Una de las cosas que más me fascina del cine francés es su capacidad de hacer retratos sociales duros y críticos sin morderse la lengua, con visión documental sin apartarse nunca de la ficción propia del cine. "El odio" es el mayor ejemplo de ello. Es una de las mejores películas europeas de los 90, se ha convertido en película de culto por méritos propios, está impregnada de la reputación y credibilidad hacia cualquier relato fílmico que confiere la buena utilización de la fotografía en blanco y negro, y además posee descaro y atrevimiento.

Acentúa el realismo con marcadas interpretaciones de actores nóveles (algunos de ellos vivían en esos barrios marginales que sirven de escenario en la película), encabezados por un entonces desconocido Vincent Cassel, por cuya sobreactuación contenida siempre he sentido simpatía. Los tres protagonistas simbolizan el odio (Vince), la razón (Hubert) y la indiferencia (Saïd), desencadenando enfrentamientos entre ellos (como la escena del baño donde todo el equipo se gusta a sí mismo) bastante lucidos. Las desventuras de estos personajes describen el fenómeno "swarming" como ninguna otra película que haya visto.

Aparte, invita a la reflexión y no se desborda a la hora de entrar en el campo pedagógico. La película resta importancia a dónde van a acabar los personajes ni hacia dónde se encaminan, sino que según avanza en el relato reta al espectador a descubrir dónde y cómo comenzaron sus idas y venidas, de dónde surge tanta violencia.

La superficie del relato la copan los recursos de cámara efectistas, los diálogos ácidos con un lenguaje soez a más no poder, con la sorpresa de un guion que no permite ver fisuras, y su capacidad predictiva. Desde luego es una película dura en su justa medida, con una planificación casi de sucesión de sketches, y con un delirio que se agradece.

Es la película más atípica pero más personal que jamás ha realizado Tim Burton, en la que cuenta las desventuras del catalogado como peor director de la historia del cine. Alejándose del biopic estándar, Tin Burton no ensalza la figura de su héroe, ni le desmitifica, ni siquiera intenta mostrar respeto o repulsión hacia él, simplemente se limita a contar su esencia, sus estravagancias y sus no pocas torpezas a la hora de trabajar en el cine, y cómo gracias a ellas se transforma en un personaje de lo más estrafalario y exótico.

Siendo algo tan particular y tan marca de la casa el humor negro y el afán por lo grotesco en el director, aquí no iba a ser menos. Pero los utiliza alejándose de sus mundos góticos y negros y los transporta a un mundo mas expresionista y real, y a la vez irreal, como lo son los estudios de Hollywood de los años 50. Esta película no es otra cosa que un canto de amor al cine y a su oficio, y curiosamente se lleva a cabo a través de un chapuzas y un freak como lo era Ed Wood.

Cada escena rebosa inteligencia, los chistes, diálogos y guiños tienen genialidad desbordada, y el elenco es insuperable. Johnny Depp está en el mejor papel de su carrera. Quizá no el más recordado ni admirado, pero sí que es el trabajo donde mejor demuestra lo capacitado que está para interpretar a personajes raros y singulares sin caer en lo absurdo ni en la sobreactuación. Y Martin Landau "es" Bela Lugosi. Uno de los mejores momentos es la conversación entre Ed Wood y Orson Welles, los dos extremos del cine. O la escena del pulpo gigante, genialmente patética.

Tiene un toque de magia que me gusta mucho. Está llena de entusiasmo y optimismo, y carece de aburrimiento. "¡A positivar"!, ya solo por esa frase dicha por Ed Wood habiendo rodado escenas sea como sea, y por lo ojipláticos que deja al resto de personajes, merece la penaser vista.

Pese a tomarse sus licencias respecto al cómic en el que se basa, "V de Vendetta" se erige como una odisea ideológica y política no carente de polémica, nada subliminal, y que en ningún momento esconde sus cartas, y que se beneficia de un romanticismo y de un poder perturbador que hipnotiza desde la primera escena. Es un blockbuster palomitero cuya fuerza no está en las explosiones, en las escenas de acción ni en artefactos de ningún tipo, sino en su mensaje, en sus diálogos y en sus ideas.

El mensaje es claro y directo: el mundo que habitamos es políticamente incorrecto, permanentemente amenazado por el terrorismo, del cual los gobiernos se benefician para campar a sus anchas en nombre de "la libertad" y en nombre de "la paz". El héroe de la película se presenta a nosotros como un vengador que pretende derrocar a un gobierno cuyas armas no difieren mucho de las de un terrorista, como "V" es tratado: el miedo, la opresión y la dominación de las masas a través de los medios. A medida que avanza, la película sostiene la incómoda posición de proclamar a un terrorista como liberador del pueblo, y lo hace sin flaquear en ningún momento, sin ceder en ningún momento hacia mensajes mas agradables.

Hasta el estreno de "Cisne negro", estamos ante el mejor papel de Natalie Portman, niña prodigio tras "León: el profesional" y que aquí se rebela como una de las mejores actrices de su generación. Magnífico Hugo Weaving, capaz de imprimir una personalidad señorial y cautivadora a "V" sin necesidad de mostrar en ningún momento del film su rostro. Unos personajes ambiguos, tan capaces de hacer que les amemos como de hacer que les tengamos verdadero miedo (la jugarreta de "V" a Evey para que ésta se implique definitivamente con él da pavor, en una de las mejores secuencias de la película). La química entre ambos es extraordinaria. Quizá está desaprovechado el personaje como villano de John Hurt, aunque es cierto que la película trata como antagonista al propio régimen al cual lidera, y no al propio tirano.

