Repasando títulos de un maravilloso año 2019, me topo con "The two Popes", película alabada por la crítica y el público que quedo relevada a un segundo plano. Un relato inspirado en las dos últimas figuras de máxima representación de la iglesia Católica; los dos último Papas. Basada en hecho reales, se centra a exponer la relación entre el pasado Papa Benedicto XVI y el Papa actual Francisco I, que abordan su pasado y deben hacer frente a las demandas del mundo moderno para que el cristianismo avance.

Quien en su día nos trajo "Ciudad de Dios", película de gran renombre que refleja el aterrador mundo del crimen organizado en las favelas de Río de Janeiro, Francisco Mierelles, se embarca ante un relato con el que expone la crisis de carencia de la fe cristiana actual, una crisis con la que los líderes del Vaticano deberán hacer frente. Des de una misma fe pero en puntos completamente opuestos, una conservadora y el otra progresista, los dos Papas, contendrán para defender y exculpar sus diferentes visiones de una misma creencia. Inmerso en un debate potente e interesante en el punto donde mayor fuerza ejerce la narración, aún desaprovechado al no indagar lo suficiente en asuntos delicados.

Enfocado en el personaje de Jonathan Pryce, encarnando al Papa Francisco en una interpretación soberbia, en el que cuanto más entramos en sus doctrinas, más profundizamos en su historia personal, aclarando y argumentando el porqué de sus ideas. Dando una apariencia documental en la narración con una dirección notable que posee un lenguaje visual expresivo y destacable.

Una película narrada con la finalidad de dar un mensaje de redención de la figura del Vaticano, que escatima en autocrítica, y que puede funcionar a unos más, y a otros menos. Indiferentemente de tus creencias, Meirelles logra expresarse con destreza y cercanía, a la vez que alcanza humanizar la imagen del Papa, divinizada por el hombre.

El dúo francés formado por Oliver Nakache y Eric Toledano, autores de cintas como “C’est la vie”, “Samba” y “Intouchables” (Intocable), se embarca a un nuevo proyecto en el que se adentra al mundo de los niños y adolescentes autistas, y aquellas organizaciones encargadas de darles un cuidado y un sitio en esta sociedad. En ella, Bruno y Malik son dos amigos que durante 20 años, y mediante dos organizaciones sin ánimo de lucro, se han dedicado al cuidado de niños y adolescentes con problemas de autismo. A su vez, forman jóvenes marginados y sin recursos para dedicarse al cuidado de los casos más extremos. De esta manera, crean una asociación poco tradicional y especial para el cuidado de personas extraordinarias.

Nakache y Toledano crean un docudrama social con el que reflejar la cara más dura y realista del autismo más severo y agresivo, el día a día de una lucha constante de integración social contra una sociedad ciega, prejuiciosa y descuidada. Una forma de vida apoyada por escasas organizaciones que no pretenden adaptar al usuario con diversidad a esta sociedad, sino adaptar aquello que le envuelve a su percepción. A su vez, explora de manera secundaria la relación de las personas marginadas e invisibles de los suburbios con las personas autistas, encontrando ciertas semejanzas y fortaleciendo así la unión.

Para hacer un relato más verídico, los directores se han sumergido en el seno de las asociaciones para crear un guion nutrido por las propias experiencias que vivieron a diario, volviéndose así de un deseo intenso a una necesidad explicar y narrar esta película. A su vez, cuentan con un reparto encabezado por diferentes actores con problemas autistas, quienes han luchado contra sus condiciones y sus pautas para hacernos llegar éste retrato del mundo que les rodea. Logrando así un retrato realista, sin dulcificar ni filtrar, contado con veracidad, sinceridad y sentimiento.

Como ya nos tienen acostumbrados la música juega un gran peso, esta vez de la mano de “Grandbrothers”, persistiendo y predominando las diferentes y preciosas composiciones de piano.

Un retrato de lo distinto que abraza con fuerza el realismo, mostrándose discreta y cotidiana, pero muy bien narrada. Una película con un toque personal, simpática, emotiva, dura y denunciante, con la que Toledano y Nakache hacen de ella toda una lección de inclusión social.

Después de encandilar al jurado del Festival de Cine de Sitges con “Climax”, me despierta cierta curiosidad la nueva genialidad o tomadura de pelo del provocador realizador Gaspar Noé. Si en “Climax” nos sumerge en una crisis psicodélica colectiva de unos jóvenes bailarines intoxicados por LSD mezclada en sangría, ¿porque no ahora adentrarse en la tensión de una producción cinematográfica desastrosa de una quema de brujas posmoderna ametrallada por luces fluorescentes?

Con un rodaje de tan solo una semana y escenario de interior, Noé repta cámara al hombro por su plató de laberinto siguiendo a los múltiples personajes, cada uno con su tema y a ver quién chilla más alto. En su mayor parte divide el film en dos viñetas, cada una con acciones diferentes y ambientada con luces artificiales que cambian según el espacio y los acontecimientos, repletos de múltiples y agobiantes diálogos imposibles de seguir.

Si con su falta de sutileza y con más de media hora de puro estrés visual no tenemos suficiente, todo culmina con su quema de brujas donde seremos ametrallados por una ráfaga de flashes coloridos y un sonido agudo y chirriante que hará ladrar al perro del vecino. Si no apartas la mirada, antes que se quemen las brujas, se te queman las retinas o te desmayas y te sumerges en una profunda crisis epiléptica donde con suerte no te muerdes la lengua.

