Una película aparentemente amable, con toques de comedia, pero que nos deja helados. Alexander Payne hace una disección del americano medio, y denuncia la falta de empatía de la sociedad con nuestros mayores. Jack Nicholson hace uno de sus grandes papeles al encarnar a un empleado de seguros que se acaba de jubilar, que pierde repentinamente a su mujer, y que se empeña en evitar la boda de su hija. Un hombre, en definitiva, que ha perdido su sitio en el mundo. La película tiene toques histriónicos, pero tras el envoltorio de una puesta en escena anodina y de unos chistes no siempre brillantes se nos acaba mostrando como una gran tragedia de la que todos somos protagonistas. Todos conocemos a alguien como Schmidt, y seguramente nos parezcamos un poco a él si llegamos a enfrentarnos a una situación similar. Con otro actor, la película podría haber naufragado. La película tiene altibajos, hay situaciones en el filo entre la ternura y la ridiculez que nos dejan una sensación incómoda. Pero la última media hora es memorable.

Un cierre de lujo para la breve filmografía de Murnau. "Tabú" fue en su momento una innovadora experiencia gracias a la combinación entre documental y cine de ficción. La película muestra paisajes exóticos y hace un estudio antropológico de una civilización remota y hermanada con la naturaleza, reflexionando sobre la expansión del hombre occidental sobre tierras vírgenes, pero a la vez contiene un relato de aventuras con todos los condicionantes del género. El ritmo es vivaz gracias a un estilo narrativo marca de la casa, que prescinde de intertítulos y hace del montaje una herramienta básica tanto para contar la historia como para generar tensión e intriga en el espectador. Gracias a gente como Murnau, el cine ya era cine hace muchos años.

Las escenas de baile, o la inmersión para conseguir una perla, son ejemplos de modernidad cinematográfica. Y como guinda, un desenlace memorable.

Interesante pero sobrevalorada película de Paul Verhoeven. El film es impactante y perverso desde su inicio, pero en mi opinión el desarrollo de la trama queda lejos de las ambiciosas intenciones del director.

Verhoeven intenta arrojar sobre la cara del espectador las contradicciones, caprichos y perversiones del ser humano. "Elle" es una crítica a los convencionalismos relatada de manera muy potente. La escena inicial de la agresión, con el gato como testigo mudo e impertérrito, es todo un logro. El problema es que pronto resulta que el pobre animal es el único que se comporta de un modo mínimamente lógico. La película avanza a base de jugar al despiste con el espectador, de una manera demasiado burda. Una cosa es que todos seamos contradictorios, o tengamos dentro de nosotros una criatura maléfica y políticamente incorrecta a la que nos esforzamos en ocultar... Y otra muy distinta es querer provocar la reflexión del espectador mediante meros bandazos o incoherencias en el comportamiento de los personajes. La atracción que el argumento me generaba en un principio acaba derivando en desinterés al ver que las decisiones de los personajes ante las situaciones a las que se enfrentan parece obedecer sólo al azar. Bien Isabelle Huppert (como siempre), y bien Verhoeven a la hora de crear una atmósfera agobiante y negra. Pero, más allá del estilo, el espectador (bueno, yo) acaba más confundido que otra cosa, y los devaneos mentales de los personajes (de todos) acaban resultando un juego histriónico y aleatorio. Y el final está a la altura de toda esta deriva...

Siempre pienso lo mismo cuando veo una película de esta época… Nadie sabe cómo habría evolucionado el cine si la irrupción del sonoro a finales de los años 20 no hubiese puesto la industria del revés. Aunque han pasado casi 90 años, “The crowd” puede disfrutarse hoy como una colección de escenas antológicas (el contrapicado del rascacielos y la irrupción en la macrooficina, la muerte del padre, la feria, la discusión de la pareja previa a la noticia del embarazo, la agonía de la hija, el delirio ante el cuaderno de contabilidad…), pero también como una historia rotundamente actual sobre los sueños, el éxito y la alienación social. King Vidor sigue un estilo potente en las formas, que deslumbra al espectador, pero en los momentos de intimidad sabe mostrarse elegante y delicado, cuidando detalles, miradas y gestos. Las escenas transmiten siempre tensión, en una cadencia narrativa que casi nunca necesita intertítulos. James Murray cae en la sobreactuación propia de la época, pero Eleanor Boardman está soberbia. Y, de todos modos, el personaje fundamental es la masa humana que marca una corriente implacable y despiadada, que no se para ni ante un joven voluntarioso de expectativas frustradas, ni ante un padre de familia incapaz de sacar adelante a su esposa e hijos, ni ante el último aliento de una niña a punto de fallecer… Aun así, Vidor hace una fábula de mensaje optimista, que invita a construir la felicidad mediante las pequeñas cosas de nuestro entorno más cercano, y no mediante valores abstractos que llevan a la deshumanización.

Una gozada de película que he vuelto a revisar pasados unos años, y que me ha gustado incluso más que la primera vez.

"Techo y comida" es una película lineal y previsible, de estructura simple, en la que el rotundo mensaje de denuncia social se intenta transmitir únicamente a través de un estilo sobrio y de un progresivo aumento del voltaje de la trama. La protagonista ve cómo va empeorando su situación e intenta sobrellevarla de la manera más digna y normal posible. En su soledad, me viene a la cabeza la imagen de un náufrago en alta mar, aferrado a una balsa que hace agua. Juan Miguel del Castillo carga las tintas mediante una constante acumulación de contrariedades, con lo que el argumento se reduce al intento desesperado de evitar un desenlace inexorable previamente marcado. No obstante, la austera puesta en escena, la lograda y realista composición de ambientes y la monumental interpretación de Natalia de Molina consiguen dotar a este modesto film de la emoción suficiente como para dejar poso. Bueno, todo eso y el logrado plano de una madre y su hijo abrazándose mientras una muchedumbre aborregada clama jubilosa por una banal victoria futbolística. Además de brillante, esa imagen es conmovedora porque supone ir más allá de la fácil condena al sistema o a los bancos como los obvios culpables de la crisis, y traslada un mensaje muy pesimista por parte del director. Así no se puede.