“Baghead” es otra peliculita de terror del montón que trata de capitalizar en el efecto “Talk to me” creando, además, un monstruo capaz de llevar adelante una franquicia. Y qué se yo, se deja ver. No voy a decir que no. La trama es mala, la exposición forzada y los personajes son completos idiotas. Pero el villano es muy genial.

Aclaremos una cuestión primero. Si vieron “Talk to Me” (peliculón, eh), los paralelos con “Baghead” se caen de maduros. Hablar con los muertos a través de algo malvado, los efectos duraderos del dolor y el trauma, el uso del cronómetro y, por supuesto, el final abierto con el mal antes encontrando una manera de prosperar. Todo está ahí, en ambas películas.

Ahora, el cortometraje original de Alberto Corredor salió en 2017. Por lo que el concepto general ya existía antes de que Danny y Michael Philippou hicieran su propia película. “Talk to me” estrenó en 2022. Es posible que ellos hayan visto el corto y los haya inspirado, o que sea un caso de dos grupos de artistas en dos países distintos que idearon historias similares.

Esto claramente le jugó en contra a “Baghead”. Las principales críticas indican que es una copia de menor calidad, o un caso de plagio. Y más allá de este debate, “Talk to me” es, definitivamente, una mejor película. Más compleja, mejor actuado y excelentemente construida.

“Baghead” definitivamente juega con ideas interesantes. Hay secciones con mucha energía y buen ojo para la narración visual creativa. Por otra parte, también hay un montón de escenas que parecen hechas por el primo retardado de ChatGPT.

Lo que sí le banco es que se trate de una producción británica, que siempre eleva cualquier producción para mí. Freya Allan (nuestra Ciri en “The Witcher”) medio que hace lo que puede. La acompañan un par de actores clase B entre los que puedo destacar a un Peter Mullan, que parece estar pasándola bomba. Tiene gran intensidad y sinceridad en su voz. Ayuda a vender la idea.

Como obra de terror no da mucho miedo. Genera algunos momentitos de tensión que la acercan más al thriller. Como experiencia visual, entretiene y tiene una final que, por lo menos, es inesperado. Quizás si el director Alberto Corredor hubiera sido un poco más ambicioso y consistente con sus imágenes y sustos para enfatizar los temas de la narrativa, creo que su película habría terminado siendo menos genérica.

Y hablando del final… sí, es inesperado. Pero eso no significa necesariamente que sea bueno. No lo pienso spoilear acá, sólo mencionar que es TAN “Saw” que hasta esperaba que saltara la clásica canción (Zepp Song) en cualquier momento. Hasta creo que me la puse a tararear mientras veía ese desenlace.

==>> CONCLUSIÓN: “Baghead” es demasiado incoherente para ser aterradora e innecesariamente expositiva para tener mucho sentido. No es exactamente una pieza cinematográfica innovadora ni nada por el estilo. De hecho, es hasta muy trillada, aunque sirve para pasar el rato. <<==

Lupa Sívori
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Sí. Ésta es la película de Adam Sandler como un astronauta siendo consolado por una araña gigante que podría estar imaginando o no. O sea, básicamente es “Náufrago” en el espacio, reemplazando a Wilson por Paul Dano.

“Spaceman” es un drama de ciencia ficción dirigido por Johan Renck, famoso por haber llevado adelante la fantástica miniserie “Chernobyl” en 2019. Está basada en la novela “Spaceman of Bohemia” (Jaroslav Kalfař, 2017) y llegó a Netflix los primeros días de marzo.

El tema central acá es el típico en este tipo de historias: llegar más lejos de lo que ningún otro hombre llegó como una metáfora de la soledad. Estas ideas han sido inmortalizadas en canciones como “Space Oddity” y “Rocketman” o en obras recientes como “Ad Astra” (2019) e “Interstellar” (2014).

De hecho, es lo que más le juega en contra a “Spaceman”, porque posee muchas similitudes temáticas con aquellas obras y es muy probable que varios la consideren una “copia de menor calidad”.

La diferencia acá es que el personaje de Adam Sandler intenta interceptar a una nube de gas de Chopra, que sería el punto original donde comenzó la vida del Universo. Pero el recorrido del protagonista no termina siendo tan distinto a lo que viven Brad Pitt o Matthew McConaughey en las películas antes mencionadas.

Más allá de este aspecto, es lindo ver algo diferente a los estándares de Hollywood. “Spaceman” es una película rara, lenta y muy instropectiva, similar a lo que hizo “2001: Odisea en el Espacio”. Esto puede apagar a algunos espectadores, aunque es, de hecho, su mejor característica.

