"Tenía que hacer “La mala educación”, tenía que quitármela de encima, antes de que se convirtiera en una obsesión. Había manoseado el guión durante más de 10 años, y podía seguir así una década más. Por la cantidad de posibles combinaciones, la trama de “La mala educación” sólo se terminó de escribir cuando la película ya estaba rodada, montada y mezclada."
Pedro Almodóvar

Una música digna de film negro acompaña los títulos de inicio y envuelve al espectador en un halo de misterio. Entremezcladas con los acordes escalofriantes se sucede una serie de imágenes en las cuales no faltan las paredes escritas de un colegio, estampas del sagrado corazón, figurines kitsch de travestis posmodernos, cortes anatómicos de un aparato reproductor masculino y elementos religiosos. La cámara hace un recorrido vertiginoso y se introduce en el interior de la oficina de un director de cine, Enrique Goded. Son los años 80, el escenario es Madrid y el cineasta se encuentra en pleno proceso de búsqueda de una historia para contar en su próxima película, pero no le resulta fácil.

Ayudado por su productor, Enrique recorta las crónicas policiales a ver si detrás de ellas logra encontrar una historia digna de convertirse en guión. Y la historia llega, pero de la forma menos pensada. “Lo malo de las plegarias sucede cuando son escuchadas” dijo alguna vez Truman Capote y eso es lo que le sucederá al protagonista. En la oficina, casi de improviso, aparece Ignacio - su antiguo compañero de colegio - a quien hace mas de veinte años que no ve y luego de contarle que es actor en un grupo de teatro vocacional, le ofrece que lea “La visita”, un guión que acaba de escribir y que está inspirado en los hechos que forjaron la infancia de ambos.

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Luego de las dos piezas anteriores en las cuales las historias fueron protagonizadas por hombres, Chan Wook Park llegó a la conclusión de que la mejor forma de cerrar la Trilogía de la Venganza era contando una historia que tuviera como protagonista a una mujer y que ésta obrara inmersa en un mundo femenino , valiéndose se las cuestiones más instintivas e inherentes que caracterizan al género.

De esa forma y tomando como base esos lineamientos surgió Sympathy for Lady Vengeance, un interesante thriller de suspenso, cargado de imágenes increíbles y musicalizadas como pocas veces se ha visto en otras producciones del cine oriental.
Lee Geum Ja es una joven que estuvo encarcelada durante trece años purgando una condena por el secuestro y muerte de un niño coreano, hecho que en realidad ella nunca cometió y que el verdadero asesino le atribuyó para salvarse de la cárcel. Durante esos años de encierro, la joven no solo soñó con el día en que se produjera su liberación sino que, además, influenciada por el instinto de supervivencia que tuvo que desarrollar en prisión, planeó con gran minuciosidad la forma en que llevaría a cabo su venganza, la cual no tiene otro objetivo que acabar con el hombre que la obligó a que se declare culpable de aquel terrible homicidio jamás cometido por ella.

Al salir de la prisión se reencuentra con algunas de las amigas ex convictas y, con ayuda de ellas, logra el apoyo necesario para poder reinsertarse en la sociedad que sigue viéndola como la brutal asesina que se alzó con la vida de un niño inocente. Así es como una vez instalada en un pequeño apartamento y con un trabajo efectivo como ayudante en una pastelería, la joven comenzará a andar un camino bifurcado que la llevará a reencontrarse con su hija por un lado (la cual le había sido arrebatada al momento de su detención) y por el otro, a cumplir con la venganza.

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No caben dudas de que el dibujo animado japonés en las últimas tres décadas supo imponerse por sobre otras producciones cinematográficas y que se ha ganado un espacio importante, logrando acaparar la atención de miles de occidentales que los siguen con una ferviente y fiel admiración.

