Moby Dick –como Los Hermanos Karamazov- es uno de esos libros intratables en pantalla, grande o chica. En uno y en otro la historia sirve únicamente como armazón del cual colgar tratados filosóficos y espirituales del trato del hombre con la divinidad. Dicho eso, a mi me parece que John Huston y Ray Bradbury se anotaron un gran acierto con el guion de Moby Dick. Aun cortando personajes y situaciones importantísimas del libro, el guion mueve exitosamente la historia en menos de dos horas y media y deja el sentido más espiritual del libro en buen resguardo.

La dirección es precisa, uno de los mejores ejercicios de Huston, quien podía ser bastante irregular, yendo de obras maestras como “Tesoro de la Sierra Madre” a mediocridades como “La Biblia”. Los efectos especiales han envejecido bien. La música es más que apropiada. La fotografía de colores intencionalmente deslavados es un acierto también.

Y ahora a lo malo: Gregory Peck como Ahab. Peck es simplemente demasiado joven para interpretar al viejo lobo de mar obsesionado con Moby Dick. Y si a eso le añadimos su tendencia a sobre-actuar, pues peor. No es una sorpresa saber que Peck fue una imposición para Huston, quien siempre tuvo la ilusión de dirigir a su propio padre (eso sí hubiera estado para la historia) en el papel de Ahab. Inclusive se ha reportado que Peck y Huston rompieron amistades a raíz de que Peck se enteró que Huston nunca lo consideró adecuado para el papel.

Peck realmente se destaca como el negrito en el arroz en medio del resto del elenco. Basehart es perfecto como Ismael. Mucho se ha criticado que ya tenía su añitos (41 entrando en 42, aunque si ignoramos este hecho se ve como de unos 35) y que es muy viejo para tal papel. Pero paremos un momento en pensar que en ninguna parte del libro (y estoy siendo sincera al decir que sí lo he leído todo) se dice que Ismael sea un jovencito. Se deja ver que Ismael ha sido maestro de escuela y él mismo dice que ha viajado varias veces en la marina mercante, así es que 18 años no podía tener. Es un novato en el oficio de ballenero, pero eso no está empatado con la juventud. Basehart le da a Ismael su hermosa voz de barítono, que es lo más importante a la hora de narrar la historia, y su capacidad para mostrar asombro e inocencia ante los hechos de los cuales es mero observador.
Leo Glenn es también excelente personificando la voz de la razón ante la locura y Friedrich Ledebur es un Queequeg más que aceptable. No, definitivamente no es un polinesio, pero realmente ¿que podíamos esperar en una película de 1956? El resto de los marineros es uniformemente bueno. Y Orson Welles es un verdadero lujo como el Padre Mapple.
En resumen, aún con Peck, una adaptación inmejorable de un clásico inadaptable.

Película bastante desconocida y que sin embargo ha sido muy influyente en películas y televisión posteriores.

En primer lugar, sirvió para inspiración de Dragnet y es como la abuelita de los programas de CSI.
La secuencia de la persecución en las cloacas de Los Angeles (magníficamente retratada por el genio John Alton) se anticipa a “The third man” y “Them”.
El asesino solitario y sociópata se le adelanta a “Taxi Driver” más de dos décadas y a “No country for old men”
La escena en que el criminal se remueve una bala con cirugía casera es probablemente la primera vez que vemos tal cosa en pantalla y que luego se repetiría desde Rambo pasando por Terminator sin olvidar la ya referida “No country for old man”

La historia está basada en hechos reales. Un criminal sociópata y extremadamente inteligente se le escapa una y otra vez a la policía de Los Ángeles. Si bien la narrativa (con una predicante voz en off) se siente anticuada y el estilo cuasi documental puede parecer una especie de propaganda al departamento de LAPD (que se ven como unos inútiles a veces pero hay que tomar en cuenta los limitados recursos policíacos de aquellos ayeres), aquí hay que ver más las partes que la suma del todo.

Una vez más voy a mencionar la fotografía de John Alton. Y es que cada fotograma es de una perfección estilística apabullante. El juego de luz y sombras tiene una vida propia.

Y luego tenemos a Richard Basehart. De apariencia agradable “all american” e inofensiva, con pequeñísimos detalles el actor nos comunica la peligrosidad de su personaje. Este tipo no se anda con linduras; lo único que le importa en la vida son sus aparatos electrónicos y su perro. No tenemos idea de qué pasa en su interior; pero sabemos que no dudará en matar a cualquiera que se meta en su camino. Basehart se ganó la atención de los grandes estudios con este papel de una manera más que justa.

No deje que los elementos pasados de moda le detengan de disfrutar de este ejercicio estilístico.

En algún lugar leí que esta película era una especie de parodia de film noir. Nunca he podido comprobar esta versión, pero algo de lo que pueden estar seguros es que esta película no parece tomarse muy en serio a sí misma. Y no creo que debe tomarse demasiado en serio. Dicho eso, el verla es una absoluta delicia.

