No es Le mépris la obra ideal para los amantes de lo fácil y reconocible, estamos ante una película que crece con el tiempo y los visionados, que fluye con tristeza en el interior del espectador hasta destapar lo mejor que contiene y mostrar su inagotable resentimiento y su tremenda melancolía.

Godard desnuda a Brigitte Bardot y nos enseña los tersos muros que rodean a su personaje en esa tediosa y violenta relación con el inseguro, vencido y frustrado dramaturgo que encarna Michel Piccoli. El desprecio muestra de forma hipnótica y deliberadamente apasionada el final de un matrimonio gobernado por el hastío, por los celos, por una acomodada visión del oficio de artista que arrastra inevitablemente al aburrimiento que habita en las altas esferas de la cultura hecha añicos por un talón generoso.

La envolvente música y el inmenso encanto de su moderna puesta en escena no ha de desviar nuestra mirada de la verdadera historia que Godard nos quiere contar: La eterna lucha interior con la que ha de enfrentarse el artista que decide vender la belleza al mejor postor, la rabia del que no sabe conservar su independencia creadora y es derrotado por las dudas y las facturas.

El film oscila entre lo pretendidamente trascendente, el supefluo vacío del cine de autor más exigente y la sublime revelación de los sentimientos más universales y la tragedia más oscura y redentora. Hay luz en el desprecio, hay sombras en los besos escondidos, hay camino tras la ruptura, hasta que todo acabe y la cámara deje de rodar seguiremos creyendo que la vida puede parecerse, en el mejor de los casos, al buen cine.

Almodóvar se recrea en su estilo, depurado y retorcido de sombría melancolía.
Cine dentro del cine, tristeza y contención, remordimientos y sensualidad disfrazada en un cuerpo maravilloso y ausente.
La historia es un regalo en géneros y sutilezas, un mar de sensaciones y algo decepcionante pese a la grandeza.
Pedro es un guionista inmenso y un maravilloso artista plástico, un feroz cazador de sentimientos, una apuesta segura para lágrimas y deseo. He sentido su amor por el cine, por la mujer, por la pérdida, por Rossellini, Fellini, Antonioni, por Romy schneider, por las escaleras, los celos, los vestidos rojos y los besos mortales, los amantes y los coches, las maletas y los vampiros.
No deja de ser una película difícil, arisca, hipnótica y elitista, pero también es cercana, comprensiva con sus desdichadas criaturas, con su eterna sensación de oscuridad.
Las películas han de acabarse a ciegas, o con los ojos abiertos de par en par, pero nunca con el corazón en el bolsillo, o la cabeza en otro sitio.

Pero este no es el caso, los abrazos no están rotos, sólo están esperando en una sala de montaje, escondidos entre viejas fotos rotas.

Saraband es la última y depurada obra maestra de Bergman, una obra íntima, inmensa, dolorosa e inevitablemente atada a los fantasmas del pasado.
Bergman siempre fue un exibicionista, un perturbador estudioso de su alma torturada, un ególatra de las palabras envenenadas.
Saraband bucea en los recuerdos, en su interior se esconde una serena mirada, una espera, una caricia envuelta de reproche, un sentimiento eternamente fugaz. El cine no será lo mismo sin ese genio sueco que cruzó la frontera que separa la realidad de lo imaginado, para adentrarse en el mundo de lo sensitivo, sin abandonar nunca la razón y su obsesiva busqueda del otro.
Ingmar Bergman fue un artista de su tiempo y también un visionario, un hombre ilustrado pero no un pesado como muchos creen, su cine es místico y reflexivo, pero tambíen sensual y narrativamente perfecto.
En Saraband está lo mejor de su cine, el reencuentro con dos de sus personajes más célebres, pero el verdadero peso de la historia recae en otros personajes, los de un padre y una hija que se aman, se necesitan, y caminan de la mano hacia el precipicio del abandono.
El cine de Bergman es la vida, y esta siempre se cuela por las rendijas, por los poros. La muerte no existe, sólo perdura el silencio.

El cine de Shyamalan intenta quitarse la máscara y mostrar sus verdaderas intenciones, si con La joven del agua ya intuía parte de su rostro con El incidente ya queda bastante claro que el director está cansado de gustar.
Es evidente que su cine siempre busca al mayor número de espectadores posible, pero sus inquietudes artísticas van más allá de lo que siempre se espera de él, finales sorpresa, sustos...
Espero impaciente que este genial autor se dedique definitivamente a lo que quiere, a mostrar todas las caras del miedo, la incomunicación y falta de valores humanos de nuestra sociedad.
El incidente está cerca de ser lo que quiere, una película violenta, regodeada en su propio horror, pesimista y ligeramente naif, es una prueba más de las siniestra visión de la vida que tiene Shyamlan.
Pero la película tiene cosas que no funcionan, como ese personaje algo insoportable y mal escrito interpretado por Zooey Deschanel, aunque en general es una obra disfrutable y a la vez densa, y como siempre en la filmografía de su director, el terror es casi una excusa para lanzar un canto poético al poder de la fé y el amor.

En definitiva, es una cinta por momentos terrible, también bella, divertida, que sigue la estela de la ciencia ficción de los 50, que se reconoce en la inquietante La niebla de Carpenter, que hace autoguiños a Señales, y que espera ser un día una cinta referencia del cine profundo y maravillosamente romántico que realiza este director.

Espero poder disfrutar pronto de otra nueva vuelta de tuerca acerca de los males de nuestro tiempo, pero mientras rezaré para poder coger con fuerza a alguien de la mano, porque lo que Shyamalan nos dice, es que ni el horror, ni la fé, ni el cine son nada comparado con la única motivación que nos empuja a seguir adelante en este planeta extraño que se vuelve mas hostil cada dia: El amor.

Arrebato es una subyugante y terrorífica muestra de como el cine puede devorar, o en el mejor de los casos poseer a quién se acerca a él demasiado. El cine es la mayor de las farsas, el cine lucha contra el paso del tiempo, contra la ausencia del amor, contra la inmensa incomunicación, tal vez por ello sea la más bella de las mentiras que el hombre pueda contar, y tal vez por ello nos dejamos seducir demasiado por su brillo crepuscular, por su estilizada narrativa.

Arrebato nos muestra a un director de serie b obsesionado por la libertad absoluta a la hora de crear de ese enfermo de celuloide(alter ego del propio Zulueta)interpretado por Will More. Es una película de cine dentro del cine, de pasión y dolor, es una película maldita y viciada, sucia y algo arrogante. Es la pequeña joya que nos dejó Iván Zulueta antes de vaciarse y autoexiliarse de su propio miedo a seguir haciendo cine, ese cine que le da vida y lo destruye.

Tal vez Arrebato sea una película fea, hedonista, autocomplaciente, pero yo no puedo evitar sentirme hipnotizado por esta maravilla del asco a los que no ven más allá de las palomitas y los finales felices. Arrebato es una bofetada en la cara de los que creen en el cine como evasión, como entretenimiento,cuando el cine es como todas las artes, cruel e implacable con quién las practica y disfruta en profundidad.

Acércate a Arrebato con los ojos bien abiertos y el alma en un bolsillo, olvida Arrebato inmediatamente y prueba a no entender nada, sólo así vivirás tantos años como te lo permitan tus genes y tus hábitos, por lo demás, yo hace tiempo que estoy arrebatado.