Pero lo cierto es que más allá de la calidad indiscutida de varias de estas obras, (recordemos Heidi, Mazinger Z, Robotech, Transformers o Las aventuras de la Princesa Mononoke) en reiteradas ocasiones, algunas otras, acaban transformándose en meras representaciones de pobres guiones, con extremadas muestras de violencia y en algunos casos, llevando la idea de futurismo tan al límite que terminan sumiendo al espectador en un halo de incomprensión del cual difícilmente pueda salir, no al menos sin una explicación especializada sobre algunas cuestiones básicas que hacen a las complejas historias que desarrollan ( tal es el caso de Los Campeones, Dragon Ball-Z o los indescifrables Pokemones).

En cambio, en El Viaje de Chihiro esto no sucede, sino más bien todo lo contrario. Su director, Hayao Miyazaki, uno de los grandes maestros del dibujo animado de su país y principal estrella de los Estudios Ghibli, se juega en esta oportunidad por una historia cargada de fantasía, seres mitológicos y situaciones hiperrealistas, sin dejar de lado el tratamiento de los más altos valores de la condición humana, así como la eterna lucha entre el bien y el mal, una cuestión tan antigua y primitiva como los orígenes mismos del hombre.

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Se levanta el telón en la sala e irrumpen dos mujeres bailando al compás de “O let me weep, for ever weep” de Henry Purcell. En medio de una decena de sillas de madera, un hombre las persigue intentando tocarlas. Una de ellas cae muerta, y la otra, en cuestión de segundos, como en un ritual ya preestablecido, hace lo mismo.

En la primera fila de la sala, dos hombres están sentados, uno al lado del otro. Uno de ellos no puede evitar llorar como un niño ante el estupor que le produce la interpretación de los artistas. El otro, lo mira de reojo, no pudiendo creer que un hombre pueda llorar con un sentimiento tal. Ambos no se conocen, pero el destino escrito de antemano como un designio de oráculo griego, será el encargado de hacer que se unan en una particular amistad que perdurará por el resto de la historia.

El hombre de las lágrimas es Marco (Darío Grandinetti) un periodista argentino que escribe una columna para el diario “El País”. El otro, es Benigno (Javier Cámara), un joven madrileño de 30 años, enfermero y que aún no ha conocido el amor.

Marco deberá conseguir una entrevista con Lidia Gonzáles (Rosario Flores) una torera sevillana que acaba de romper con el matador “El niño de Valencia”, con quien compartió las primeras planas de las revistas del corazón. Lidia se niega a otorgar entrevistas a aquellos que sabe que la van a interrogar acerca de su vida privada, pero ante una inesperada ayuda que le brinda el periodista, decide a modo de compensación, brindarle el reportaje.

En todas las grandes ciudades siempre hay un cementerio que se destaca de los otros, por ser la morada de personajes célebres. En Buenos Aires el que goza de ese privilegio es el Cementerio de la Recoleta, verdadero panteón donde descansan los restos de quienes forjaron la patria y espacio artístico indiscutido ya que las piezas arquitectónicas y escultóricas que se exhiben en tumbas y bóvedas son de una belleza y un valor incalculable. Pero lo cierto es que el cementerio de la Recoleta es mucho más que una colección de piezas artísticas de nivel o un sitio privilegiado en el circuito turístico: es en sí mismo un gran escenario en el cual se perciben los espíritus de aquellos que con sus ideas, actitudes, gestas, cosmovisiones y disputas, moldearon la esencia del “ser nacional argentino” concepto difícil de definir y que desde hace más de medio siglo intenta ser explicado desde las más diversas disciplinas sociales.

En Tierra de los padres, a través de la cámara de Nicolás Prividera, el espectador tiene la posibilidad de ingresar en el corazón mismo de la necrópolis y, a partir de una selección de textos exquisitamente elegidos y leídos por personajes destacados de la cultura, iniciar un viaje hacia la mentalidad de los argentinos. Pero lo que más sorprende de la puesta es que la mayoría de esos textos son leídos en las tumbas o bóvedas donde reposan los restos del autor elegido, dando la idea de interpelación y enfrentamiento con aquello que alguna vez el personaje pensó o sintió y que, lejos de perderse en el viento, pasó a formar parte de las construcciones mentales de una época y que definieron, de manera inevitable, la de todos los que en algún momento habitaron este país.

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