Es una película necesaria, sorprendente, polémica y analítica con el modelo de sociedad hacia el que nos dirigimos. Quizá le falte ambición, pero eso no le afecta para conseguir ser una película maravillosa, caótica, perturbadora y admirable, y que se arriesga a generar detractores por la fuerza y convicción del juicio al que somete al espectador. En ningún momento se acompleja por ello, así que "valiente", con V, es la palabra que mejor puede catalogarla.

Película casi destinada a ser una TV Movie, de bajo presupuesto, y que pasó casi desapercibida por las salas de cine en su momento, pero que cosechó un gran éxito en ventas de DVD y en los foros de internet, y hoy es considerada una película de culto entre cierto sector "geek" del público. Y la verdad es que a primera vista invita a pensar que se trata de un film de terror adolescente, cuando realmente es una obra fantástica que se mete de lleno en temas tan arduos y complicados de tratar como son las dimensiones paralelas o los viajes astrales y temporales. De momento tenemos un punto de partida valiente, con riesgo de no saber desarrollarse, o que caiga en un precipicio de sinsentidos.

Afortunadamente, Richard Kelly, que aparte de dirigir firma el guión, sabe llevar el asunto. Rechaza marear al espectador, le guía por la senda rápida, mete alguna subtrama interesante, pero su paso es firme, sabe de dónde parte y a dónde quiere llegar. Por supuesto que durante las casi 2 horas de visionado deja un hilillo de intriga constante que no sucumbe hasta los minutos finales, lo cual es básico, pero lo dicho, huye de las complicaciones. Ya de paso, se permite el lujo de criticar el sistema educativo y al sector conservador americano con algunos personajes como el de Patrick Swayze, quien sorprende en un papel que tenía toda la pinta de caer en el ridículo, pero que, al contrario, lo conduce de forma satírica e irónica hacia un inesperado destino.

Desde luego, no es un film de fotografía labrada, y posee ciertos efectos especiales baratos pero esenciales. Jake Gyllenhall está en "su" papel, y también hace acto de presencia la también productora de la película Drew Barrymore en un papel poco trascendental. Jena Malone tampoco destaca por su entusiasmo interpretativo. Y luego está el personaje de Frank, el conejo, un personaje que predice el fin del mundo y que quizá represente esa curiosidad del ser humano por el conocimiento pleno y por atravesar barreras, un personaje mitificado por ciertos foros.

Es un visionado interesante, una película que a cualquier espectador medio espabilado le resultará fácil de seguir, y que además está repleta de referencias a otras obras no sólo cinematográficas, sino literarias, pictóricas o musicales.

Se puede afirmar sin miedo a equivocarse que el siglo XXI llegó al cine con "Matrix",que revolucionó el género de la ficción con una orgía descomunal de efectos especiales, ilusorios, sonoros, con un potentísimo estilo visual y estético, que unidos a una historia muy original hacen de la película el último film de culto del siglo pasado.

Ya nadie puede dudar de lo que ha cambiado el cine de acción desde su estreno. El apartado técnico del film constituye por sí solo una revolución en todos los sentidos. El plano bullet-time inaugurado aquí es ya un referente, las coreografías en las escenas de acción estan muy bien estudiadas y realizadas, los movimientos de cámara, destacando los realentizados de imagen, son de lo mas innovadores, sin olvidarnos del potentísimo apartado sonoro.

Lo más importante de la trama es su forma y su ritmo, lo que mas interesa es el espectáculo y el entretenimiento del espectador, pero sin tomarle por tonto, algo que al parecer las sucesoras de esta película daban por supuesto. Aquí, la técnica está al servicio de aquello que se quiere contar.

Dentro del guión, nos encontramos con Neo, el cual es "despertado" por Morfeo y reclutado para conocer qué es la realidad. En la historia confluyen religión, filosofía, cibernética, humanismo y ontología a partes iguales. Todo ello enmarcado metafóricamente como si el mundo se tratase de un programa informático. Nos introduce también en la eterna batalla de la ciencia ficción entre máquinas y humanos, o también en el ser humano ajeno a una realidad que le domina, le rodea y le oprime discretamente. En este marco aparentemente futurista, vemos temas de Platón o de Marx, y podemos intuir la inspiración en "Ghost in the Shell" o "Dark City".

Todo es importante, incluso los nombres son sugerentes: Neo (nuevo), como el salvador, Trinity (haciendo referencia a la Santa Trinidad), Morfeo (el dios del sueño),... Las actuaciones, destacando a un encomiable Laurence Fishburne y a un tremendo Hugo Weaving que nos ha dejado a uno de los mejores villanos vistos y por ver. Incluso la sosa expresión de Keanu Reeves queda bien, esa cara de no saber qué sucede y de flipado es perfecta, es la misma cara que pone el espectador en su primer visionado, por lo que el objetivo de que el espectador se identifique con el protagonista se cumple a rajatabla.

A ésto le siguieron dos secuelas flojas y que no eran necesarias para entender o completar la propuesta de esta primera, una enorme serie de películas de acción con resultados del todo dispares, y ante todo, le ha seguido un cambio radical en el concepto de cine palomitero. Afortunadamente, Matrix posee entretenimiento, base incuestionable de este tipo de cine, e inteligencia, base incuestionable en el buen cine, y no se molestan la una a la otra. Simplemente, es una de esas películas necesarias para que nuestro querido Séptimo Arte continúe evolucionando.