*Recordar es volver a vivir

Las dos estrellas interpretan a Willa y Bill, amantes cuando eran estudiantes hace 25 años, antes que se reencuentren en el aeropuerto cuando sus vuelos se retrasan. Sus intercambios inicialmente incómodos insinúan que la pareja no terminó feliz. Atrapados juntos en el futuro previsible, Bill comenta que sufre de “ansiedad anticipatoria” y Willa se describe como una “practicante del bienestar en las artes curativas”. En la espera, ambos repiten los aspectos más dolorosos de su relación anterior, que incluyen que Willa se acostaba con otros hombres y el aborto espontáneo de su bebé.

*Anuncios molestosos

Mientras tanto, el aeropuerto está cada vez más desierto y aparentemente uno de cada dos pasajeros logra abordar un vuelo. El lugar en sí parece estar guiando sus destinos, la megafonía haciendo anuncios cursis y a menudo respondiendo directamente a sus comentarios, y los carteles electrónicos que transmiten mensajes como “El tiempo lo hará” o “Solo conectar”. El último mensaje resulta instructivo: la pareja reaviva cálidamente su afecto mutuo y finalmente bailan juntos por el aeropuerto vacío.

*Un escenario, pocos recursos

Lo que podría haber resultado eficaz teatralmente resulta totalmente artificial y esquemático en la pantalla, a pesar de los considerables esfuerzos de Meg Ryan como directora e intérprete. Ella proporciona ideas reiterativas al escenario único, una vertical que separa a los personajes y con tomas exteriores repetidas del aeropuerto, por lo que el proceso resulta más un telefilme. Si bien el abundante encanto de Ryan es tan evidente como siempre, su personaje desafortunadamente parece un arquetipo torpe.

*Conclusión

Sin embargo, Lo que sucede después resulta atractivo a veces, gracias a la química entre Meg Ryan y David Duchovny, este último emplea sus dotes cómicos inexpresivos y perfeccionados con excelentes resultados. De ese modo, si se está buscando una película para pasar el fin de semana, esta comedia romántica es la alternativa para recordar a una actriz/directora que está haciendo catarsis de su propia vida, al igual que todos nosotros.

Escrito por Renzo Bill

*Incómodamente tediosa

Con un argumento poco más que insípido comienza el metraje de La vida soñada de Miss Fran: Después de la marcha de una antigua compañera, un joven integrante (Dave Merheje) llegará a la misma oficina en la que trabaja Fran (Daisy Ridley), una introvertida y apática mujer. Los protagonistas comienzan una especie de comedia romántica donde la incomodidad supera a la comedia y la desgana al romanticismo. Con cada interacción de estos, el espectador siente una vergüenza ajena provocada por las forzadas conversaciones y situaciones a las que son sometidos durante la obra. Es difícil de ver por el poco trasfondo que se nos da de absolutamente nada, creando un desapego entre la audiencia y la historia, que se mueve de forma irregular y muy lenta mientras su relación va tomando forma.

La apatía vital que siente el personaje al que da vida RIdley no tiene nada que aportar más que eso mismo, que no puede disfrutar nada en la vida. No es causa ni causante, no es un medio para movilizar al personaje, es un fin en sí mismo sobre el que se da vueltas noventa minutos de manera forzada y pesada. El personaje que viene a intentar socavar esa soledad es un hombre divorciado escrito única y exclusivamente para crear situaciones extremadamente incómodas. La culpa no reside en ningún lugar más allá de un guión que imita una sensibilidad contemplativa sobre la soledad a la que ni siquiera se acerca. Se intenta hacer poesía de la nada absoluta y como es de esperar, aparecen unos versos completamente vacíos.