Aclaremos que éste es un Adam Sandler serio y prolijo. Está más en sintonía con lo que hizo en “Uncut Gems” hace no muchos años. El actor está decente sin hacer algo impresionante. Tiene una interesante química con su esposa (Carey Mulligan) y, más especialmente, con la araña CGI que tiene una voz muy copada (gran Paul Dano).

“Spaceman” es pesada y exige mucho del público. Al final del día termina siendo un romance existencialista y una bonita historia sobre amistad y esperanza. Me parece que se queda corta en algunos puntos (por momentos es repetitiva, el ritmo decae seguido) pero aún así banco el intento.

El tema acá es que este tipo de historia surrealista, simbólica y onírica requiere una estética más audaz, que la película intenta brindarnos sólo tardíamente. Renck es ciertamente un director capaz y claramente buscó involucrar acá a su Andrei Tarkovsky interior. Hay referencias claras a “Solaris” y “The Mirror”.

Sobre el final, “Spaceman” abraza plenamente sus cualidades metafóricas, y a esta altura las imágenes ornamentadas y abstractas no terminan de hacerle justificia a un relato que, hay que decirlo, se siente algo repetido.

==>> CONCLUSIÓN: Lejos de ser una mala producción, “Spaceman” se queda corta por su poca originalidad en las temáticas que aborda. Recuerda demasiado a otros trabajos mejores. Sandler cumple, Paul Dano la rompe y el resultado es, en general, pasable. Se deja ver. <<==

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Qué película, ¿no? ¡Esto es lo que Hollywood necesita! Un tremendo blockbuster con la visión de un gran director detrás. Los estudios tienen que empezar a hacerse a un lado y dejar que los artistas creen arte.

La ambición de Denis Villeneuve –un tipo que, por cierto, sólo hace buenas películas– no tiene límites. Me sigue sorprendiendo el esfuerzo y la dedicación que pone en cada uno de sus proyectos. “Dune: Parte 2” es creativa, hermosa, trágica y fascinante.

La primera entrega me había gustado mucho, aunque tuve algunas reservas. Se sentía muy prólogo, como si hubiéramos visto los tres primeros episodios de una temporada. En cambio, esta secuela es muy superior, cerrando varios cabos sueltos y brindando un espectáculo extraordinario.

Hay quienes ya están comparando esta segunda entrega con “The Dark Knight” de Nolan, y me parece que hay algo ahí. “Dune: Parte 2” toma los mejores aspectos de la primera película y los pule todavía más en todos los aspectos posibles.

Ambas partes juntas funcionan una única pieza monumental de cine. Y, combinadas, tenemos lo que probablemente sea una de las mejores adaptaciones de una obra de sci-fi en toda la historia. Si esto es lo último que veremos del universo “Dune”, va a ser una lástima, porque el final te deja súper manija.

Un amigo me preguntó porque un nueve y no directamente un diez. Y creo que se debe a dos cuestiones. Primero porque me parece que el ritmo no logra mantenerse intacto durante sus 166 minutos de duración. La primera hora es brillante y el clímax también, pero en el medio detecté un par de momentos estirados que podrían haberse recortado.

El segundo “problema” (con muchas comillas) fue para mí los villanos. Por mucho que quiera a Stellan Skarsgård y a Dave Bautista, no me convencieron esos malos caricaturescos. El cliché de “estoy enojado entonces mato a los míos” me cansó hace rato. Afortunadamente, a mitad de película llega Austin Butler para romperla toda como Feyd-Rautha.

Más o menos acá terminan los defectos. Todo lo demás es espectacular. Por ejemplo, el CGI es tan perfecto que se vuelve imposible de identificar. “Dune: Parte 2” es una experiencia súper inmersiva que te zambulle de lleno en el desértico planeta Arrakis.

No soy lector de los libros, pero sí puedo entender la enorme influencia que ha tenido la saga de Frank Herbert en las obras icónicas de fantasía y ciencia-ficción que conocemos hoy, siendo “Star Wars” y “Game of Thrones” las más evidentes.

Un aspecto llamativo de “Dune: Parte 2” es cómo reinventa el Camino del Héroe para brindarnos a un Paul Atreides cegado por el poder y la supuesta leyenda del mesías. El arco del personaje de Paul es tan fascinante como complejo.