Audrey Totter es simplemente soberbia. Su encarnación de la ama de casa con espíritu de femme fatale es inolvidable. Esta mujer (Claire) es una egoísta sensual y de apetitos insaciables. Su pobre marido (mi amado Richard Basehart) es un hombrecito insignificante; veterano de guerra que se parte la espalda trabajando en el turno de noche como gerente de una tienda y que de regreso al modesto apartamento que comparte con su esposa aún tiene que servir el desayuno antes de poder disfrutar de un breve descanso. Este hombrecito solo puede pensar en el típico sueño americano de los 50’s: una casa en los suburbios, hijos, y su esposita. Pero la esposita quiere más, mucho más: terminará de humillar a Warren (Basehart) huyendo con un tipo del doble del tamaño de Warren, con una casa en la playa y una cartera abultada. Y aquí es donde entra el otro elemento esencial del film noir: Warren decidirá tomar venganza contra su adúltera esposa y su rival, aunque su plan para lograrlo es tan tonto como podría esperarse de alguien como Warren, que seguramente ni en su infancia fue capaz de matar a un ratón.

Totter y Basehart brillan como los esposos y el resto del elenco es notabilísimo. La producción es de un gran realismo. Aún siendo una barata película serie “B”, todos los escenarios están cuidados al mínimo detalle, desde la farmacia donde Warren es gerente hasta la casa de playa en la Malibú de hace 60 años.

Mención aparte merece la música del maestro Previn. El tema de saxofones que acompaña a Claire cada vez que aparece en pantalla es el arquetipo de la música que ha acompañado a las mujeres fatales hasta Jessica Rabbit.

Segunda guerra mundial. Los nazis ocupan Yugoslavia. 5 mujeres se ven involucradas sentimentalmente con un soldado alemán y por ello son expulsadas de su pueblo. Ahora vagarán por los alrededores, acosadas por nazis y yugoslavos por igual hasta que de manera reluctante se unirán a los mismos partisanos que las humillaron y las expulsaron de su localidad. Lo más destacable de esta película es el gran elenco. Las 5 mujeres del título: Silvana Mangano es la líder natural del grupo; fuerte, decidida, sin ningún remordimiento de su comportamiento y que demuestra estar a la altura de los mejores guerrilleros hombres. Barbara Bel Geddes es la mayor, una viuda de actitud desenfadada que solamente buscaba tener un hijo de un hombre sano y apuesto; Carla Gravina en contraste es una jovencita de 18 años que sí está embarazada. Complementan la grandiosa Jeanne Moreau, quien se involucra con el alemán más por desear ayudar a su hermano y en su deseo de encontrar alguien a quién amar que por verdadero afecto. Y finalmente Vera Miles –quien es inclusive inocente del cargo bajo el cual fueron expulsadas- ella nunca tuvo relaciones con el soldado alemán.
Una vez unidas a los partisanos, las 5 mujeres formarán lazos sentimentales aun a su pesar. Pero esta no es una película de Hollywood, así es que no hay finales felices. La guerra y sus consecuencias se retrata de una manera cruda, casi cruel.
La fotografía es tosca –ni más ni menos que del gran Giuseppe Rotunno y la dirección es simple, pero completamente adecuadas a la narración. Si algún pecado tiene esta producción es que la historia se siente algo desenfocada. Como que nos quedamos con ganas de ver más de estas grandes actrices. Yo en particular me quedé con ganas de que se explotara más la línea narrativa de Ljuba (Jeanne Moreau) y el capitán nazi hecho prisionero de los partisanos (Richard Basehart).
Es una lástima que esta película no se encuentre en DVD. Realmente vale la pena.

¡Cuan accidentada ha sido la “vida” de esta película, tal como la de sus protagonistas.! Mucho menos popular que cualquier otra película de su autor sin embargo no desmerece en calidad –en forma y contenido- ante otras hechuras de Fellini. En primer lugar, este filme se estrenó bajo la sombra del espectacular éxito internacional de La Strada. El público quizá esperaba algo más similar a ésta en lugar del cuento cínico y emocionalmente árido que es Il Bidone. El estudio obligó a Fellini a apresurar la finalización del mismo e impuso un segundo editor que dejó muchas escenas en el piso –quizá sin consentimiento del director-. Las intenciones del studio eran que la película se presentara en el festival de Venecia de 1955 y así fue, pero víctima del fracaso; los periodistas estaban mucho más interesados en el rumor (desde luego falso) de que Giuletta Masina –musa y esposa de Fellini- se había enamorado locamente de Richard Basehart (esposo de la también actriz y amiga de los Fellini, Valentina Cortese) y que habían huido juntos. Por si fuera poco, la versión más común que ha llegado en nuestros días es la de un corte todavía más masacrado que el presentado en Venecia, de apenas 87 minutos (afortunadamente la versión "original" de 110 minutos también está disponible aunque solo en region 2).
¡Solo de imaginarme lo que Fellini hubiera hecho en estos tiempos de versiones “director’s cut”!
En fin, en la versión que sea, ampliamente recomiendo hecharle un vistazo a este filme y disfrutar de los elementos que permanecen a pesar de la tijera: las sólidas actuaciones del trío de estafadores: Augusto, el mayor, interpretado por Broderick Crawford (a quien se le tuvo que poner un guardia personal para mantenerlo alejado de cualquier bebida alcoholica durante la filmación) y sus secuaces más jóvenes: el desenfadado Roberto -interpretado por Franco Fabrizi- y el simpático pintor frustrado y padre de familia Carlo “Picasso”, encarnado por mi favorito de siempre, Richard Basehart.
Disfrutables también el excelente soundtrack del maestro Nino Rota, la fotografía del infaltable Otello Martelli y sobre todo la soberbia dirección de Fellini, que ya prefigura su sofisticado estilo posterior, especialmente en la secuencia de la fiesta de fin de año.