El cine son emociones y eso es lo que ofrece, elevado a la enésima potencia, la última maravilla de Pixar. Su título: Del Revés (Inside Out). La factoría del flexo ha regresado por la puerta grande después de dejarnos huérfanos durante 2015, año en el que no estrenaron película. El bache (si se puede denominar así) de Pixar ha sido momentáneo y todos podemos felicitarnos por ello mientras contamos los días para el estreno de El Viaje de Arlo. Dice el dicho que "las comparaciones son odiosas" y esa es una de las explicaciones del bache de Pixar. Con Wall-E, Up y Toy Story 3 tocaron el cielo, después vinieron Cars 2 (un patinazo en toda regla), Brave y Monstruos University (películas dignas, aunque de acuerdo con que a estos fenómenos se les podía exigir más). Inside Out reconcilia a Pixar tanto con aquellos que perdieron la fe en ellos, como con aquellos que siempre se mantuvieron fieles porque estamos ante su mejor película (junto con Toy Story 3) y eso son palabras mayores. Algunos dirán la típica frase: "No es una peli para niños". Pero, ¿cuándo ha hecho Pixar películas para niños? Son los adultos los que pueden disfrutar plenamente de esta maravilla porque tienen el bagaje para comprender la profundidad y complejidad de lo que se cuenta en pantalla.

¿A quién se le ocurriría hacer una película sobre las emociones? Alegría, Tristeza, Miedo, Ira y Asco son los protagonistas de la historia por partida doble, tanto por lo que vemos en pantalla como por lo que siente el espectador durante su proyección. Inside Out consigue removerte por dentro apelando a todas las emociones citadas, aunque son la tristeza y la alegría las que se llevan la palma dibujando en tu rostro alternativamente sonrisas y lágrimas. Pixar juega con nuestros sentimientos de forma sincera, contándonos la historia de una niña de 11 años que no sabe cómo hacer frente al cambio que supone mudarse de casa y de Estado, dejando atrás muchas de las cosas que hasta ese momento habían forjado su personalidad. Lo pierde todo y no entiende por qué. Se hace preguntas y no encuentra respuesta. En definitiva, empieza a dejar de sentir. Y eso te puede pasar con 11 años, con 27, con 34, con 43, con 55, etc. El proceso es muy parecido y por eso lo que cuenta Inside Out es extrapolable a cualquier momento vital de un ser humano. Lo bueno es que Riley tiene 11 años y con esa edad el cariño de tus padres puede sacarte de esa depresión que amenaza con conquistar tu mente y tu cabeza. Cuando uno se va haciendo mayor, la cosa se complica y uno solo se tiene a si mismo para salir adelante.

Gravity es asombrosa

Gravity es la justificación del 3D

Gravity es una experiencia única

Gravity es soledad

Gravity es una lágrima perdida en el espacio

Gravity es un plano secuencia fascinante

Gravity es una pieza de orfebrería

Gravity es miedo

Gravity es una delicia visual

Gravity es la perturbadora belleza del universo

Gravity es un tramo final decepcionante por caer en el tópico

Gravity es emplear bien tu dinero

Gravity es, ante todo, PURO CINE

El 28 de abril de 1947 el noruego Thor Heyerdahl tomaba rumbo a la Polinesia desde las costas de Perú a bordo de una balsa fabricada con madera y cuerdas. Por delante le esperaban 101 días de viaje en los que recorrió alrededor de 7.000 kilómetros. El objetivo de esta suicida empresa era demostrar que los pobladores de la Polinesia provenían de América del Sur y no de Asia, como hasta ese momento se creía. Por fin y con varios meses de retraso llega a las salas de cine Kon-Tiki, una película que narra esta particular odisea.

La cinematografía noruega, siempre a la zaga de suecos, daneses o finlandeses, goza de buena salud, como demostraron las recientes Headhunters o La Isla de los Olvidados, y la Academia de Hollywood reconoció su labor nominando a Kon-Tiki. Sus posibilidades de alzarse con el galardón en la gran noche del cine eran escasas ante la presencia de Amor de Haneke, pero esta nominación sirvió para que la película tuviera un mayor recorrido internacional.

