"Altered Carbon" llegaba como una gran y llamativa apuesta: un futuro distópico donde el ser humano tiene la capacidad de no morir al transferir su mente a otros cuerpos... con el alud de interrogantes morales que causa: ¿cómo afecta a las personas esa "inmortalidad"? ¿que sociedad crea? ¿qué problemas morales causa? ¿en qué convierte a los poderosos el devenir seres verdaderamente superiores con todo a su alcance, durante toda la eternidad? Además ir conociendo el pasado donde Kovacs, el protagonista, formaba parte de la resistencia a lo que esa realidad de inmortales, presagiaba una doble linea temporal muy interesante. Y sin embargo.

Sin embargo tras unos decorados futuristas que beben de Blade Runner y una estética steampunk atrayente, decide pasar de puntillas por todos los conflictos y temas que tan interesantes parecían. Ponen toda la estructura, temas, el contexto, el misterio... y supeditarlos al efecto especial resultón, a que se vean un par de culos cada 25 minutos (de ellos y ellas, para que todo espectador esté contento) y sobretodo a que el culmen de cada capitulo sea una escena de pelea/tiroteos de 3-4 minutos (en cada episodio tiene que haber una, como mínimo) acaba haciendo de esta serie un producto fallido que va de más a menos y que acabas viendo pues bueno, por verla acabar.
No aburre, claro, e incluso algunos momentos tienen su gracia, pero es lo mismo de siempre, ¿para qué preocuparnos por el argumento si hay coches que vuelan, efectos especiales chulos y montones de puñetazos y cuellos rotos?. Un plus para el mérito de conseguir hacer planos personajes con 300 años de evolución... aunque si te paras a pensar en el proceso de creación (rico mimado, rica manipuladora, abogada insoportable, arenas de combate, policía dura hispana con familia tradicional, policía corrupto...) tampoco es que se hayan quedado calvos pensando.

Es el problema de Altered Carbon, una serie que parecía distinta y te acaba dejando la sensación de que, como suelen, han cogido una buena idea, la han limado hasta dejarla lo más plana posible y la han envuelto en montones de pirotecnia y cintas de colores.

Y así no. Al menos a mi, así me aburre. Una pena. Otra más.

El director Milos Forman (Hair, Amadeus, Juventud sin esperanza) se atrevió en 1975 con el peligroso mundo de las adaptaciones al plasmar la gran pantalla el best-seller de Ken Kesey “Alguien voló sobre el nido del cuco”, contando para ello con un reparto casi desconocido en el momento como Louise Fletcher o Danny de Vito, a excepción del siempre enorme Jack Nicholson, quien tras películas como Easy Rider y Chinatown comenzaba a labrarse el camino al estrellato.

En ella se nos cuenta la estancia en un manicomio de Randle Patrick Mc Murphy (Jack Nicholson), un vividor acostumbrado a constantes temporadas en prisión y que tras su último encuentro con la justicia decide hacerse pasar por perturbado y ser ingresado para evitar los trabajos forzados de la prisión, pues “un agradable hospital psiquiátrico es preferible a una temporada en la cárcel”.
Sin embargo descubre una realidad muy diferente al comprobar que los internos, aún estando bien cuidados, se encuentran sometidos a la férrea disciplina de la enfermera jefe. La Srita Ratched (Louise Fletcher), bajo una máscara de dulzura y comprensión dirige el lugar con mano de hierro, controlando a trabajadores y especialmente a internos, a quienes somete cruelmente dentro de unas normas que no son sino la extensión del rechazo de ese mundo exterior que los olvida por su incapacidad para adaptarse.
Pronto Mc. Murphy se convertirá en la voz de los encerrados, atacando con su rebeldía un orden tan rígido que había logrado que ni siquiera se escuchase una risa auténtica en el lugar. Pero enfrentarse al poder establecido cuando tu libertad y tu vida están en sus manos, pueden acarrear graves consecuencias.

Ganadora de los 5 grandes Oscars (película, director, actor y actriz principal y guión adaptado), 6 Globos de Oro y otros tantosBAFTA, “Alguien voló sobre el nido del cuco” demuestra como un guión sólido con una buena interpretación bien secundada tras la cámara puede sobreponerse a un bajo presupuesto y conseguir una magnífica película.
Todo ello, a pesar de contar con los problemas propios de las adaptaciones, sobretodo el no poder contar la historia desde la primera persona de uno de los internos y sumergirnos en la y forma de comprender del ser humano que hay tras el perturbado, Forman consiguió plasmar el grito de rebeldía y el ansia de libertad y ganas de vivir frente a la opresión del rígido sistema social impuesto que caracterizó a la época en la que Kesey escribió su relato. E igualmente reflejó las posturas que las personas eligen ante esta: la sumisión al poder, la evasión y la ignorancia consciente como vía de escape o el enfrentamiento directo a costa de las consecuencias.
Y es que el cuco es el único pájaro que no tiene nido: pone sus huevos en los nidos de otras aves para que estas los incuben. Y en Alguien voló sobre el nido del cuco, McMurphy es esa ave sin nido que entra en el hogar de otros pájaros y les cambia la vida para siempre.

¿Qué ocurriría si un día despertases sin recordar ni tan siquiera tu nombre? ¿Podríamos evitar el sufrimiento si en lugar de envejecer, rejuveneciéramos constantemente? ¿Te imaginas una vida al revés? Y en ese caso… ¿podría ser sinónimo de felicidad?
Estas cuestiones fueron plasmadas en 2004 por el entonces director novel de 23 años Alex Pástor, (Infectados y con The last days a estrenar en 2012) en “La ruta natural”, el cortometraje –proyecto de fin de carrera- que le dio a conocer nacional e internacionalmente.