*Ni transmite ni parece preocuparse por ello

En su faceta más filosófica, Rachel Lambert nos viene a hablar de la dificultad de entablar relaciones sociales, de la falta de comunicación y de los inadaptados sociales. ¿Aquellos que viven en los márgenes, aman, sufren y sienten igual que los que no lo están? Pues es un buen planteamiento que queda sin resolver, ya que la narrativa se empeña en hacer brillar lo menos interesante de cualquier elemento, hecho que acaba por aportar una lentitud soporífera al film que sumado a un desconocimiento general, nos hacen ver algo completamente sin pulir, una especie de borrador llevado a producción.

Y no se confundan, con esto no se hace referencia a que haya una falta de mensaje, si no que nos se nos deja ver absolutamente nada hasta que finalmente, se nos lanza de manera violenta. Una historia hecha para su formato original (el de cortometraje), que hace que este largo se sienta estirado al máximo sin aportar nada nuevo ni original.

Una de las únicas cosas que resaltaría positivamente en La vida soñada de Miss Fran es el depresivo ambiente conseguido, que envuelve la cinta y da cobijo a los personajes. Un ambiente general bien cuidado, que aunque no resalte especialmente, hace que los personajes tengan un espacio (que aunque desconocido completamente para el espectador) seguro en el que moverse, así como coherente y armónico con estos. Su desaprovechamiento es ciertamente frustrante, pues no se nos muestra de mala manera ni de forma obvia, sino que se siente por los escenarios, las conversaciones y los comportamientos más que por el contemplativismo tan común en cintas de corte independiente. Podría haber funcionado bastante bien con otro tipo de guion más satisfactorio en lo narrativo y no tan centrado en sus tristes personajes.

*Conclusión

Una trama prácticamente inexistente es poblada con un grupo de insípidos y cargantes inadaptados sociales con complicaciones para sentir nada más que una tristeza y tedio vital que impregna cada una de las lentas escenas que conforman el largo. Es por eso que sus aspiraciones poéticas se quedan tristemente en poco más que eso, aspiraciones. Una frustrante decepción.

Escrito por Mario Peña Pérez

*Guadagnino lo vuelve a hacer con Rivales

Rivales es una película excelentemente ejecutada, como un buen revés de tenis. Luca Guadagnino, después de dejarnos boquiabiertos con películas como Call Me by Your Name o Hasta los Huesos, que tienen un aire más indie, se deja lucir con este drama deportivo que demuestra sus grandes capacidades para dirigir un largometraje con un generoso presupuesto detrás. Es curioso como todas las películas de Guadagnino son muy diferentes entre ellas, pero siempre consigues ver su huella propia. Y es que el amor parece ser su temática estrella, y si una nos dio un amor caníbal y un amor homosexual, Rivales nos brinda un amor de tres. El objetivo de Luca Guadagnino es hacernos ver una nueva manera de amar. Aunque, eso sí, mostrando las cosas buenas y malas de una relación de tres personas con mucha ambición.

*La elegancia en el vestir

El tenis es una mera excusa, pero la rivalidad entre estos tres deportistas se palpa en los pequeños detalles. Y es que es importante recrear bien los escenarios sin que parezcan paródicos, y Rivales lo consigue sin duda. La estética deportiva, el cuidado por el material y el equipamiento, además del vestuario, dan un gran acabado al film. Además, celebro el gran trabajo estético que han hecho con Zendaya, que luce en todas las escenas como una divinidad (a pesar de que ella ya es una diosa siempre). Pueden parecer cosas poco destacables a primera vista, pero es algo que hace que la película tenga credibilidad.

*Una experiencia discotequera

La música de Rivales le da mucha personalidad a la película y es de sus cosas más destacables. Me recuerda un poco a esos míticos juegos de las primeras consolas donde podías jugar a tenis. Es además una música que sube la tensión de las escenas, y que taladra en la cabeza como lo hacen las discusiones y tensiones (en el buen sentido). También lo combina con unos cantos infantiles casi religiosos, que le dan un toque más humano a lo que pasa, relajando la tensión y viendo la cara pura de los personajes. Son elecciones sin duda creativas por parte de Trent Reznor y Atticus Ross, pero los riesgos musicales funcionan perfectamente en Rivales.