No es la primera vez que la excepcional historia de Thor Heyerdahl tenía presencia en la gala de los Oscars. En 1950, el propio Heyerdahl subió al escenario para recoger una estatuilla dorada al Mejor Documental. Y es que este aventurero hizo testigo a todo el mundo de su hazaña grabando el viaje con una cámara. Todo su esfuerzo no obtuvo recompensa, salvo la satisfacción del objetivo cumplido, porque actualmente sigue prevaleciendo la teoría de que fueron los asiáticos los que poblaron la Polinesia.

Con el paso de los años, Brad Pitt se ha convertido en uno de los actores más reconocidos del “star system” de Hollywood. Películas como Babel, El Curioso Caso de Benjamin Button o Moneyball son ejemplos de la madurez alcanzada por este intérprete. Guerra Mundial Z es una película realizada para su lucimiento, pero en ningún momento vemos brillar a la estrella. Pitt entrega una actuación con el piloto automático, pese a sus esfuerzos con el castellano, que no veíamos desde Sr y Sra Smith en 2005. Ninguno de sus compañeros de reparto, la mayoría rostros televisivos, puede hacerle sombra en sus fugaces apariciones.

Pitt tampoco destaca en su vertiente como productor puesto que el resultado final,escasamente original, no pasa del aprobado raspado. Si además tenemos en cuenta la cantidad de problemas que ha sufrido Guerra Mundial Z hasta ver la luz (reescrituras de guión, rodaje de nuevas escenas, varios montajes,…) y el enfado de los fans del libro de Max Brooks por su escasa fidelidad, podemos afirmar que estamos ante un leve tropiezo en la solvente carrera del actor. La aparición fantasma de Matthew Fox, que en un primer momento tenía un papel vital con vistas a una futura secuela, son una buena muestra de los cambios que ha sufrido la cinta. Así que de una segunda parte ni hablamos.

Lo más original de Guerra Mundial Z es que es una película sobre zombis alérgica a la sangre. No podemos olvidar que estamos ante un “blockbuster” veraniego en busca de taquilla y ningún segmento del público puede quedar excluido. Si no fuera por un par de sustos que remueven en la butaca, hasta los niños podrían acudir a ver esta ”disneyana” propuesta zombi. Marc Forster, un director cada vez más plegado a las exigencias de Hollywood, es incapaz de otorgarle personalidad a la película. Lejos quedan obras como Monster’s Ball, Descubriendo Nunca Jamás o Más extraño que la ficción. A favor de la cinta hay que decir que no aburre y que tiene conseguidos momentos de tensión, aunque en el clímax un zombi se empeñe en transformar el rechinar de dientes en carcajadas.

Una vez finalizada la proyección de Anna Karenina, uno no sabe si aplaudir la valentía de su director, Joe Wright, o vituperar el ejercicio de egolatría llevado a cabo por el británico. La obra de Tolstoi ha sido objeto de numerosas adaptaciones tanto para la gran como para la pequeña pantalla, lo que dificultaba enormemente ofrecer un producto original. Wright salva ese primer escollo rodando su película en un teatro que se transforma con el devenir de la historia. En un primer momento la idea sorprende y encandila, pero con el paso de los minutos aparece la sensación de ser un mero artificio al servicio del lucimiento de su director.

Wright encierra Anna Karenina entre cuatro paredes y la película se va quedando sin aire. Hasta el propio Wright parece tener la necesidad de respirar y sucumbe a la belleza de los parajes rusos, ofreciendo varias escenas fuera del teatro. El realizador británico no es capaz de llevar su propuesta hasta sus últimas consecuencias y se traiciona a sí mismo sacando la acción al exterior. El director de la brillante Orgullo y Prejuicio está lejos de la radicalidad de Lars Von Trier y su Dogville, por poner un ejemplo. El espectador sí agradece ver la luz natural, saturado de la excesiva teatralidad del conjunto. Esta sensación nunca surgía durante el visionado de la película danesa.

El otro gran hándicap con el que carga Anna Karenina es la falta de química entre la encasillada Keira Knightley y el oxigenado Aaron Johnson. Ambos protagonizan un enamoramiento poco creíble y es que pocas veces un cruce de miradas fue menos sutil y más pueril en la historia del cine. Wright tiene aun mucho que aprender de Ivory, que lo bordó en Lo que Queda del Día con Emma Thompson y Anthony Hopkins como protagonistas. La historia central está deficientemente narrada, justo al contrario que las tramas periféricas que la rodean. Ese es uno de los principales problemas a la hora de adaptar clásicos tan voluminosos.