Creo que ya ha pasado suficientemente tiempo desde el estreno de “La puerta del cielo” para poder decir claramente que la crítica y el público de la época no fueron justos con esta película. Es verdad que esta cinta pertenece a ese tipo de obras que nunca ha estado en su sitio correcto porque no es una película para hundir una productora ni para tener cinco nominaciones a los premios Razzie, pero el problema es que estoy percibiendo últimamente que empieza a surgir una nube de legionarios que reivindican esta película como la tierra prometida y la gran obra maestra incomprendida de la historia del cine y eso con todos mis respetos no es verdad.
Estamos ante buena película, de eso no cabe duda, pero también es en exceso autocontemplativa y megalomaniaca que demuestra que no a todos les sienta bien la fama.

Michael Cimino se equivocó al intentar autoplagiarse de forma evidente y no comprender que “El cazador” era única y su verdadera obra maestra. Y lo mejor después de un gran éxito es cambiar de registro para evitar las dichosas comparaciones.

Extraordinarios de verdad los vestuarios –esas gabardinas a lo Leone- y unas localizaciones maravillosas que fueron genialmente retratadas por lo de la película que es la fotografía de Vilmos Zsigmond, que nos traslada de forma inmejorable a una época pocas veces tan bien matizada con esos colores fríos y tristes.

La música de David Mansfield, irregular, como la película, alternando temas estupendos con otros cargantes.

Los actores dispersos, mientras Kris Kristofferson da la talla sobradamente, resulta que el casi siempre sólido Christopher Walken parece un pegote postizo y no se encuentra cómodo en ningún momento.
Isabelle Huppert no me convence lo más mínimo. No me creo que sea prostituta en el Oeste del siglo XIX.

Es verdad que la versión que circula por ahí está cortada, pero eso no vale de excusas para empezar a decir que no se puede valorar, primero porque el propio Cimino ha dicho una y mil veces que la versión corta se ajusta perfectamente a lo que él buscaba y en segundo lugar porque incluso en la versión corta hay infinidad de escenas que se alargan innecesariamente hasta la saciedad, la larga ni te cuento...

Se ha dicho que el fracaso de esta película fue por motivos políticos, que si denunciar que aquello no era la tierra de las oportunidades sino la tierra de las zancadillas para los emigrantes no gustaba al establishment norteamericano. Bueno sólo a medias.
Realmente la población del condado pide formar parte de una sociedad, no tanto cambiarla.
Al grito de ¡Viva América! Se levantan en armas. Es decir un grito territorial, no social. Más bien es sustituir la vieja América del Antiguo Régimen basada en anglosajones, escandinavos y alemanes por la nueva América de finales del siglo XIX compuesta de contingentes de inmigrantes italianos, griegos, balcánicos y eslavos.

No se puede -ni se debe- jamás separar forma y fondo, porque ambos forman parte de la misma esencia. El que lo hace acaba por ser necesariamente superficial, materialista y epidérmico.

Los artistas (o los que se creen que lo son) piensan que a ellos la ética no les afecta. Y eso no es más un esbirro más en manos del poder y de la ideología. Exactamente igual que un militar o un periodista.

Una de las justificaciones más recurrentes es el del famoso historicismo. ¡Si es que la sociedad era racista! Falso amigo. Muchísimos liberales famosos de la época se mostraron en contra en los Estados Unidos. Además colectivos como asociaciones, universidades (entre ellas Harvard) y periódicos mostraron su total rechazo. Y en Europa se la calificó de lo que es de un racismo barato.

Además ya han pasado ciento cincuenta años de la revolución francesa y ya han venido a este mundo Buda, Confucio, Cristo... o Tolstói. La película produjo una gran cantidad de palizas y asesinatos de negros en diferentes partes del país. Es decir no sólo nos trajo los primeros planos...

Las aportaciones de Griffith al cine son indudables. ¿Y? También ocurre en otras muchas disciplinas y materias y no estamos recurrentemente hablando de ello. ¿Por qué cada vez que se da un mitin político no se aplaude a Goebbles y se reconoce que todas las puestas en escena actuales son deudoras de la Alemania nazi? ¿O cada vez que empieza un partido de fútbol no se habla de Leni Riefenstahl y se dice que todas las retransmisiones deportivas la deben algo? ¿Ah... Qué no son norteamericanos? Entiendo.

A mi no me preocupa el racismo, sino la forma en que Griffith lo defiende, demuestra un infantilismo desgarrador y una falta de intelectualidad preocupante. Griffith ha sido un gran técnico, pero no un gran genio. El cómo nos lo vende hace que entendamos que la historia esté adaptada de un par de novelas de medio pelo de un par de racistas sureños.

Y es que encima la película tiene bastante momentos plomizos, Griffith es tan moderno que en ocasiones resulta soporífero, y es casi imposible que las más de tres horas de metraje no se hagan un poco largas. La película está por encima de todas las de la época e incluso es más moderna y compleja que la mayoría de películas de los años 20 y parte de los 30.

La música es espectacular, pero la mayor parte ha sido añadida con mucha posterioridad por lo que no se puede valorar positivamente. Como película es inferior a “Intolerancia”, en muchos aspectos y en conjunto también

Mi abuelo fue bombero en unos tiempos donde los medios no eran precisamente los mejores - por supuesto infinitamente peores que los de la película-. Sufrió casi 25 accidentes en actos de servicio, y se hizo querer y respetar por todos. Llegó a Jefe de Bomberos de una capital de provincia española, y lamentablemente falleció en una operación que a priori no tenía mucha importancia. Yo era un niño, y nunca pude preguntarle que le pareció “El coloso en llamas”. Pero estoy seguro que le gustó. A mí también. Por eso esta crítica está dedicada a todos los hombres y mujeres que luchan contra el fuego y que nunca tendrán tantas películas como los abogados, los militares, los políticos o los periodistas, pero que probablemente son igual de importantes o más.

