Acabo de acceder al mundo de Tsai Ming-liang a través de "Rebeldes del Dios Neón". No he visto nada más de su filmografía pero me voy a poner a ello. Me encanta y creo que es muy buena señal que las críticas sobre sus películas vayan desde "Menudo bodrio" a "Un rollazo sin sentido". Es buena señal para comenzar a investigar.
Sobre "Rebeldes..." decir que es un mosaico impresionante sobre la alienación de los seres humanos -en este caso un grupo de jóvenes- en la sociedad. No solo la taiwanesa, la peli es del 92 pero actualmente con los nuevos videojuegos, facebooks, youtubes, etc... se puede extrapolar a cualquier lugar del globo. Bravo por eso. Bravo por la referencia cinéfila hacia la peli de Nicolas Ray, "Rebelde sin causa", donde ya se trataban precisamente la incomprensión entre el mundo adolescente y el mundo adulto. Bravo por el uso del color, por esa fotografía sucia, oscura y por la precisión en empleo de la cámara: tanto a nivel de encuadres, como movimientos, como composiciones.
Con una final pesimista pero necesario, la película invita a la reflexión y a un analisis de los elementos formales.

John Cassavetes decía que lo que le intereseba en sus películas era que los personajes experimentasen realmente lo que es el amor aunque para ello fuese necesario que se odiasen o se machacasen enre ellos.
En "Shadows", su primer film, comienza a trabajar sobre ello con un resultado notable y en "Faces" consigue transmitir esa sensación de multidimensionalidad del amor a través de la relación tortuosa de la pareja protagonista, hasta el punto de la humillación y de la vejación delante de la cámara.
En "Husbands" el director norteamericano de carácter más europeo se centra en el tema de la amistad aunque también toca tangencialmente el del amor.
La premisa argumental es bien sencilla: tres amigos, los tres casados, con empleo y con hijos, ante la muerte de un amigo común de toda la vida, deciden irse de jarana, escapar de la realidad que les oprime y emprender un loco viaje a Londres en donde se encontraran a sí mismos.
Mientras que cualquier otro director hubiese fracasado estrepitosamente ante semejante argumento, Cassavetes, con la cámara como un bisturí, disecciona el alma de estos tres amigos durante las dos horas de metraje.
Muchos de los comportamientos de los tres protagonistas nos pueden parecer reprobables: pillan varias cogorzas de miedo, apuestan alocadamente en un casino e incluso engañan a sus mujeres con "ligues" y prostitutas.
Cassavetes coloca a Peter Falk y a Ben Gazzara en el abismo. Su viaje les haces replantearse su existencia hasta el punto que uno de ellos decide romper con todo y quedarse en Londres.
Al igual que sucede con "Faces", logramos identificarnos tanto con los personajes que al acabar el film uno se pregunta: "¿Y Ben Gazzara se quedará realmente en Londres o volverá cuando se le pase el venazo?". ¿Con que película actual salimos del cine padeciendo por el futuro de un personaje?
"Husbands" es una reflexión muy seria sobre el agobio que debe producir el tener una vida ordenada, llevar muchos años casado y haber formado una familia. La expresión "echar una canita al aire" se analiza desde una perspectiva seria y el espectador llega a la trágica conclusión de que sí, en ocasiones hay que mandarlo todo a la mierda y pegarte una escapada con tus colegas. Sino la opresión y las obligaciones de la vida conyugal y familar pueden acabar por volverte loco.
Aparte de buen director, Cassavetes era un estupendo actor. El documental "Intimo Cassavetes" nos acerca su manera de trabajar. Sus películas pueden parecernos improvisadas o rodadas de cualquier manera, nada más lejos de la realidad. Lo único que Cassavetes dejaba "en el aire" era lo que cada actor/actriz podía aportar a la secuencia; tenía la cámara y el sonido instalado de tal forma que el encuadre siempre recogiese ese movimiento, esa expresión o esa frase que el actor, siempre metido en su papel, aportaba a la peli. Y eso siempre las enriquecía mucho.

