Venezuela concursó en en los Oscar 2010 con una película de lucha, miseria y superación. Vaya, nada nuevo. El cine venezolano quiere reivindicarse y ha utilizado esta película como representante de una cinematografía en auge. Hermano nos devuelve a ese terreno hostil, de extrema pobreza e ilusiones de hierro que ya vimos en títulos como Ciudad de Dios o Tropa de Élite. Como ocurría con Sin nombre, todas ellas sudamericanas, Hermano es una película que conectará con el discurso triunfalista norteamericano. Hermano me parece almibarada; y sin ser un gran experto en temas futbolísticos, las remontadas en el campo que protagonizan los hermanos protagonistas no me parecen creibles (directamente, y lo digo con la boca pequeña, están mal filmadas: véase el final de Invictus como antítesis y modelo a seguir). Prefiere hablar de una historia que ocurre en un contexto pero sin tratar ese contexto, y eso es un error de fondo y forma considerable. No hay ni crítica ni estilo.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities

El cine de Marc Recha siempre ha tenido en la familia uno de sus temas recurrentes: ahí está la historia de reencuentro y luto de 'Pau i el seu germà', la camaradería de las criaturas que poblaban el universo fronterizo de 'Les mans buides' o el viaje fraternal que emprenden los personajes de 'Dies d'agost'. En 'Un dia perfecte per volar', Recha llega a la cumbre de su cine sensible y minimalista con la historia de un padre que entretiene a su hijo con la historia de un gigante imaginario. Dos únicos personajes y el paisaje empordanés llenan los 70 minutos de esta preciosa alegoría sobre la infancia, la paternidad y la imaginación. Una película en la que se cuentan historias: el niño escucha fascinado las fabulaciones del mayor, y los espectadores, igual de embobados, evocamos en nuestra cabeza las estampas del cuento. Con la familia, de nuevo, como protagonista silencioso de la trama. Una obra cargada de amor y sensibilidad, de regusto amargo y espíritu vitalista. Puede parecer una película menor, pero pocos films son tan sinceros y sencillos (que no simples) como la crónica de este día de excursiones y cometas. Una belleza.

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Capa caída es un ejercicio pintoresco, chanante y cinéfilo que rinde culto a la figura de Magno, un superhéroe caído en desgracia en cuyos superpoderes y comportamientos queda parodiada gran parte del 'ser español', algo que ya hacía, salvando las distancias, el Torrente de Segura. Capa caída es un juego entre amigos, un capricho de estética retro trufado de momentos absurdos pensados para saciar ciertas audiencias hooligans o frikis que congrega un festival como Sitges. La película de Santiago Alvarado, contra todo pronóstico, resulta fresca, original, inclasificable y muy divertida, e incluso merece trascender la anécdota y estrenarse por las vías habituales y portales virtuales. Un falso documental al que le faltan muchos hervores y que tal vez se hubiese podido reubicar como corto o mediometraje (a veces la premisa no da para más), pero en conjunto la sensación predominante es la de haber asistido a un experimento audiovisual muy consciente de sus limitaciones y muy respetuoso con los referentes cinematográficos que homenajea. Una broma con mucha chicha: Magno es un personaje digno de estudio.

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El cine de Álex de la Iglesia siempre ha sido eminentemente masculino, pero en el fondo sus tramas están controladas por mujeres. Ellas, según el esquema de De la Iglesia, complican y dan sentido a la existencia de ellos. La guerra de sexos es la base de Las brujas de Zugarramurdi, película que tras sus capas de magia, thriller y parodia esconde el discurso de toda la vida ampliado y desvirtuado. En esta ocasión, las mujeres son unas brujas dispuestas a hacer la vida imposible a dos ladrones de poca monta que intentan fugarse a Francia tras atracar una tienda de 'Vendo oro'. A ello se le suma la novia desquiciada de uno de los atracadores, dos policías con secreto y una profecía en la que aparece 'una esponja amarilla'. ¿Que suena raro? La película lo es todavía más.

De la Iglesia tiene un sentido del humor y del thriller impresionante: como espectador te coge, te zarandea y no te suelta. Las brujas de Zugarramurdi invita a la risa, tiene algunas escenas bastante terroríficas, y por tener hasta presume de un Carlos Areces y Santiago Segura vestidos de mujer mayor. El film tiene un problema grave: va tan deprisa, se sabe tan loca y está tan desbocada que al final acaba estampándose contra la cuneta, uniendo momentos sublimes con otros directamente ridículos. El film no deja de ser un juego, una función más del circo de los horrores que tanto interesa a De la Iglesia y que cita de forma directa en su surrealista epílogo. Por la calidad de su reparto y de sus aspectos técnicos, cuestiones que seguramente serán valoradas en los próximos premios Goya, estamos ante un film con potencial de obra de culto, algo que ya sucedió con El día de la bestia. Y a pocos días para su estreno en salas, cabe destacar que estamos ante un film de vocación popular que se disfruta más con la sala llena conteniendo el aliento o soltando risotadas: en épocas de baja asistencia a las salas, el film propone una catarsis colectiva en pantalla grande.

En resumen, una batidora que tritura cualquier sentido de la lógica, y la diversión de Crimen ferpecto o La comunidad es sustituida aqui por una sensación de grandilocuencia y saturación. Cuesta articular palabra tras los primeros títulos de crédito (no diremos por qué) y uno no sabe qué decir cuando se abren las luces. ¿Conclusión? Las brujas de Zugarramurdi es un film demasiado loco, incluso para venir firmado de alguien tan desquiciado como De la Iglesia.

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Los 7 samuráis es una película tan grande que ante ella solo queda agacharse y entonar una reverencia. El maestro Kurosawa habla del ser humano, de las falsas apariencias y de los males que siempre nos acechan. Paralelamente, aporta al cine de samurais su obra clave, coge lo mejor del western y cincela personajes memorables. Son 205 minutos de acción dialéctica y bélica, narración trepidante que sigue sorprendiendo por sus matices, por su complejidad, por su capacidad de mantener la atención del espectador con la épica de la palabra y de la katana. Kurosawa nunca perdió de vista lo humano, y pocos autores presumen de la sabiduría y la agudeza del clásico nipón. La ficción actual debería pedir cita en la filmoteca más cercana con Los 7 samuráis, porque casi nunca el cine de acción llega a tales cuotas de intensidad, y porque casi todas las películas que presumen de cierta trascendencia ni tan siquiera se acercan a la hondura de este monumento. ¡Qué placer sería verla en pantalla grande! Los clásicos están mitificados en exceso, seguramente porque pocos se han dedicado a actualizar la lista de films que siguen recibiendo tal etiqueta (no solo media el concepto 'temporal'...): reservemos ese honor a las películas del ayer que siguen en pie hoy y de las que aprenderemos mucho en el futuro, y de ser así incluyamos sin duda Los 7 samuráis en el trono de las máximas maravillas del séptimo arte.

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