Amé cómo profundizaron en su psicología y motivaciones. Timothée Chalamet te convence al 100% con su mirada penetrante, sus escenas de acción y cada uno de sus diálogos. El pibe logra una química palpable con cada personaje del elenco.

Y hablando del elenco, Denis Villeneuve se las ingenió para traer a todos los mejores intérpretes de nuestra época. Sigo amando lo que hace Rebecca Ferguson como Lady Jessica (qué mujer) y banco mucho a Zendaya como Chani y al Stilgar de Javier Bardem, que funciona como una suerte de comic-relief / Neo de Matrix. Vale agregar que varios actores estuvieron medio desaprovechados, ¿no? (Florence Pugh, Christopher Walken, etc).

En cuanto a su factura técnica, la partitura de Hans Zimmer es tan magistral como era de esperarse. El diseño de producción, sonido y edición son todos de primera categoría y dignos de premios. Las coreografías de acción son absolutamente alucinantes y te provocan escalofríos. ¡Qué bien que sabe Villeneuve manejar el suspenso! Hay, por lo menos, tres o cuatro escenas que están súper logradas.

No quiero dejar de mencionar los varios elementos de sci-fi puro que se introducen. Esta es una ciencia ficción dura con un montón de “mecánicas” copadas y muchísima mitología de fondo, como todo lo relacionado con los Fremen y su forma de vivir en un mundo inundado por enormes gusanos de arena.

En resumen, “Dune: Parte Dos” es un espectáculo de ciencia ficción inspirador y visualmente poderoso. Una increíble (y poco frecuente) colisión entre mitología, aventura y ciencia ficción a una escala galáctica.

==>> CONCLUSIÓN: “Dune: Parte 2” pone la vara muy alta desde temprano. Imágenes increíbles, asombrosos efectos especiales y una narrativa sólida hacen que sea una experiencia soberbia. La obra maestra de Denis Villeneuve merece verse en la mejor pantalla posible. Probablemente de lo mejor que nos traerá este 2024. <<==

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El español Juan Antonio Bayona debe estar obsesionado con los desastres naturales y el cine catástrofe, ¿no?. El director de “Lo imposible” (2012) (que también dirigió la excelente “Un monstruo viene a verme”, en 2016) acá presenta una impactante obra que funciona como una pelicula de terror sin terror.

La película recrea los eventos de la Tragedia de los Andes como ya lo había hecho “¡Viven!” (1993) en su momento, aunque ahora los hechos narrados son más cercanos a la realidad y, además, se aprovechan los efectos digitales modernos, actores uruguayos y muchos detalles adicionales que resultaron de Bayona consultando con los sobrevivientes.

“La Sociedad de la Nieve” –un poco larga, por cierto– está impecablemente filmada y te quita el aliento en más de una ocasión. También hay que decir que es medio una tortura interminable que yo, sinceramente, no llegué a disfrutar del todo.

Cada vez que los personajes piensan que su situación va a mejorar, resulta ser una falsa alarma y, simplemente aparecen, más problemas. Por ejemplo: los aviones de búsqueda pasan cerca pero no los ven, la cola no está donde creen y, cuando la encuentran por pura suerte, la radio del avión no se puede conectar a las baterías de la cola a pesar de que están intactas.

En fin, es para sufrir con ganas durante sus 144 minutos de duración. Lo cual, sigo insistiendo, no significa que sea una mala película de ninguna manera. Simplemente es el tipo de cine que más me gusta.

De todas formas, “La Sociedad de la Nieve” sí posee pequeños momentos poderosos, breves discursos conmovedores, múltiples dilemas morales, cuestiones existenciales, solidaridad y segundos de alegría ante la adversidad.

A diferencia de recuentos anteriores de esta historia –enfocados en los aspectos más aventureros o impactantes del relato (como el hecho de que hayan tenido que comerse a los muertos para sobrevivir) –, esta producción se centra en el aspecto más humano y busca rendir tributo a los que no la pudieron contar.

Tranquilamente podríamos clasificar a “La Sociedad de la Nieve” como una película de terror. Hay bastante body-horror desparramado por ahí (como el increíble momento del accidente) y, más tarde, los sobrevivientes comentan que el paisaje andino es hermoso, pero un infierno para vivir en él.

Bayona ha creado una película que utiliza bellas imágenes para contar el horror del abismo más profundo en el que la humanidad podría caer. Técnicamente es sobresaliente y viene cosechando varios premios internacionales por efectos visuales y maquillaje.