*La cámara es la protagonista del partido

Una de las cosas más destacables de todo el film es el juego de cámara, la creatividad en los planos y los movimientos que hacen. Especialmente durante los partidos, se juega con la velocidad y las perspectivas de manera ingeniosa, haciendo que estemos cada vez más dentro del partido. Cámara de seguimiento, perspectiva desde debajo de los pies, puntos de vista en primera persona… Guadagnino no se ha cortado ni un poco a la hora de jugar con los recursos en Rivales. Hace algo que pocos cineastas hacen en Hollywood actualmente.

*Un trío protagonista formidable

Sin duda, una de las mejores cosas de Rivales son los actores principales. Zendaya se vuelve a proclamar como una de las grandes estrellas juveniles de Hollywood, haciendo un papelazo como conquistadora de torneos y de corazones. Su presencia en cada escena es magistral, y es que no puedes evitar dejar que tus ojos la admiren en cada momento. Mike Faist y Josh O’Connor hacen de esta película una redonda completa, haciendo que el trío protagonista sea cerrado y de lo más interesante actoralmente este año en Hollywood.

*Un gran futuro para 'Rivales'

Es evidente que esto promete para los Oscars. Hemos visto a Zendaya presente en dos películas estelares este año. Si la academia reconoce su gran trabajo, quedará consagrada como una de las actrices que mejor trayectoria le espera para los próximos años.

*Conclusión

En resumen, Rivales logra crear una atmósfera de juego perfecta, con unos actores que consiguen relacionarse emocionalmente de gran manera, además de dar una tensión de vértigo al partido con una cinematografía más que formidable.

Escrito por Núria Molina Insa

*Los inicios pueden despistar

Hasta el fin del mundo arranca con una escena cargada de tensión, acción, violencia y sangre que puede dar un indicio falso de lo que va a ser el devenir de la historia. Mortensen plantea una trama que bien podría verse reflejada en los western clásicos de búsqueda, captura y venganza. Nada más lejos de la realidad, el director decide tomar un camino muy distinto, presentándonos un drama —melodrama, a mi parecer— familiar en el que las relaciones de los protagonistas son las verdaderas conductoras de la historia.

*Dirección Vs. Montaje

Si algo tiene claro el realizador es que no pretende hacer un ejercicio de dirección rocambolesco. Viggo Mortensen presenta una película de corte clásico en la que deja que los protagonistas sean los que se luzcan en pantalla. No busca hacer grandes movimientos de cámara ni trampantojos de ningún tipo, tampoco busca llenar el encuadre con elementos que pretendan cargar con gran simbolismo la escena. Él está ahí por y para los actores. Y sí, como director no busca destacar, pero a nivel interpretación está bastante bien, haciendo ver que para él no pasan los años.

Sin embargo, el montaje se contrapone a la dirección. En este caso, el director opta por una estructura más postmoderna, dejando el relato al servicio de los continuos flashbacks sobre la vida de los protagonistas, en especial, la de Vivienne. El personaje de Vicky Krieps, se encarga de tomar las riendas en los acontecimientos pasados y además, en oposición al corte clásico mencionado anteriormente, denota cierta carga simbólico-fantástica en los recuerdos de su infancia.

*'Hasta el fin del mundo' para nostálgicos

Viggo Mortensen se regala una película de lo más personal, permitiéndose un particular homenaje a sus raíces europeas, pues ninguno de sus dos protagonistas es americano y, concretamente, el del director es danés.

No es un western de acción, sino una película movida por el amor y la añoranza en la que todos sus personajes brillan. Vicky Krieps se encarga de tomar el peso de la narración en todas sus escenas interpretando a una mujer fuerte e independiente, mientras que el antagonista, Solly McLeod, está de lo más terrorífico portando, en todo momento, sombrero y guardapolvos negros, como en las clásicas películas del oeste. Aunque es cierto que el montaje fragmentado hace que cueste más seguir el hilo narrativo, Mortensen puede estar satisfecho del trabajo que ha realizado.