“El coloso en llamas” es la Biblia del cine de catástrofes, no cabe duda. Estamos en el momento culminante de este tipo de subgénero que hizo furor en los setenta. Antes hubo otras y después vendrían más, pero ninguna como esta.

Y es que conseguir que la 20th Century Fox y la Warner Bros, se unan para un proyecto así ya dice mucho. Al frente del proyecto Irwin Allen, el mayor especialista de este tipo de películas (“The Master of Disaster” le llaman en Estados Unidos), que se encargó de rodar las escenas de acción. En cambio, las pausadas y de diálogo las filmó John Guillermin, un director británico de mucha clase.

El resultado es muy bueno -destaco especialmente su montaje- demostrando que una superproducción también puede tener momentos de gran intimidad en medio de escenas grandilocuentes. Los secundarios perfectos, de los protagonistas Newman bastante mejor que McQueen. La crítica a los constructores, sigue siendo la más sencilla y lúcida que se ha hecho jamás.

Por cierto, el vestido de Faye Dunaway es el que hace que la temperatura suba. Que mujer. Si la hubieran echado agua encima el fuego se hubiera extinguido antes.

Nota: 7,6.

Hace relativamente pocos años la Biblioteca del Congreso estadounidense anunciaba que “Alien, el octavo pasajero” debía de incluirse como monumento a la cultura. Pasaba por tanto a estar en esa exclusiva lista de películas que se hacen copias especiales de seguridad para preservarlas para la posteridad.

Afirmar sobre la trascendencia o no de esta película es complicado, desde luego que si hablamos de cultura popular la tiene y si nos ceñimos a lo meramente cinematográfico mucho más.

Probablemente es el mejor ejemplo de matrimonio entre el terror y la ciencia-ficción que ha deparado el cine. Yo añadiría además el thriller, la película tiene mucho de eso.

La historia está muy vagamente basada en un relato de Conrad, aunque es uno de esos guiones que pasaron por tantas manos que no es fácil decir de quien es hijo. Es verdad que la idea y el primer guión fue de Dan O'Bannon, pero de ahí al final, hubo muchos cambios. Precisamente muchos de ellos fueron obra de Walter Hill, que iba a ser el director, y que le da a la película más ritmo y menos tertulia.

Pero hablar de “Alien” es hacerlo de su factura. Una película de ciencia-ficción, que transcurra en una nave, en el espacio… puede tener más o menos un buen guión pero como no tenga un diseño de producción, unos decorados, unos efectos especiales… todo es trabajo baldío. “Alien” tiene eso y más. Me es imposible recordar una nave mejor hecha que la Nostromo. Y han pasado 30 años. Sobresaliente en todos los apartados técnicos, eso es crear una atmósfera envolvente.

Se nota además que es más europea que americana, rodada íntegramente en decorados en los estudios de Inglaterra, está llena de diseñadores y artistas del viejo continente. Pero lo genial es que es encima es comercial. Y mucho. Si uno puede estudiar detenidamente el guión puede advertir todos los tópicos ya inventados anteriormente. Pero funcionan, y lo hacen porque no hay texto sin contexto. Por eso aunque sean más de una vez ridículos (¿Qué hacen esos tipos detrás de un alien por la nave con una red o abusando del gatito como elemento de suspense?) todo termina por cuadrar en una obra que tiene tanto de superproducción comercial, como de obra personal y de autor.

Encima vaya reparto, con esos actores te puedes ir a otra galaxia que la película te va a funcionar. Maravillosa Sigourney Weaver, con una de la escena erótico-espacial más famosa de la historia del cine.

Dentro de 30 años “Alien” de Ridley Scott seguirá siendo igual de buena, eso seguro.

Nota: 8,4.

"La dama de Shanghai" fue en su día un fracaso de crítica y de público. Hoy en día está considerado por algunos como una obra maestra. Pues ni una cosa ni otra. "La dama de Shanghai" es una obra menor en la trayectoria de Welles, muy inferior a "Ciudadano Kane", "El cuarto mandamiento" o "Sed de mal", que sin embargo contiene algunas secuencias y planos de primera calidad y algunos diálogos y monólogos (la voz de off de Welles es muy ingeniosa) de lo mejor de la época.
Welles intentó una película de cine negro tan habituales en la época de los años 40 con el atractivo de su mujer (aunque llevaban dos años sin hablarse y estaban a punto de obtener el divorcio) una bellísima Rita Hayworth, que aunque no está como en "Gilda" evidentemente, hace una interpretación más que aceptable. Sin embargo la jugada le salió mal y tuvo que emigrar a Europa para relanzar su carrera. Welles gana mucho en los diálogos y lo pierde dando mamporros a diestro y siniestro en ciertas partes del film que no resultan muy verosímiles. No cabe duda que estamos ante una de esas películas de grandes momentos pero que en conjunto baja bastante.
Una buena película, que con la firma de Welles, la presencia de la Hayworth más alguna escena mítica (por ejemplo la final de los espejos) ha hecho con el tiempo que se sobrevalore un tanto.