Aviso para navegantes: evitad tráileres y sinopsis; esta es una de aquellas películas que se disfrutan mucho más sin saber nada de ella (como la mayoría de películas, de hecho, y especialmente de las de Sitges). Ahora bien, si pese a ello no os sentís preparados para saltar al vacío (¡cuánta impaciencia!), espero que esta crítica os sirva para saber el máximo con la mínima concreción…

En una idílica casa de campo familiar, Nell, Simon y sus tres hijos ultiman los preparativos para recibir a sus amigos y celebrar una Navidad especial. Los amigos van llegando y todo parece normal…, o no del todo. Nervios, conversaciones raras y actitudes poco naturales. Una extraña e inquietante atmósfera se hace cada vez más evidente, sin que nosotros, los espectadores, podamos dar con el quid de la cuestión.

Y a media película, de repente surge la epifanía, manifestada a partir de la incredulidad de uno de los niños. Del más despierto, el más temeroso. La visión y las dudas de Art (interpretado por Roman Griffin Davis, hijo de la directora) nos llevan a entenderlo todo, a atar cabos y a encontrar al fin la explicación a las actitudes y conversaciones anteriores.

El histerismo, el perfeccionismo, el vandalismo…, la pieza del puzle que nos faltaba nos es revelada no por parte de los resignados adultos, sino por la rebeldía de un niño que parece más despierto que todos ellos. Los espectadores somos partícipes de su mirada, la hacemos nuestra, y a partir de ahí ya estamos preparados para comprender la dimensión de la situación.

Con un buen elenco, esta es una cinta que rehúye los encorsetados tópicos del cine navideño (hasta el punto de que la fiesta en sí acaba siendo lo de menos) y abraza una muy suave ciencia ficción.

El primer largometraje de Camille Griffin como directora y también como guionista resulta ser una carta de presentación bien interesante, ¡y además se ha llevado el premio a mejor guion del Festival de Sitges 2021! Sin duda, vamos a seguir la pista a sus próximos proyectos.


Tiene un aire de…
Los amigos de Peter (1992) + La invitación (2015) + Calle Cloverfield 10 (2016)


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Dupieux y su cine surrealista vuelven con una alocada película sobre la amistad y sobre unos adultos que se mantienen en una adolescencia perpetua.

Sí, hay una mosca gigante, pero, como es habitual en el director, no esperéis encontrar otro rastro de ciencia ficción. Esta no es más que un absurdo y divertido MacGuffin de enormes proporciones. La historia en realidad gira en torno a Jean Gab i Manu, una versión afrancesada de Lloyd y Harry, los “Dos tontos muy tontos” de los hermanos Farrelly.

Jugando con la inmadura inocencia de sus protagonistas, Dupieux logra transportarnos a una serie de diálogos y situaciones inverosímiles y exageradas de lo más disfrutables.

En definitiva, “Mandibules” es un alegre paseo por la Costa Azul francesa con el coche más estropeado y los conductores más desastrosos que os podáis imaginar. ¡Todo un placer culpable!

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Joann Sfar vuelve a dirigir un largometraje de animación adaptando un cómic propio, y, como ya hizo con “El gato del rabino”, su Pequeño Vampiro no es un simple calco de la obra original, sino que pasa del papel al fotograma de forma estilizada, colorida y llena de pequeños matices.

Artística y vistosa, esta es una película enfocada íntegramente a un público infantil. Un film pensado para niños en el que Sfar, de forma contenida y jovial, no evita tratar brevemente temas existenciales como la muerte, el amor o el libre albedrío en un leve afán pedagógico.

Con una banda sonora a la altura de su preciosista dibujo artesanal, nos encontramos ante una imaginativa y más que recomendable propuesta para familias que quieran ir más allá de Disney o Pixar. El Pequeño Vampiro, Michel y toda su pandilla les esperan encantados para plantar cara al temible Gibbous.

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Como se recoge en la mitología griega, el sol fue lo que mató a Ícaro. Un faro de una atracción irresistible que le invitaba a volar cada vez más alto, hasta fundirle súbitamente las alas y precipitarlo mortalmente al vacío.

En “El faro” no encontramos ni rastro de la calidez ni de los colores pastel de las representaciones renacentistas de Ícaro y Dédalo. Sus protagonistas son más bien como dos polillas ennegrecidas en una oscuridad hostil y asfixiante. Un insalubre y húmedo ambiente del cual solo se salva una luz inalcanzable. Una luz plena, divina, pura, hasta orgásmica, que representa como ninguna otra el deseo, el máximo anhelo posible.