A través de las peripecias que viven un grupo de amigas y amigos de la burguesía de Turín, Antonioni construye magistralmente una metáfora sobre el ser humano y la necesidad (o no) de estar acompañado por otros seres, de amar, de ser amado y de lo efímero de la amistad y de la propia vida. Varios personajes plantean a lo largo del metraje a través de diálogos temáticos preguntas que inciden sobre el enuciado del film. Cada amiga representa una postura o un punto de vista frente a estos dilemas. Amistad, amor, adulterio, la vacuidad y la frivolidad de la alta burguesía... son temas que el director italiano ha sabido desarrollar con excelente pulso a lo largo de su filmografía.
Mucha gente accede a Antonioni a través de "El eclipse", de "La noche", "La aventura" o de "El desierto rojo". Por desgracia, mucha gente no sabe apreciar este cine más maduro o "díficil" porque antes no ha visto su etapa más, llamemosla narrativa, que comprende "Crónica de un amor", "La dama sin camelias", "El grito" o "La amigas" como películas paradigmáticas de este, su primer periodo.
Es en esta primera etapa de afianzamiento como director donde están las claves para entender todo su cine posterior, en el que los personajes nos resultan más complejos puesto que ya no tienen un objetivo claro (son personajes más próximos a los seres humanos reales que a un personaje arquetipico de ficción y por eso nos cuesta más entenderlos y se nos hace más raro "seguir" sus vivencias en la pantalla); tienen además una motivación extinguida y no siguen ninguna estrategia para conseguir nada. Es por eso que incluso a personas amantes del séptimo arte las pelis de Antonioni a partir del 60 les resultan raras o aburridas. Mal hecho. Conviene por ello ver antes "Las amigas" (entre otras), donde si que desarrolla los conflictos internos de los personajes, digamos, "visiblemente" para el espectador. Aunque claro, un genio es un genio y hay algunas secuencias, como la de la playa, en la que los personajes ya comienzan a dar muestras de esa motivación extinguida y esa carencia de objetivos que tendrá su culmen en la secuencia de la orgía de "El desierto rojo".

Última pelicula de Melville, tal vez una de las más flojas de su filmografía, donde da más muestras de decaimiento aunque el resultado final sea más que digno: notable.
El grandísimo cineasta francés logra de nuevo dar una vuelta de tuerca al género policiaco, juega con los elementos del cine negro pero con un distanciamiento feroz sobre los hechos.
La secuencia inicial del atraco es un ejemplo de ello a través del montaje, con unos cortes secos y abruptos que en ocasiones te sacan de la propia narración. Los personajes son témpanos de hielo, parecen autómatas sin corazón, en especial la hermosa Catherine Denueve y el comisario que intrepreta Alain Delon. Richard Crenna doblado al francés hay momentos en los que no resulta tan convincente al igual que los efectos especiales, sobre todo en la parte del tren. Creo que Melville, en esta película, se deja seducir por el efectismo en lugar de trabajar más las situaciones, los personajes y los diálogos. El personaje más verosímil es el atracador que vive engañando a su esposa, hay varias secuencias grandiosas que se construyen a través de las miradas de este matrimonio desecho y sus acciones. Sutileza y maestría.
Eric Rohmer decía de Melville que era un tipo curioso que debía de haber sufrido mucho para construir todo ese mundo de gansters, matones y policias de los que dudaba que hubiese conocido a alguno en la realidad a excepción de su temporada como resistente próximo a De Gaulle.
En definitiva, "Un flic" es una película muy bien hecha y muy decente, con ideas interesantes pero que está a años luz de títulos como "El silencio de un hombre", "El confidente" o "Bob, el jugador".

La película estuvo a la altura de mis expectativas: me imaginaba que iba a a ver un cagalló de sequia y así fue, ni más ni menos. Personajes estereotipados, maniqueos hasta tal punto que dan risa. Un casting muy acertado: el niño protagonista es Billy Elliot Junior; el niño del pijama se parece a Claudio, el primo gañán de Marlo de La Hora Chanante (este parecido me provocó carcajadas en las escenas más tristes con la consiguiente ofensa del resto de la sala que parecía muy apenada); el padre tiene una cara de besugo, su rostro transmite menos emociones que mi culo; Pavel, el judío que hace las veces de Mayordomo siempre tiene los ojos rojos y anda cojito (esto también me hizo mucha gracia); por no hablar del malo-malísimo teniente joven nazi rubito-ario y de la mamá (unico personaje que tiene dos niveles de conflicto) o la hija afiliada emotivamente a las juventudes hitlerianas. Un circo.
El film es un ejemplo sencillo, un experimento nada complicado, de cómo manipular los sentimientos de la gente. El final es una copia literal de la secuencia de la cámara de gas de "La lista de Schindler", mismos efectos de sonido y de luz.
Me parece obsceno e innecesario que se sigan haciendo revisiones del Holacausto desde esta perspectiva pasteloide. Está suficientemente demostrado que fue uno de los sucesos más despreciables que haya podido cometer el ser humano, ya está bien de hacer películas lacrimógenas sobre el temita. Se echa de menos que los productores/directores actuales no tengan la suficiente valentía para tratar en sus películas temas actuales verdaderamente importantes como el conflicto israelí-palestino o las guerras civiles en África. Desde la perspectiva de un niño o desde otro punto de vista. Resulta muy cansino estar revisitando la tragedia judía siempre desde el edulcoramiento y la manipulación.