado, nos adentra en la relación pasional y tortuosa que vivió con Percy Shelley, lo que dotará a Mery de un doloroso aprendizaje vital necesario para empezar a sentir la llamada de su moderno prometeo.
Por otro lado, nos muestra la lucha de una joven temperamental y rebelde que huye de las convicciones sociales de la época, enfrentándose a un monstruo mayor que el de su novela: el machismo.

Me gustaría destacar especialmente, la banda sonora de la hasta ahora desconocida para mí, Amelia Warner y que, sin duda, refleja el sentimiento en estado puro del universo Shelley, que aviva la tan necesaria llamarada feminista.