Robert Eggers busca esta vez sumergir al espectador de lleno en el pesado mundo de la farolería. Es por ello que ya desde los instantes iniciales, mucho antes de cualquier explicación o historia introductoria, se toma su tiempo para cargar nuestros hombros con todas las penas de la profesión sin apenas una línea de diálogo.

Tan solo cuando tengáis las manos entumecidas de cargar carbón, la espalda dolorida de las mil y una reparaciones o los pies destrozados por la constante humedad, entonces y solo entonces se va a desencadenar la tormenta cinematográfica real: ásperos diálogos marinos, inquietantes visiones y tensión en constante ascenso.

Este es el momento en el que un duelo interpretativo como se ven pocos va a acapararlo todo. Entraremos en una nueva dimensión en la que no podremos apartar la mirada de los dos solitarios protagonistas: el huraño y enigmático Ephraim Winslow y el deslenguado lobo de mar Thomas Wake.

Robert Pattinson vuelve a demostrar (ahora más que nunca) el actor que es, y Willem Dafoe…, lo que hace Willem Dafoe esta vez no tiene calificativos. El actor nos regala no solo una de sus mejores interpretaciones (que ya es decir), sino muy probablemente uno de los marineros más antológicos que nunca se hayan visto en la ficción. El viejo Wake tiene lo mejor de John Silver el Largo, Archibald Haddock o el capitán Ahab. Más crudo que todos ellos, más ingenioso que nadie. Un mordaz farolero con un mar de ron recorriéndole las venas y una furia inaplacable que destila sal en cada blasfemia.

El formato televisivo (4:3), el imponente blanco y negro o el aura de atemporalidad del conjunto pueden engañar nuestros sentidos creándonos la sensación de estar viendo una película clásica, pero “El faro” es actual, y con ella Eggers no hace sino confirmarnos que es un director con un futuro de lo más ilusionante.


Tiene un aire de…

El lobo de mar (1941) + La bruja (2015) + Keepers, el misterio del faro (2018)

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Olvidaos de “West Side Story”, “Grease”, “Mamma Mia” o la reciente “La La Land”. En el mundo de los musicales no todo es buenismo, luz y vivos colores. La música puede mostrar la alegría y la bondad, pero también puede radiografiar el dolor, la oscuridad y el sufrimiento. Y “London Road” es un punzante ejemplo de ello.

Este filme de Rufus Norris es la adaptación de un exitoso musical que narra los hechos reales acontecidos en 2006 a partir de los asesinatos de cinco mujeres en el pueblecito de Ipswich, Inglaterra. Un reflejo diferente y sincero de una crónica negra actual.

Como espectáculo visual, estamos ante un cuidado retrato de un barrio que vive tenso y con miedo, acompañado por músicas difuminadas y coreografías que se camuflan en medio de actos y gestos cuotidianos. Todo es coordinado y formal como un reloj y está reforzado por actores que, alejándose del perfeccionismo de los cantantes profesionales, magnifican la naturalidad y la entrañabilidad de la gente humilde a la que interpretan.

Ahora bien, la película no solo sorprende en la elección del género, ya que en el guion también se evita cualquier convencionalismo. Todos los diálogos y las letras de las canciones son fragmentos de entrevistas verídicas o de noticiarios reales, hecho que quizá genera un exceso de reiteraciones en ciertos momentos, pero que a cambio reduce ostensiblemente las distancias entre el punto de vista del espectador y la realidad.

Ciertamente, esta es una propuesta valiente. Musicalizar una tragedia reciente ha sido y será una fuente inagotable de “haters” y gente indignada del mundo, pero en una rabiosa actualidad tristemente a rebosar de atentados y de violencia de género, la principal virtud de “London Road” es precisamente la de ofrecer una visión que omite conjeturas truculentas sin ahorrar crudeza u objetividad. Una visión muy cercana y peculiar de todo un vecindario que es el auténtico protagonista involuntario de una tragedia y que lucha por salir adelante.

Sin lugar a dudas, “London Road” se trata de una ‘rara avis’ en el género de asesinatos, no solo por ser un musical, sino también por anonimizar la figura del asesino y personificar la del entorno. El mensaje para los optimistas es claro: ante la indignación y la tristeza, ¡cantad, malditos, cantad!


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