Si en “Irréversible” solo le faltaron 9 minutos para dejar su nombre con la escena de violación más insoportable y asquerosamente gráfica jamás filmada en el cine, (y único motivo por el cual se recuerda dicha película) en “Lux Æterna” le bastan solo 51 minutos para contar su última chifladura o experiencia sensorial y, pesar de que consigue lo que se propone, agradecemos que no dure ni un minuto más. Así que dependiendo del grado de masoquismo, el espectador decide, ¿genialidad?, ¿tomadura de pelo? o ¿genial tomadura de pelo?

Pixar vuelve por segunda vez este año, pero en esta ocasión viene dispuesto a ayudarnos a sobrepasar este pasado fatídico 2020 al que despedimos con auténtica alegría, y no es por menos, ya que Pixar nos da un soplo de aire fresco que no nos podía sentar mejor. “Soul”, el nuevo proyecto del inconfundible estudio cinematográfico de animación, viene como regalo de Navidad para los subscriptores de Disney +, para así emergerte en el mundo de las emociones, por qué ¿Acaso nunca te has preguntado de donde proviene tu pasión, tus sueños y tus intereses? ¿Qué es los que te hacer ser… tú? “Soul” te lleva en un viaje desde las calles de Nueva York a los reinos cósmicos para descubrir las respuestas a las preguntas más importantes de la vida.

El veterano Pete Docter, quien tiene el honor de ser creador de proyectos como “Monsters, Inc.”, “UP” y “Inside Out”, entre otros cortometrajes de animación, se junta con el no tan veterano Kemp Powers y, estando muy presente la originalidad de “Inside Out”, juntos codirigen esta fantástica aventura con viaje al más allá, (mejor dicho, al más atrás) des de la piel Joe Gardner, un afroamericano músico de Jazz que ha perdido su pasión, y que en su viaje conocerá a 22, una alma infantil sin razón de vivir, donde gracias a la unión de ambos conocerán los secretos más profundos de la existencia.

Una vez más, como ya lo hizo en “Coco”, el estudio muestra un gran dominio y respeto al manejar temas delicados, tales como las emociones, la vida, la muerte e incluso la frustración, depresión y ansiedad. La película se desarrolla tan enérgica como los mejores proyectos del estudio, tan profunda, fina y original como una pieza de Jazz en sí misma, acorde con las notas de su fabulosa banda sonora que acompaña la historia como un personaje más de la cinta. Y qué decir del apartado técnico y de diseño, tan impecable e inmejorable como nos tienen acostumbrados.

Si bien se me llena la boca de elogios, en su contra cabe destacar que aunque muestra una clara dirección y desarrollo de sus ideas, eso mismo la hace predecible, escatima de sorpresas y quizá de un punto de riesgo en su tramo final. A pesar de ello, ni en la mejor versión de sí misma llegaría a ser más emotiva.

Atrevida, bella y la más madura película de animación hecha por el estudio; con la que los niños disfrutarán con sus personajes y su humor, pero que se dirige directamente al alma del público adulto donde muchos despertaremos el niño que llevamos dentro para ver la vida con mejores ojos.

Almodóvar, gigantesco autor de renombre nacional e internacional, y a quien, por increíble que parezca, aún no me había aventurado a ver ninguna de sus obras. Me digno a descubrir al director con “Dolor y gloria”, film que narra cómo Salvador Malla, director de cine en su ocaso, rememora su trayectoria personal y profesional, mediante diferentes reencuentros, algunos físicos y otros mediante recuerdos; desde su infancia con su madre en Paterna, su primer deseo, su primer amor y la ruptura de este, el descubrimiento de su pasión por el cine, hasta la decadencia ante la imposibilidad de seguir escribiendo.

El cineasta indaga en lo más profundo de sus vivencias y así narrar una crónica personal donde trata la crudeza del paso del tiempo y de cómo este hace mella lentamente, deteriorando nuestro cuerpo a la vez que nuestra salud emocional, decayendo en el desánimo y la desmotivación, encontrando así descanso en la drogodependencia. A su vez, mediante los diferentes reencuentros y recuerdos, tendrá la oportunidad de resolver aquellos conflictos que quedaron abiertos, y perdonarse la autoculpa y el arrepentimiento, consiguiendo así un alivio y bienestar tanto en lo personal como en lo profesional.

Narrado con sencillez y belleza, sin magnificencias ni adornos técnicos, crea un relato profundamente íntimo y personal. Almodóvar combina el drama con ligeros toques de comedia simpática y afectiva; trata el reflejo de la infancia y la relación con su madre de manera tierna, afable e inocente, y maneja la trama de las drogas sin que, en ningún momento, resulte excesivo ni gratuito, haciendo más fácil empatizar con el protagonista.

Antonio Banderas está espléndido, natural y vigoroso, logrando una de sus mejores interpretaciones con la que ya recibe alabaciones tanto de la crítica como del público.

“Dolor y gloria”, un viaje interno triste y autoreflexivo sobre el pasado y el presente, que en ocasiones marca las distancias pero que en su conclusión logra ser un relato conmovedor, complaciente y emotivo. Una obra que me incita a querer explorar y conocer la extensa filmografía del autor.