Aunque el director de la película Marte necesita mamás (2011) es Simon Wells, la verdad es que la mano del productor Robert Zemeckis, sin querer queriendo, se siente a lo largo de todo el metraje, sobre todo por el estilo de animación que nos trae este filme. Se trata de la misma técnica de captura de movimientos de actores reales que le fue tan exitosa a Zemeckis con la película Expreso polar (2004).
Creo que el señor Simon Wells solo hizo su trabajo de dirección al estilo de un maestro de obras, o sea, dirigido por un ingeniero o un arquitecto. Aquí la mano de Robert Zemeckis es como la mano de un dios, no hay duda. Decía Picasso: “¡Ay de los que me imitan, porque de ellos serán mis errores!”, lo cual le viene bien a esta película, porque Zemeckis se “autoplagia” al punto tal que repite los errores que ya le son conocidos en sus filmes digitales.
Tan fácil como cae una mosca en la leche, el filme nos complace con un exhaustivo espectáculo visual, donde las imágenes van con frenético movimiento y son puntillosas hasta el detalle menos pensado. Lo acepto, es impresionante la espectacularidad de algunas imágenes (por secuencias), lo que hace que la película guste fácilmente a la huella del ojo.
Mas, no lo olvidemos, el cine es fundamentalmente narración, y la trama es lo que más se descuida en Marte necesita mamás. Incluso, uno siente que el argumento va a la deriva, como velero en tormenta, con situaciones nunca bien explicadas y con vacíos llenados a pura acción, lo que permite la celeridad de los personajes animados. Esas secuencias de acción se mezclan con mensajes simplones: vano intento fabulador de la película, que habla del amor de las madres de manera trillada.
Insisto, porque es la gran debilidad de este largometraje, las imágenes –aunque bien logradas– parecen hechas para estar en lugar de una narrativa sólida, donde ni siquiera los personajes son interesantes. Son personajes extraños, incluso físicamente, pero no interesantes, por lo que aportan poco al provecho de la película. Todo se queda en el virtuosismo formal o técnico.
De hecho, para repetir una idea ajena que le escuché a un amigo, los personajes son cada uno un maniquí distinto, porque no están bien logradas sus expresiones y nos recuerdan, digo yo, que el cine animado está aún lejos de sustituir a los actores en escena. Se podrán describir muy bien hasta los detalles de la piel, hasta el vello de los personajes, pero no hay nada que ahonde en el “alma” de tales personajes.
Esa es la deficiencia orgánica de la película, por lo que esta se queda colgando de principio a fin, con un pie en el estribo, pero colgando. Vi la “peli” dos veces: en 2D y en 3D, y me quedo con la primera. Su tercera dimensión solo aumenta la profundidad de campo, nada más, es bien comercial: lo que mejor logra es acrecentar el precio del boleto, así de simple.
wílliam venegas
crítico de cine de periódico La Nación
San José, Costa Rica

La vida es femenina
Y el cine es humanismo
He aquí una película donde las imágenes revientan con notoria sensibilidad femenina, mérito cuando nos enteramos que está realizada por un hombre. Este es el colombiano Rodrigo García, quien se labra su nombre por sí solo con sus distintos largometrajes, pero de quien es necesario decir que es hijo del escritor Gabriel García Márquez. La película se titula Madre e hija (2009).
Rodrigo García alterna su residencia entre Estados Unidos y México y –de este periplo– viene su colaboración con el afamado director mexicano Alejandro González Iñárritu, quien se presenta como productor ejecutivo de Madre e hija. Este filme desarrolla una historia coral, manera para decir que se trata de historias distintas que, por su propia dinámica u origen, han de confluir entre sí de alguna forma.
Cada historia se centra en una mujer diferente y cada mujer le da apreciada fuerza a su respectiva fábula (por el carácter moralizante que hay en el filme). Esto se manifiesta así gracias a las buenas actuaciones de las tres intérpretes del caso (la película muestra muy buena dirección de actores). El drama conjuga la vida esas mujeres, aunque –por momentos– la fuerza dramática cede innecesariamente ante el melodrama.
Primero, tenemos a una madre de unos 50 años (la actriz Annette Bening), quien tuvo una niña a los 14, que le fue quitada y dada en adopción (esta parte se relata con buen manejo de la elipsis narrativa). Luego se nos presenta a la hija (Naomi Watts), con 35 años, abogada, quien enfrenta la vida con mucho cinismo ante las ausencias vitales que sufre. Tercero, está una mujer afroamericana (Kerry Washington), quien quiere adoptar una niña.
Madre e hija esculca en las historias de esas tres mujeres y, poco a poco, vamos entendiendo cuáles son las circunstancias que las convierten en una sola historia, siempre con el dominio de las constantes femeninas entre madres e hijas que, igual, llegan a ser entre abuelas y nietas.
Rodrigo García logra, al final, convertir lo coral en una sola tensión y sentimos que la naturaleza humana se ennoblece por el carácter umbilical de la vida con respecto a la mujer. Es una moraleja digna. A la vez, se trata de un filme capaz de hacernos creer en la redención personal. Las buenas actuaciones tienen mucho que ver con este énfasis. Uno sale satisfecho de la sala: no es una obra de arte, pero es cine contado con mucha humanidad.

Aunque más parece un camaleón, Rango es una lagartija vaquera, al menos eso se dice en la película Rango (2011), dirigida por Gore Verbinski. Lagartija o camaleón, con dicho personaje tenemos una película prácticamente perfecta con su diseño animado por computadora.
En ese aspecto, es impecable la mostración visual del Oeste crepuscular, cuando los vaqueros se resisten a morir. Los viejos pueblos con sus calles polvorosas muestran su propia decadencia. El Espíritu del Oeste tiende a esfumarse, los bares ya no son los mismos ni los alguaciles. Es cuando llega el fanfarrón de Rango, quien ofrece lo que no puede dar: esperanzas vaqueras. De pronto, llevado contra la pared, Rango es capaz de encontrar el Espíritu del Oeste y, de paso, ponerse a buscar agua. La falta de agua hace desaparecer ranchos y haciendas, poblados y casas. ¿Por qué no hay agua? Alguien está lucrando con ella, con el pretexto del desarrollo urbanizador. La historia tiene vigencia, pero la película prefiere destacarse por el aspecto novedoso de su presentación visual, distinta a muchos filmes animados. Así, se concentra más en sus imágenes que en el buen desarrollo de su historia. La definición de personajes (por original) es muy buena, lo que lleva a diálogos fuera de lo común entre sujetos con cualidades humanas, pero con rasgos físicos propios de animales más bien repulsivos, incluso asquerosos. Es como si la suerte del viejo Oeste se decidiera con animales propios de covachas, chiqueros, escombros, pocilgas, desvanes, basureros y rincones sucios u oscuros.
Hasta ahí la cinta está bien lograda. Sin embargo, el cine no es solo iconografía, igual es narración, y aquí sí se cae la película, por su incapacidad para emocionar con su relato. Más bien, el filme se aletarga con presuntuosos vacíos narrativos y le cuesta hacer el planteo de situaciones para tener un mejor ritmo. Rango es cine de brío visual, pero con ocaso narrativo; o sea, es una película renca e innecesariamente exagerada, que busca ser homenaje al espagueti-western y que, ¡por dicha!, no viene en 3D. No creo que sea cinta para niños. Lo digo sin afán calificador, que esto es trabajo de los censores públicos.