Escrito por Alejandro Sanjuán Giménez

*En busca de su madre

Deep sea: viaje a las profundidades, es una película de animación que viene desde el país de la Gran Muralla. San Su, es una niña que fue abandonada por su madre hace unos años. Su padre ha rehecho su vida al lado de otra mujer, y le ha dado un hermanito. Un crucero familiar será el detonante del alucinógeno viaje que esta jovencita vivirá. Una noche guiada por lo que parece la voz de su madre, a la que añora continuamente, cae por la borda y su viaje comenzará en un mundo acuático a bordo de un submarino lleno de seres pintorescos. Que es una especie de restaurante gigante. Así nace lo que será un descubrimiento en pos de dar con su madre. Estamos ante una película que su director construye de forma inteligente, pero algo difícil para niños.

*Algo rebuscada la animación

Esta nueva muestra de animación, es un viaje para los sentidos. Estamos ante una película que está diseñada para que el espectador deje por casi dos horas la realidad atrás. La paleta de colores, viajes psicodélicos, y un torbellino de piruetas abstractas, se dan la mano durante todo el film. Los sentimientos de la pequeña, su anhelo por su madre, y el poco caso que su padre le hace tras contraer nuevas nupcias, la sumergen en una burbuja de invisibilidad ante su familia.

El director nos ofrece esos sentimientos de pena y búsqueda, atraves de todo un caleidoscopio de arte pintoresco. Juega con las formas y colores, en una animación realmente brillante, pero que por momentos se me hizo algo cansina, ante el aluvión de imágenes a toda velocidad. Es como estar delante de un cuadro abstracto, y sentir que al final con menos intensidad de colores habría valido igual. Lo que nos quiere transmitir está ahí, eso lo hace de fábula, pero tal vez, hacerlo más sencillo, habría supuesto que los más peques la disfrutaran igual que los adultos.

*Bebe de otras fuentes pero manteniendo su origen

Deep sea: viaje a las profundidades, tiene un aire que bebe indudablemente del mejor Miyazaki. Ese que nos deslumbró con El viaje de Chihiro (2001) o El castillo ambulante (2004). Pero sin renunciar al propio arte de su país, con los retorcidos personajes (el chef del submarino es una especie de Joker del universo DC ) que aparecen en pantalla, su humor totalmente diferente al japonés, y sobretodo como contar la historia. El ritmo del film es trepidante, tomándose solo determinados momentos para la reflexión, y dejando que nosotros descansemos de la amalgama de fluidos y retorcimientos que la animación nos ofrece. Con todo, el film se labra por el buen hacer de la trama, y eso hace que se nos vaya en un suspiro.

*Conclusión

Apuntar en vuestra agenda la fecha de estreno de este film de animación. Deep sea: viaje a las profundidades, es una muy buena película. Ofrece algo nuevo dentro de lo ya clásico, y eso hay que alabarlo. Su director Tian Xiao Peng, ha conseguido parir una película que una vez vista perdurará en el tiempo. No se si por la historia, pero desde luego por lo arriesgado de como hacerlo. Esa mezcla de CGI a la última, con la tinta china clásica, han creado un aspecto visual muy rico, pero como decía más arriba, el ritmo trepidante es algo sofocante, sin llegar a molestar del todo.

Estamos ante una de las mejores cintas de animación de lo que va de año sin duda, eso sí, yo no la recomendaría para menores de 10 años, pues las metáforas y diálogos en ocasiones se pueden hacer confusos a esas edades. Con todo, quién se acerque a ella, desde luego no la olvidará. Un drama con aventuras marinas a la cabeza.

Escrito por Víctor Vega Cuervo