Con guión de Martí Roca y Álex Pastor, música de Joan Villaroya y actores como Pere Ventura, Silvia Serván y Víctor López se desarrolla esta gran historia en corto, nominada al Goya al mejor cortometraje en 2004 y ganador entre otros del Premio Nova Autoría del Festival Internacional de Sitges 2004 y del Mejor Cortometraje Internacional en el prestigioso Festival de Sundance en 2006.

En él se nos presenta a Divad, quien tras despertar de un accidente es incapaz de recordar nada. Cualquier detalle de su vida anterior, su casa, Arual –la que dicen que es su mujer-, su propio nombre... todo es nuevo y desconocido para él. Aunque no puede concretar el qué, no puede dejar de sentir la impresión de que algo inquietante y fuera de lo normal ocurre en el mundo que le rodea. Y tal vez su pasado le dé las respuestas que necesita.

Un guión original a pesar de contar con reminiscencias de obras literarias como "Backward, O Time" (Damon Knight, 1956) o “Time's arrow", (Martin Amis, 1991) llamando profundamente la atención el uso constante tanto del fast rewind como de la voz en off del protagonista, único diálogo que nos lleva a través de una historia encuadrada entre colores fríos y atmósferas de casi continua melancolía que sólo se atenúan durante algunos momentos de felicidad.
Porque ¿quién no ha deseado volver atrás en el tiempo hasta momentos mejores? Pero de conseguirlo, ¿podríamos esquivar el sufrimiento y el dolor de la vida, o estaríamos condenados a perder nuevamente todo aquello que hemos querido? Y es que al fin y al cabo quizás la vida no sea sino un breve palíndromo…como LaRutaNatuRaL.

El tándem formado por Juan José Campanella y Ricardo Darín volvió a unirse tras Luna de Avellaneda, El hijo de la novia y El mismo amor, la misma lluvia, para deleitarnos con El secreto de sus ojos, basada en la novela de Eduardo Sacheri La pregunta de sus ojos y posiblemente una de las mejores películas de los últimos años.

Se ambienta en la Argentina de 1999 donde Benjamín Espósito (Ricardo Darín), agente del Juzgado de Instrucción de Buenos Aires recién jubilado, se lanza a escribir una novela sobre un asesinato ocurrido en 1974 que él mismo tuvo que investigar. Las consecuencias de aquel asesinato marcaron la vida de todos los involucrados, incluida la del propio Benjamín, algunos de sus amigos más cercanos e Irene Menéndez (Soledad Villamil), la mujer a la que lleva casi tres décadas amando en silencio. Ahora, veinticinco años después, la revisión de esos recuerdos cambiará su visión del pasado y tal vez le lleven a reescribir su futuro.

Mezclando magistralmente drama, intriga, thriller y un toque de comedia con unas pinceladas de cine negro, Campanella nos presenta una película de una solidez narrativa extraordinaria que nos hará viajar a través de un cuarto de siglo mostrándonos una doble crónica de amor y crimen que te mantiene en todo momento enganchado a la pantalla.
Todo ello, reforzado con las excelentes actuaciones de unos Ricardo Darín y Soledad Villamil en estado de gracia como pareja protagonista y con Guillermo Francella y Pablo Rago como secundarios de lujo, nos deja posiblemente una de las mejores películas de los últimos años, ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 2010 además de dos Goyas y nueve premios Clarín de la Academia Argentina entre otros muchos galardones.

Clint Eastwood, uno de los grandes referentes del cine contemporáneo, se atrevió en 1992 con un género en decadencia como el western, consiguiendo no sólo revitalizarlo sino crear todo un clásico en uno de sus más grandes trabajos tanto delante como detrás de las cámaras.

Acompañado de un reparto de lujo interpreta a William Munny, un pistolero famoso en su juventud por su brutalidad y falta de escrúpulos que retirado desde hace años, viejo y acabado, pasa grandes penurias para mantener a sus hijos. Esta situación lo lleva a aceptar un último trabajo acompañando a un inexperto cazarecompensas, The Schofield Kid (Jaimz Woolvett), y Ned Logan (Morgan Freeman), un antiguo compañero de aventuras igualmente retirado. Su misión les llevará al pueblo de Big Whiskey para acabar con dos vaqueros que desfiguraron la cara a una prostituta, enfrentándoles a Little Bill Daggett (Gene Hackman), el brutal sheriff del pueblo y English Bob (Richard Harris), otro famoso pistolero atraído por la recompensa.

A partir de este argumento se desarrolla una historia donde el valeroso que ayuda a los débiles a derrotar a los malvados es desplazado por la figura del antihéroe: individuos que se mueven por codicia, ambición o desesperación, fingiendo lo que no son mientras viven vencidos por su pasado y atrapados por un presente del que no pueden escapar y a duras penas logran adaptarse.

Con una estética sobria, austera y equilibrada, Eastwood conduce una reflexión sobre la condición humana: culpa, heroísmo, venganza, envejecimiento, apariencias, amistad, decepciones, recuerdos y anhelos, en un film considerado por muchos como la última gran obra maestra del género.
Diez nominaciones a los Oscars de los que obtuvo cuatro (película, director, actor secundario [Hackman] y montaje), dos Globos de Oro (director y actor sec. [Hackman]) y un Bafta (actor sec. [Hackman]) avalan una película imprescindible no sólo para los aficionados al western, sino para todo amante del buen cine.