==>> CONCLUSIÓN: “La Sociedad de la Nieve” es un drama lúgubre construido como tributo a aquellos que no sobrevivieron a la Tragedia de los Andes. El relato está tratado con mucha sensibilidad y narrado de forma muy humana. Pese a que no es mi tipo de película, Netflix logró un éxito indudable. <<==

#BonusTrack: estas son mis 15 películas favoritas de 2023. ¿Cuáles son las suyas?

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Ambientada en un Londres victoriano alternativo, la última producción del griego Yorgos Lanthimos funciona como una suerte de fábula donde la protagonista, en lugar de entrar a un mundo de fantasía a través de un agujero de conejo, comienza a preocuparse por la gratificación sexual luego de entender cómo masturbarse.

Organizada en capítulos, como “El barco” o “París”, el director presenta un coming-of-age de autodescubrimiento. Es como un libro de cuentos en el que, en lugar de competir con tres osos o siete enanos, la protagonista femenina aprende el arte de “saltar furiosamente”, trabaja en un burdel parisino, lee vorazmente y luego considera casarse.

Pocas veces suele verse este tipo de historias en el cine más comercial, y eso es algo que hay que agradecer. Lanthimos es muy inteligente al adoptar algunas convenciones populares que le dan empuje (actores de renombre, intertextos con el cine clásico de Georges Méliès y el “Frankenstein” de Mary Shelley, empoderamiento femenino, etc) para construir una historia poco convencional.

El director nunca ha sido tan explícito al visualizar sus parábolas en términos expresivos. En sus trabajos anteriores, no importa cuán surrealistas se vuelvan el tema o el comportamiento de sus personajes, su entorno siempre parecía relativamente normal. No es así en “Poor Things”, que presenta un paisaje onírico steampunk al mejor estilo Terry Gilliam.

De esa forma, la película logra ser muy distinta y -sorprendentemente- es otra de las favoritas para los premios de la Academia junto a la magistral “Oppenheimer”. “Poor Things” estrenó en el 80º Festival Internacional de Cine de Venecia y obtuvo el Leone d'Oro, por lo que tiene muchas chances de seguir cosechando muchos más premios.

En lo personal, si bien la historia se me hizo llevadera, no terminé de conectar ni con el humor ni con el conflicto del personaje. Entiendo que es parte del chiste, pero acá todo es muy explícito y “on-the-nose”, por decirlo de alguna manera. “Poor Things” es una película con cero sutileza y una bajada de línea similar a lo que hizo “Barbie”, también en 2023.

No hay lugar para los grises. Los ricos son malos. Los hombres son malos y amorales. Los hombres blancos y ricos son tres veces malos, sin ética y directamente perversos. Es una película exagerada que aborda temas pesados en términos metafóricos intensificados y surrealistas, aunque también lo hace con poca elegancia.

De nuevo, me pareció divertida y, sí, la disfruté… pero no la considero ni una obra maestra y, ni siquiera, lo mejor que haya hecho Lanthimos hasta la fecha. En todo caso, eso queda para sus obras más extrañas (“The Lobster”, “Dogtooth”).

Aprecié el diseño de producción y las actuaciones (Emma Stone, Mark Ruffalo y el siempre correcto Willen Dafoe), pero muchas de las opciones de cinematografía y escritura/dirección no funcionaron para mí. Y me pareció demasiado larga.

Hay una última subtrama brusca que podría no haber estado, sumado a que no encontré el desenlace demasiado sólido. ¿Y qué necesidad había de volver a Margaret Qualley otra adorable retrasada? ¡Tenía tantas ganas de que “Poor Things” me gustara! Me decepcionó descubrir que no me había entusiasmado tanto.

Así y todo, sí me parece que es súper interesante para explorar desde el terror gótico que presenta (un caso muy extraño que incluye cuerpos reanimados y mansiones con científicos locos) y sus referencias a otras ficciones como “Frankenstein”, “Metropolis”, “El Mago de Oz” y “My Fair Lady” (de donde se desprenden las ideas del “efecto Pygmalion”).

Yorgos Lanthimos es un director con una visión clara que admiro profundamente. Quizás no me enamora todo su trabajo, pero lo peor que puedo decir sobre cualquiera de sus películas es que las aprecio un montón.

==>> CONCLUSIÓN: “Poor Things” es una aventura satírica y decididamente incómoda hacia el absurdo. La historia es rara, políticamente incorrecta y excéntrica, pero eso no la hace necesariamente buena. En mi caso, no me cautivó lo suficiente. <<==

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